Sculpture (Midi Series, 2 vols) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Taschen

作者:Taschen Publishing

出品人:

页数:1152页

译者:

出版时间:(2006年2月28日)

价格:USD 169.95

装帧:Hardcover

isbn号码:9783822885567

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好的，这是一份关于“Sculpture (Midi Series, 2 vols)”以外的其他图书的详细简介，旨在提供丰富的信息，同时避免提及或暗示该特定作品。 --- 艺术史与美学经典：透视古典与现代雕塑的演变 本书系：跨学科艺术研究系列 总册数：三卷本（精装版） 本三卷本的艺术史论著，旨在为读者提供一个全面而深入的视角，用以审视西方乃至全球雕塑艺术自史前萌芽至当代实践的漫长发展历程。本书的撰写严格遵循学术规范，以扎实的考古学发现、艺术史文献考证以及精湛的图像分析为基础，力求构建一个既具宏大叙事框架，又不失对具体作品细致入微解读的学术体系。 第一卷：起源与奠基——从原始崇拜到古典理想 核心议题： 本卷聚焦于雕塑艺术的起源，探讨早期人类社会中雕塑的宗教、社会与仪式功能。我们将深入剖析美索不达米亚、古埃及文明的纪念性雕塑，如何通过程式化的语言确立权力与永恒的表达。 章节重点： 1. 史前与早期文明的造型语言： 考察如维纳斯小雕像等早期人像造型的文化意义，以及巨石阵等纪念碑性结构的几何学与空间布局。重点分析了这些早期作品如何服务于生育崇拜、祖先祭祀与天文观测。 2. 尼罗河的永恒叙事： 对古埃及雕塑进行系统梳理，细致分析其“卡”（Ka）与“巴”（Ba）的观念如何形塑了雕像的庄严姿态、表情处理以及与神庙建筑的共生关系。我们特别关注了新王国时期阿玛尔那时期（Amarna Period）的短暂写实主义的突破及其回归传统的动因。 3. 两河的浮雕传统与圆雕探索： 深入研究苏美尔、阿卡德、巴比伦及亚述帝国，如何利用泥板、雪花石膏和青铜塑造神祇、君主和战争场面。重点讨论了叙事浮雕的构图原则，以及如《汉谟拉比法典》基座浮雕所体现的法律与神权并重的表达方式。 4. 希腊的“人”的发现与形体完善： 这是本卷的核心高潮部分。从几何时期（Geometric Period）到古风时期（Archaic Period）的僵硬“Kouros”与“Kore”，阐述了古希腊如何通过对人体结构的理性探索，最终在古典时期（Classical Period）达到了对理想化人体的完美塑造。米隆的《掷铁饼者》和菲狄亚斯在帕特农神庙上的装饰雕塑，被视为人本主义精神的物质载体。本章详尽分析了“湿衣褶”技法、对“S”形平衡（Contrapposto）的掌握及其对后世西方造型艺术的决定性影响。 5. 罗马的实用主义与肖像的力量： 考察罗马如何继承希腊的雕塑技艺，并将其服务于帝国统治的实用目的。重点分析了共和时期写实肖像画的传统（Veristic Portraiture）如何与希腊化风格相结合，最终发展出皇帝庆典纪念碑（如图拉真纪功柱）的叙事浮雕传统，以及对死亡的纪念性处理（如墓碑艺术）。 --- 第二卷：中世纪的象征秩序与文艺复兴的回归 核心议题： 第二卷探讨了随着罗马帝国衰落，雕塑在基督教信仰体系中功能与形态的巨大转变，以及在意大利文艺复兴时期，雕塑如何重新拾起古典的人文精神，并将其推向新的高度。 章节重点： 1. 早期基督教与拜占庭的符号学： 分析在缺乏世俗权力庇护的早期基督教艺术中，雕塑如何从三维形态转向浮雕、石棺装饰乃至小型象牙雕刻。