Aesthetics and the Picturesque, 1795-1840

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☆☆☆☆☆
出版者:Thoemmes Continuum
作者:Budge, Gavin 编
出品人:
页数:2500
译者:
出版时间:2001-12-01
价格:USD 750.00
装帧:Hardcover
isbn号码:9781855069008
丛书系列:
图书标签:
  • Aesthetics
  • Picturesque
  • Romanticism
  • Art History
  • British Literature
  • 18th Century
  • 19th Century
  • Cultural History
  • Visual Culture
  • Landscape
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具体描述

The Picturesque as an aesthetic category came into being in the latter part of the eighteenth century. Deriving from the French and Italian terms for 'painterly style', the word had been already used by Alexander Pope in describing Homer's prose. Later, in his Essay on Prints (1768), Gilpin defined the Picturesque as 'expressive of that peculiar beauty which is agreeable in a picture'. Gilpin did much to shift the emphasis of the term picturesque from pictures to the landscape with a series of guidebooks. These books helped start a British equivalent of the European grand tour with tourists rushing into the countryside, sketchbooks in hand, eager to experience and capture this picturesque beauty. The third edition of Gilpin's famous work included here has two additional essays explaining how the author set about translating these picturesque scenes into drawings and paintings. Richard Payne Knight and Uvedale Price took up the Picturesque cause, not like Gilpin in respect of travel, but because of a shared antipathy for the then prevalent landscape gardening style of Lancelot 'Capability' Brown. Knight's The Landscape outlines principles of taste, rules of gardening and celebrates older formal gardens while attacking those of Brown and his followers. Knight's intellectual sparring partner Uvedale Price modelled his theories on Edmund Burke's account of the beautiful and the sublime. Price believed that landscape gardening should be set about in a painterly manner. Whether the principles of painting could be applied to landscape design turned into an ongoing debate between Price and the influential Humphry Repton, a man whom Knight allied to 'Capability' Brown. This latter figure wascertainly the model for William Marshall, who here makes a spirited attack on both Knight and Price. Together these works represent the key theorists and arguments of the Picturesque movement, the ideas of which filtered into the novels of Jane Austen and other nineteenth-century writers and thinkers. It is a subject which has renewed interest thanks to writers such as Christopher Hussey, Walter Hipple and John Dixon Hunt. As an aesthetic category, the Picturesque is still highly relevant and the debates of these key 'founders' of the Picturesque can usefully be reappropriated and reinterpreted by new scholars seeking to apply social, cultural, economic and ideological relevance to environmental aesthetics.--new collection of the best, revised editions of key works on the Picturesque --includes debates on the picturesque in theory and practice by all the key protagonists --works include some fine illustrations and a new introduction by Gavin Budge

