具体描述
《中国戏曲通论(套装共2册)》由张庚、郭汉城为代表的10位戏曲理论者,精汇毕生研究成果,倾注各自才华心智而通力合作完成,是迄今为止最为全面、系统、完整的戏曲理论论著,不仅在当时具有很高的学术价值,即使对当下以及未来的戏曲舞台实践也都仍然可以发挥重要的理论指导作用。全书十一章,对戏曲的历史、现状与未来;对戏曲的文学、音乐、表演、导演及舞台美术、剧目生产等各个艺术环节,都进行了全面细致的阐述,并且各个部分都蕴含着整体的内在联系,堪称戏曲理论研究著述中的经典之作。
作者简介
张庚(1911年—2003年),原名姚禹玄,生于1911年1月22日,湖南长沙人。*国戏剧理论家、教育家、戏曲史家。1934年参加左翼剧联,开始从事戏剧活动。他对表演、导演、音乐都有较深的修养。在将近半个世纪的编辑、教学、研究和领导戏剧运动的实践中,撰写了大量有关戏剧艺术和戏剧运动的评论、讲稿、报告、论文和专著。中华人民共和国建立后,他全力投身于戏曲革新工作,认真贯彻“百花齐放,推陈出新”的方针,对编演现代戏、新编历史剧和整理改编传统剧目等进行了深入探讨和有益的实践。郭汉城,戏曲评论家,1917年生于浙江省萧山。1938年入延安陕北公学学习。1943年加入*国共产党。曾任察哈尔省文化局副局长、省文联主任,华北行政委员会文艺处副处长。新*国成立后,历任*国戏曲研究院剧目研究室认行,文化部艺术研究院副院长兼戏曲研究所所长,《戏曲研究》丛刊主编,国务院学位委员会第二届学科评议组成员,*国剧协第三届常务理事、第四届副主席,*国戏曲学会副会长。著有《戏曲剧目论集》、《当代戏曲发展轨迹》等,与张庚合作主编《*国戏曲通史》、《*国戏曲通论》等。
目录信息
前言
第一章中国戏曲与中国社会
第一节自成体系的中国戏曲
第二节戏曲生存与延续的社会条件
第三节戏曲的全国化
第四节戏曲的现代化
第二章中国戏曲的人民性
第一节人民性的涵义及性质
第二节古代戏曲的人民性
第三节有关传统剧目人民性的几个问题
第四节当代戏曲的人民性
第三章戏曲的艺术形式
第一节诗、乐、舞的综合与戏曲形式的形成
第二节戏曲形式的节奏性
第三节戏曲形式的虚拟性
第四节戏曲形式的程式性
第四章戏曲的艺术方法
第一节不同的舞台形象创造方法
第二节戏曲意象的创造规律
第三节戏曲艺术方法的实质
第五章戏曲文学
第一节剧诗
第二节戏曲的人物塑造
第三节戏曲的情节结构
第四节戏曲的冲突
第五节戏曲的体裁
第六节戏曲的语言
第六章戏曲音乐
第一节戏曲音乐的特征
第二节戏曲音乐的构成
第三节戏曲音乐的体现手段
第七章戏曲表演
第一节独具品格的表演艺术
第二节表演程式
第三节脚色行当
第四节塑造舞台形象的美学追求
第五节戏曲的舞台体验
第八章戏曲舞台美术
第一节人物造型
第二节景物造型
第九章戏曲导演
第一节戏曲导演的历史传统
第二节戏曲导演的职能
第三节戏曲导演的构思活动
第四节戏曲导演的专业手段
第五节戏曲导演的观众意识
第十章戏曲与观众
第一节娱乐与教育
第二节距离与共鸣
第三节欣赏与创造
第四节适应与引导
第十一章戏曲的推陈出新
第一节中国戏曲改革的道路
第二节戏曲革新的历史回顾
第三节推陈出新的未来探索
后记
……
《中国戏曲通论·下册》
· · · · · · (收起)
读后感
用户评价
读完这本书,我最大的感受是震撼——原来我们所熟知的那些零星的戏曲片段背后,隐藏着如此庞大而精密的体系。这本书的叙事节奏掌握得非常好,不会让人感到拖沓或过于仓促。它像是一部精心编排的戏目,开场引人入胜,中间层层推进,高潮迭起,收尾又令人回味无穷。 特别要提的是,作者对不同声腔系统的内在逻辑解释得非常到位。我过去总觉得不同的腔调听起来大同小异,但书中通过对音域、节奏和情绪表达方式的剖析,让我明确地辨识出了它们之间本质的区别。这种清晰的逻辑梳理,彻底解除了我多年来对戏曲音乐理论的困惑。它成功地架设了一座沟通古典艺术与现代观众之间的桥梁,让原本可能显得疏离的传统艺术,变得可亲近、可理解,甚至激发了想要走进剧场亲身体验的强烈愿望。