拜占庭时期，对神圣形象（如基督与圣母）的程式化、平面化处理，体现了对超越性真理的强调，以及对古典自然主义的审慎保留。 2. 罗马式艺术的教化功能： 考察中世纪早期，雕塑如何重返建筑——尤其是在教堂的门楣（Tympanum）和柱头（Capital）上。这些作品的主要目标是向文盲大众传达《圣经》故事和末日审判的教义。罗曼式雕塑的变形、拉长与强烈的寓言性被系统地分类和解读。 3. 哥特式：从僵硬到情感的解放： 阐述了哥特式雕塑（特别是法国兰斯大教堂与沙特尔大教堂的雕塑群）如何逐步摆脱建筑的束缚，人物开始拥有独立的体积感、更自然的衣褶和更富有人情味的面部表情。我们深入分析了尼古拉斯·比尚（Nicolaus of Verdun）等大师如何预示了人性的回归。 4. 文艺复兴的“新人”与空间重构： 本卷的第二重点。重点剖析了布鲁内莱斯基和多纳泰罗在佛罗伦萨如何重新发掘透视法和古典人体解剖学。多纳泰罗的《大卫》（青铜版）被视为对古典裸体雕像的成功复兴，它标志着艺术关注点从神转向了个人英雄主义。 5. 盛期文艺复兴的完美主义： 详细研究了米开朗基罗的贡献。他的作品（如《大卫》大理石版、《摩西》）如何将古典的和谐与基督教的内在挣扎（Terribilità）完美融合，追求极致的理想化与形体力量的爆发。 6. 风格主义的张力与优雅： 分析了在盛期文艺复兴的规范之后，詹波洛尼亚（Giambologna）等艺术家如何通过螺旋形的“Serpentinata”构图，追求更为复杂、动态和精致的视觉效果，为巴洛克艺术的戏剧性奠定了基础。 --- 第三卷：巴洛克的动感、现代性的解构与当代语境 核心议题： 最后一卷聚焦于雕塑艺术如何应对科学革命、启蒙运动、工业化以及两次世界大战带来的社会剧变，最终走向材料、形式与意义的彻底解放。 章节重点： 1. 巴洛克：戏剧性、光影与情感的共鸣： 详细阐述贝尼尼（Bernini）如何将雕塑推向极致的叙事高潮。他的作品（如《圣特蕾莎的狂喜》）通过对材质（大理石、青铜、石膏）的娴熟运用，以及与环境光源的互动，创造出强烈的心理剧场效果。本章也涵盖了西班牙和佛兰德斯地区巴洛克雕塑的独特表现。 2. 新古典主义的理性回归与启蒙之光： 考察大卫和康诺瓦（Canova）如何抵制巴洛克的“过度激情”，倡导一种基于希腊、罗马古典美学的、冷静、清晰和道德化的艺术表达。 3. 工业革命与学院派的僵化： 分析了19世纪雕塑在官方沙龙体制下的发展，以及对青铜铸造技术进步带来的批量生产与纪念碑泛滥的批判性审视。 4. 现代性的先声：罗丹与雕塑的内在生命： 罗丹被视为现代雕塑的真正奠基人。重点分析他如何通过未完成的表面处理、对瞬间动作的捕捉以及对人物心理深度的挖掘，打破了古典的“完成度”概念，使雕塑开始关注存在本身的焦虑和挣扎（如《地狱之门》的碎片化叙事）。 5. 20世纪的革命：材料、空间与非再现： 这一部分是全书最富挑战性的。我们系统研究了立体主义对雕塑体积的切割与重组（如布朗库西对“负空间”的探索），构成主义对传统材料的颠覆，以及立体主义对拼贴与组装方法的引入。 6. 从抽象到后现代的多元探索： 涵盖了战后抽象表现主义（如戴维·史密斯对焊接金属的运用）、极简主义对工业材料和几何纯粹性的推崇（唐纳德·贾德、卡尔·安德烈），以及行为艺术、装置艺术对“雕塑”边界的挑战。本卷总结了当代雕塑如何从对“形体”的关注，转向对“语境”、“时间性”和“观众参与”的深度介入。 --- 本书通过对上述关键阶段的细致梳理，旨在提供一个多层次的理解框架，使读者能够欣赏雕塑艺术作为一种独立而强大的叙事媒介，如何在不同文化背景下，不断地重新定义人、神、自然与空间的关系。全书配有数百幅高清图版和详细的注释与参考书目。