《美学与风景画(1795-1840)》一书深入探讨了一个至关重要的时期,当时人们对美的感知方式以及风景在艺术和思想中的作用发生了深刻的转变。这段时期,从法国大革命的余波到工业革命的全面展开,见证了对自然、情感和想象力的理解的演变。本书将引导读者穿越一个充满艺术、哲学和文学思想的丰富织锦,剖析“风景画”(picturesque)概念的兴起及其对当时美学辩论的影响。 “风景画”并非仅仅指一种艺术风格,它更是一种看待和体验世界的视角,一种将自然界中那些不规则、粗糙、充满变化与戏剧性的元素视为至高美学原则的观念。它与早期新古典主义追求的和谐、秩序和理想化形成了鲜明对比,转而拥抱荒野、废墟、以及未经雕琢的自然之美。本书将追溯这一概念的哲学根源,从古希腊的亚里士多德到18世纪英国的哲学家,如埃德蒙·伯克(Edmund Burke)提出的“崇高”(sublime)概念,以及威廉·吉尔平(William Gilpin)等艺术家和作家对“风景画”美学的系统阐述。 该书将重点关注1795年至1840年这段时期内,“风景画”美学如何在英国、欧洲大陆乃至美洲的艺术实践和理论中生根发芽并产生深远影响。读者将了解到,如J.M.W.特纳(J.M.W. Turner)、约翰·康斯太勃尔(John Constable)等英国风景画大师如何通过他们的画作将“风景画”的原则视觉化,捕捉自然瞬息万变的动态和情感强度。同时,本书也会考察那些在当时被认为是“风景画”典范的地点,如苏格兰高地、湖区以及阿尔卑斯山脉,它们如何激发艺术家的灵感,并成为构建“风景画”美学想象的地理支点。 除了视觉艺术,本书还将深入探讨“风景画”美学在文学和建筑领域的影响。诗人们如何通过诗歌来描绘充满情感和意境的自然场景,如塞缪尔·泰勒·柯勒律治(Samuel Taylor Coleridge)和威廉·华兹华斯(William Wordsworth)的作品,他们对自然的细致观察和情感共鸣,与“风景画”的理念不谋而合。在建筑方面,我们将看到“风景画”的原则如何被运用到园林设计和景观建筑中,例如英国的“自然风景式”园林,如何通过模仿自然、营造野趣来达到一种艺术上的“不完美之美”。 本书还不会回避“风景画”美学所面临的挑战和争议。随着工业化的进程,城市化带来的景观变化,以及浪漫主义思潮内部的分化,使得“风景画”的概念也开始面临新的解释和反思。一些评论家认为,“风景画”可能沦为一种肤浅的模仿,或是对工业化进步的逃避。本书将探讨这些批评如何促使美学思想向前发展,并为后来的景观理论和生态美学奠定基础。 通过对大量一手资料的梳理,包括艺术评论、文学作品、旅行日志、私人信件以及当时的绘画作品和版画,本书力求还原一个生动而复杂的历史图景。它将揭示“美学”作为一个独立学科的形成,以及“风景画”作为一种重要美学观念,是如何塑造了1795-1840年间西方世界对自然、艺术和人类情感的理解。这是一本献给所有对艺术史、美学理论、文学以及西方思想史感兴趣的读者的重要著作。它不仅是一次学术的探索,更是一次感官与心灵的旅行,带领读者重返那个崇尚自然、珍视情感、并在风景中寻找诗意与真理的时代。

作者简介

目录信息

读后感

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用户评价

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这本书的组织结构堪称一绝,它没有采用传统的年代学编年体,而是围绕几个核心的美学辩论点展开,每一个章节都像是一个精心设计的展览单元。我发现作者在处理那些相互冲突的观点时,展示了极高的平衡感——例如,他如何同时展现了对“自然粗犷美”的追求与对“可控的、精致的”田园牧歌式场景的向往。这种内在的张力贯穿始终,使得全书充满了思想的活力。我尤其喜欢其中关于“残缺之美”(the ruin aesthetic)与“完整的构图”之间拉锯战的论述。它清晰地揭示了,审美判断往往是文化政治的反映,而非纯粹的视觉判断。那些被刻意保留的断壁残垣,那些被设计成不完美的湖岸线,都是当时社会对工业化进程和对古典理想的复杂回应。读完后,我感觉自己对“完美”和“不完美”在艺术史中的相对价值有了更深层次的理解,这种理解并非来自对既有理论的简单继承,而是源于作者对史料的精妙重组和富有洞察力的解读。

评分☆☆☆☆☆

阅读体验方面,这本书的行文风格非常独特,它既有学术的严谨性,又巧妙地融入了一种近乎抒情的笔调,尤其是在描述十九世纪初期的光线和纹理时。我尤其欣赏作者在不同媒介之间穿梭的自如——从文学评论到绘画分析,再到对特定历史事件的梳理,过渡得浑然天成。有一部分内容专门探讨了印刷技术的发展对“如画”概念传播的作用,这部分内容对我触动很深。在数字图像泛滥的今天,回溯到那个时代,手抄本和精细的铜版画是如何被用来建构一种理想化的田园景象,其背后的经济逻辑和情感寄托显得尤为耐人寻味。作者没有将这些图像视为简单的附属品,而是将其视为塑造时代精神的核心驱动力之一。对我而言,它提供了一个重要的视角来理解,当人们开始有意识地将景观“框定”为可欣赏的对象时,随之而来的是对土地使用、私有财产乃至国家认同感的重塑。这本书的广度和深度,使得任何想了解浪漫主义前期文化转折点的研究者都无法绕开它。