这本书的整体格调是沉稳而又充满热情的,它传递出一种强烈的文化自信。作者似乎将自己毕生的心血都倾注于此,那种对所论述对象的深沉热爱是渗透在每一个字里的。最让我感到惊喜的是,它不仅关注了舞台上的显性艺术,还深入探讨了戏曲背后那套严谨的审美范式和传承体系,比如行当的划分、脸谱的象征意义等。 它像是一部严谨的“说明书”,但又兼具散文的流畅与优美。在论述过程中,作者会巧妙地穿插一些典故和轶事,让原本略显枯燥的理论分析变得生动有趣。我特别喜欢它对“神似”与“形似”之间关系的探讨,这不仅仅是技术层面的讨论,更是对中国传统美学“意境”追求的深度解读。阅读完毕,我感觉自己不仅获得了关于戏曲的知识,更重要的是,收获了一套欣赏和理解古典艺术的全新视角和工具。
坦率地说,这本书的厚度让我有点望而生畏,但一旦沉浸进去,那种满足感是其他通俗读物无法比拟的。它给我的感觉,就像是跟随一位深谙此道的前辈,在幽静的茶馆里,听他娓娓道来几代戏班子的兴衰荣辱和幕后的故事。作者似乎对每一个历史阶段的戏曲变革都了如指掌,对于关键人物的艺术贡献,更是评价得鞭辟入里,既有高度的肯定,又不失冷静的学术反思。 我个人对其中关于“戏曲与社会思潮互动”的章节尤为感兴趣。它没有孤立地看待戏曲艺术,而是将其置于广阔的社会历史背景下去考察其艺术形态的演变。比如,清末民初社会转型期,戏曲如何回应现实、扮演启蒙者的角色,这些分析极大地拓宽了我对艺术与时代关系的理解。这本书的魅力在于它的广度与深度兼具,它既能满足初学者的求知欲,也能让资深爱好者找到新的思考点,是一本值得反复研读的案头宝典。
这本书真是让我眼前一亮,仿佛打开了一扇通往瑰丽戏曲世界的大门。我原本对戏曲的了解仅停留在皮毛,知道京剧、昆曲这些名字,但对它们背后的历史渊源、美学特征和流派纷呈却知之甚少。这本书的叙述方式非常平实,但又充满了洞察力,它没有高高在上的理论说教,而是像一位经验丰富的向导,带着读者一步步深入探究中国戏曲的肌理。 我尤其欣赏它对不同剧种的比较分析。比如,它细致地梳理了地方戏曲在地域文化影响下形成的独特腔调和表演风格,让我清晰地看到了川剧的泼辣与越剧的婉约之间蕴含的深层文化差异。作者的文字功力极强,在描述那些复杂的舞台程式和人物塑造时,总能用精准而又富有画面感的语言来呈现,让人仿佛能听见那悠扬的板眼,看见那精湛的亮相。读完之后,我对戏曲的“程式化”不再感到晦涩难懂,反而体会到了其中蕴含的哲学思考和高度的艺术提炼。它不仅仅是一本知识的罗列,更是一场心灵的洗礼,让我对传统艺术的生命力有了全新的认识。
说实话,当我拿起这本书时,内心是带着一点忐忑的,担心内容过于学术化,读起来会像啃硬骨头。然而,这本书完全颠覆了我的预期。它的结构安排极为精妙,不是简单地按照时间顺序排列,而是以“戏”为核心,从剧本结构到音乐唱腔,再到舞台美术和演员的功法,层层递进,逻辑清晰得令人赞叹。特别是其中关于“虚拟性”舞台空间营造的部分,作者的论述深入浅出,结合大量的实例进行阐释,让人茅塞顿开。 我最喜欢的地方是它对戏曲“综合艺术”属性的强调。它不仅仅关注“听”的部分,更将视觉、肢体语言和叙事功能融为一炉进行探讨。阅读过程中,我常常需要停下来,反复回味那些关于水袖、台步的描述,想象着演员如何在有限的空间内,用极简的道具和夸张的形体来表达宏大的意境。这种阅读体验是极其充实的,它不是被动地接收信息,而是在作者的引导下,主动地参与到对艺术本质的探索中去。对于想要系统了解戏曲艺术全貌的人来说,这本书无疑提供了一个极佳的入口。
主要从艺术角度讲戏曲。弄懂了很多戏曲基本知识,发展史那本还是偏重史论一些,艺术方面很少。
接触戏曲之后第一套读的书,偏重音乐理论,到现在都没有完全读完……很需要本身具有一定知识储备
从中文系学生角度说:7分确实比较合适,大部分章节其实真不需要知识储备才能懂,相比于《中国戏曲史略》那些书,这本更像是像普罗大众普及知识的书。
从中文系学生角度说:7分确实比较合适,大部分章节其实真不需要知识储备才能懂,相比于《中国戏曲史略》那些书,这本更像是像普罗大众普及知识的书。
从中文系学生角度说:7分确实比较合适,大部分章节其实真不需要知识储备才能懂,相比于《中国戏曲史略》那些书,这本更像是像普罗大众普及知识的书。