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这套“Sculpture (Midi Series)”的价值，很大程度上体现在它跨越了地域和时代的局限性，构建了一个非常全球化的雕塑视野。我惊喜地发现，它并没有将叙事重心完全放在欧洲雕塑的古典正统上，而是花了大量篇幅去探讨非西方雕塑的独特美学体系。比如，书中对非洲面具的仪式功能、亚洲佛像的程式化表达，以及前哥伦布时期中美洲陶塑的神秘主义色彩的论述，都相当深入且富有洞察力。这种广阔的视角，有效地打破了传统艺术史中可能存在的偏见和遗漏。阅读过程中，我被那种强烈的文化碰撞感所吸引——不同文明如何用泥土、木材或金属来表达他们的神祇、祖先或权力结构。书中对不同文化中“形体”与“精神”关系的探讨尤为精彩，它不像某些书籍那样只是简单地罗列异域作品，而是真正去挖掘那些造型语言背后的深层哲学动机。这使得阅读体验变得非常丰富，仿佛进行了一场穿越全球的雕塑田野考察，极大地拓宽了我对“什么是雕塑”的定义边界。

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我最近入手了这套关于雕塑的“Midi系列”，说实话，它的实用性远超我的预期，尤其是在技法和材料的探讨部分，简直就是一本微型的实战指南。很多艺术书籍往往把创作过程神秘化或过于学术化，但这两卷本却非常务实地处理了从选材到成品的整个链条。比如，它对不同石材（大理石、花岗岩、板岩）的韧性、纹理以及雕刻工具的选择和使用技巧的描述，详细到连初学者都能理解其间的微妙差异。更让我印象深刻的是，书中对青铜铸造流程的分解说明，那些失蜡法、陶模制作的步骤被图文并茂地呈现出来，清晰度极高，让人仿佛身临其境地感受到了铸造车间里那种高温与力量的交织。这不是那种只谈“为什么雕塑很重要”的书，它更关注“如何将想法转化为实体”的过程。对于那些热衷于动手实践的创作者来说，这些关于表面处理、锈蚀效果、以及不同粘合技术的探讨，是非常宝贵的经验总结。它教会我，伟大的雕塑作品背后，是对手艺的极致尊重和对材料特性的深刻理解，而不是仅仅依赖于灵感的乍现。这套书的编排结构明显偏向于功能性，使得检索特定技术信息也变得异常便捷。

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坦白讲，这两卷“Midi系列”在视觉呈现上给了我一种宁静而严肃的感觉，它的装帧设计本身就是一种对雕塑艺术的致敬。我发现它在图片选择上非常克制和精准，没有追求那种花里胡哨的色彩堆砌，而是采用了高对比度的黑白照片，这种处理方式极大地突出了雕塑作品的形体、体积感和结构肌理。很多时候，色彩反而会分散我们对雕塑本质——即三维形态——的注意力，而这套书的摄影师显然深谙此道。光影的运用简直是教科书级别的，你可以清晰地看到不同光源是如何雕刻出作品表面的凹凸起伏和微妙的阴影变化的，这对于理解雕塑家如何通过光线引导观众的视线至关重要。此外，书中对细节的捕捉，比如古罗马头像上风化留下的细微裂痕，或是现代主义作品表面不加修饰的粗糙质感，都得到了最大程度的保留和强调。阅读时，我常常会忍不住将书本放在自然光下，然后起身走到房间的角落，试图模仿书中展示的光照角度，去体会那种光与形体互相成就的魔力。这种深度整合了视觉分析和阅读体验的设计，让这本书的“可读性”上升到了一个新的维度。

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这套关于雕塑的“Midi系列”两卷本读物，从我个人的阅读体验来看，绝对是艺术爱好者书架上不可或缺的一笔。首先吸引我的是它在内容编排上的那种精妙的平衡感。它既没有陷入纯粹的学院派理论的枯燥泥潭，也没有流于表面化、走马观花的图片展示。每一页的文字都像是经过了精心打磨的雕刻刀，精准地切入主题，引导读者去思索材质、光影与空间的关系。我特别欣赏它对不同历史时期风格演变脉络的梳理，那种递进感非常自然，比如从古希腊的人体理想化表达过渡到中世纪宗教题材的象征意义，再到文艺复兴时期对古典美学的复兴与突破，作者的叙述口吻充满了对艺术史的敬畏与洞察力。更难得的是，它在介绍具体作品时，不仅仅是罗列尺寸和创作者姓名，而是深入剖析了特定作品在当时社会文化背景下的语境，使得那些静默的石块和青铜仿佛重新获得了呼吸和生命力。即便是对于一个自认为对雕塑史有一定了解的读者来说，这本书中呈现的那些细微的观察角度和批判性见解，也常常能带来醍醐灌顶的惊喜。它不是那种让你快速翻阅，看完就忘的快餐读物，而是需要你放慢脚步，用咖啡的温度去慢慢品味的文本，每一章节都像是通往一个独立雕塑工作室的入口。

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从一个纯粹的文学爱好者角度来看，这本书的论述风格和节奏感也值得称赞。作者的文字功底深厚，行文流畅中带着一种沉稳的节奏，读起来既有学术的严谨，又充满了一种娓娓道来的亲切感。我尤其喜欢作者在分析那些抽象的现代雕塑时所使用的语言——那种精确而不失诗意的描述，成功地将原本难以捉摸的非具象形体“翻译”成了我们可以理解的视觉感受。例如，在描述某件后现代主义金属装置时，作者没有使用晦涩难懂的术语，而是通过对“负空间”与“断裂感”的微妙把握，让读者清晰地感知到作品中蕴含的张力与对话。它成功地做到了让复杂的概念变得“可触摸”。全书的行文结构，就像是建筑师在设计一个复杂的空间布局，每一部分都承载着明确的功能，但整体上又构成了一个和谐统一的有机体。对于那些希望提升自己对艺术评论和审美鉴赏能力的读者而言，这本书无疑提供了一个绝佳的范本，学习如何用更精确、更有力的语言去表达对三维艺术的理解与赞叹。

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