评分☆☆☆☆☆

这部著作的问世,无疑为我们理解十九世纪初期的美学思潮和艺术实践提供了一把极其精妙的钥匙。我原以为对“优美”和“如画”的界定早已被学界反复咀嚼殆尽,但作者的切入角度——从那个特定的时间跨度(1795到1840)入手,考察其在视觉文化中的渗透与演变——竟能揭示出先前被忽略的诸多微妙层次。它没有止步于对康德或柏克理论的简单复述,而是深入到日常审美经验的肌理之中,探讨这些概念如何通过文学、绘画乃至园林设计等媒介被社会广泛接受并塑造成型。我尤其欣赏作者在处理文献时展现出的那种近乎考古学家的细致,每一次对信件、日记和小型出版物的挖掘,都像是从尘封的档案中拂去灰尘,还原了那个时代人们感知自然和艺术的鲜活状态。整本书的论述脉络清晰而又富有张力,仿佛跟随作者的步伐,亲身参与了美学观念在英格兰乡村风景中萌芽、成长直至成熟的过程。读罢此书,我对那些看似寻常的风景画和被精心布置的“野外”景观,其背后蕴含的文化代码和哲学意图,都有了全新的体悟。它迫使读者重新审视“自然”与“人工”之间界限的模糊地带,并思考这种审美偏好如何预示了后来的浪漫主义高潮。

评分☆☆☆☆☆

坦白说,起初我对这个主题持保留态度,以为这不过是又一本关于英国风景画的陈词滥调。然而,此书最大的成功之处在于,它成功地将十九世纪初期的“审美实践”与更宏大的社会哲学背景——比如对法国大革命后欧洲秩序的焦虑,以及早期工业革命带来的景观破坏——紧密地联系起来。作者对“视觉素养”的探讨尤为深刻,他展示了当时上流社会是如何通过学习特定的绘画范式来“学会”如何观察风景的,这是一种权力与知识的结合。书中引用的那些关于“旅行指南”和“风景速写”的案例,生动地描绘了知识的传播路径,揭示了审美如何从精英阶层的小圈子,逐步渗透并改造大众的感知方式。这本书的论证力量在于其细节的丰沛,它不是在讲述一个“故事”,而是在重建一个失落的感知世界。对于任何对图像如何塑造历史记忆感兴趣的读者来说,这本书无疑是一次精神的盛宴,它挑战了我们对“自然”的固有概念,并以一种极为优雅且富有挑战性的方式,重新界定了美学史上的一个关键时期。

评分☆☆☆☆☆

我手头上有太多关于浪漫主义早期美学争论的书籍,它们大多聚焦于天才、情感的宣泄或崇高(the Sublime)的震撼,但很少有人能如此细致地剖析“Picturesque”这种介于优美(the Beautiful)和崇高之间的“如画”风格,是如何系统性地制度化为一种可操作的审美规范的。这位作者似乎拥有将抽象的哲学概念落地到具体物质文化的能力。书中对于约翰·索恩爵士(Sir John Soane)建筑风格中对光影和碎片的运用,以及亨利·沃辛顿(Humphry Repton)在景观设计中如何运用色彩理论来“优化”视野的分析,都极其精彩。这不仅仅是艺术史的叙述,更像是一部关于早期视觉消费和审美教育的社会史。我仿佛能听到当时的贵族们在谈论哪条小径的转角更能激发“如画”的构图,以及他们如何通过购置特定风格的风景版画来展示自己的文化资本。这种对实践层面的深入挖掘,使得整部作品摆脱了纯粹的理论探讨,变得异常生动和具有现场感。它成功地证明了,在那个时代,“观看”本身就是一种高度结构化的文化实践,而非简单的直觉反应。

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