具体描述
The second edition of "World Music: A Global Journey" introduces students to the diversity of musical expression around the world. It takes the reader across the globe to experience cultural traditions that challenge the ear, the mind, and the spirit. It presents a systematic study of varied traditions in a non-technical language accessible to any enthusiast of world music and culture. The second edition continues with its geographical orientation to each locale, and visits each of the seventy musical 'sites' with a three-fold listening review that begins with an experiential 'first impression' of the music.This is followed by an 'aural analysis' of the musical organization and a closer look at the interesting instruments that create the exotic sounds heard. Finally, the authors consider the cultural connections that give the music its meaning. The second edition of "World Music" enhances its pedagogical efforts with Listening Guides, an enhanced website, and improved interior design. Updates to the first edition include more coverage of Native American and African-American music and a review of the introductory information for each region. With nearly 300 photos of instruments and cultural settings, over two hours of music on the accompanying audio CDs, and online resources, "World Music: A Global Journey" provides a fundamental resource for teachers, students, researchers, musicians, and any enthusiast beginning their exploration of world music and culture.
作者简介
目录信息
读后感
用户评价
要说这本书的优点，那一定是它那股子“野性”。它完全不是那种在图书馆里安安静静地陈列出来的知识汇编，而更像是一本被汗水、泥土和香料浸透的旅行日志。作者的行文充满了冒险精神，读起来让人热血沸腾，恨不得立刻放下书本，订一张去玻利维亚雨林的机票。他描述在安第斯山脉深处，一群音乐家如何利用当地特有的竹制乐器，模仿秃鹰的叫声进行“对话式”演奏时，那种身临其境的感觉，简直是无与伦比的感官体验。 这本书的结构非常松散，但这种松散反而营造了一种“漫游”的氛围。它没有严格的章节划分，更像是作者在不同时空碎片中随意切换，记录下他认为最触动灵魂的瞬间。这种叙事手法，非常贴合“世界音乐”本身那种流变不居、难以定义的特质。我尤其欣赏他对于音乐中“沉默”的处理。他认为，在许多非西方音乐传统中，停顿、呼吸、甚至观众的反应，都是构成音乐结构的重要部分，而非仅仅是背景噪音。这种对“留白”的重视，极大地丰富了我们对音乐的理解维度。对于那些追求沉浸式阅读体验的读者来说，这本书绝对是首选。它教会我，好的音乐，往往藏在最难抵达的地方。
评分我是在一个雨天的下午打开这本《环球之声》的，没想到立刻就被那种古老而又充满生命力的节奏感所吸引。这本书最迷人的地方，在于它对“身体与节奏”关系的探讨，简直是写到了我的心坎里。作者将身体视为第一件乐器，他没有过多纠缠于复杂的乐理分析，而是专注于音乐如何通过身体的运动——无论是宗教舞蹈、集体劳作还是纯粹的即兴律动——来塑造和维系社群的认同感。 他花了大量篇幅描述了巴厘岛的甘美兰音乐排练场景，那种世代相传的、近乎机械化的精确性，如何通过无数次身体的重复训练，内化为一种集体无意识的默契。那种节奏不是被“演奏”出来的，而是通过肉体“活”出来的。更具启发性的是，作者将这些传统节奏与现代都市生活中人们对“效率”和“时间感”的焦虑进行了对比，暗示着我们可能在追求现代化的过程中，遗失了与大地和身体的原始连接。这本书的文字充满了感官的愉悦，描绘的场景有着强烈的动态感，仿佛能让人感到脚底的震动和血液的加速。对于那些渴望通过音乐寻找身体自由和文化根源的读者来说，这本书提供的视角是无比宝贵且振奋人心的。它让我们明白，音乐的终极意义，从来都不仅仅是耳朵的享受。
评分我必须坦诚，这本书的阅读体验是断断续续的，因为它实在太“重”了，不是指页数，而是指信息密度和思想重量。它更像是一本严肃的文化理论著作，而不是一本可以轻松在沙滩上翻阅的指南。作者的观点极其犀利，尤其是在批判“世界音乐”这一商业标签时。他毫不留情地指出，资本如何将具有深刻文化根源的音乐形式“脱水”、“提纯”，然后包装成一种迎合西方消费者的异域奇观。 其中关于牙买加雷鬼乐从地下反抗文化演变为全球时尚符号的分析，堪称经典。作者通过对比不同历史时期的歌词内容和社会接受度，揭示了文化挪用和文化欣赏之间的灰色地带。他提出的一个核心问题是：当一种音乐的“边缘性”被磨平，它是否还保有其原始的力量？读完这部分，我开始反思自己购买的那些“民族风”专辑，它们带来的究竟是理解，还是仅仅是廉价的异域情调消费？这本书的语言是高度凝练的，充满了哲学思辨的张力，它强迫读者停下来，不仅仅是听音乐，而是去“质问”音乐背后的权力关系和历史轨迹。这是一次艰苦但绝对值得的思想攀登。
评分坦白讲，我一开始对这本书的期望值并不高，总觉得这类宏大叙事难免会流于表面，尤其是在涉及如此多元和复杂的音乐体系时。但《环球之声》最让我惊艳的地方，在于它对“混响”与“失真”的哲学思辨。作者似乎对录音技术史有着深刻的理解，并以此为切入点，探讨了现代性是如何重塑传统音乐的“纯粹性”。他花了整整一个章节来对比七十年代西非“复古迷幻”与八十年代拉丁美洲电子合成器的运用，分析了这些技术革新在跨文化传播中扮演的角色——是异化还是赋能？ 我必须承认，其中关于“噪音美学”的部分，读起来颇有挑战性，需要反复琢磨。他将某些原住民仪式中被主流音乐视为“不和谐音”的声音元素，提升到了一种与自然环境共振的本体论高度。这种看待声音的视角，让我重新审视了自己日常聆听习惯中的偏见。作者的语言风格偏向于学院派的精准，夹杂着大量的音乐术语，但每当他引入一个绝妙的比喻时，晦涩感立刻烟消云散。例如，他将印度古典音乐中“拉格”的即兴创作比作量子力学中的不确定性原理，这种跨学科的对照，非常精彩，显示出作者深厚的跨界知识储备。这本书更像是一部音乐人类学的“批判性导论”，适合那些已经有一定音乐基础，并渴望进行更高阶思考的读者。
评分这本《环球之声》简直是音乐爱好者的福音，我得说，我之前对世界音乐的了解还停留在那些耳熟能详的“世界音乐金曲”合集上，感觉不过是个大杂烩，没什么深度。然而，这本书彻底颠覆了我的认知。它没有固守传统按国家或地区划分的枯燥结构，而是采取了一种非常新颖的、基于“声音的地理学”的叙事方式。作者似乎是一位人类学家兼音乐考古学家，他穿梭于不同的文化脉络中，探讨的是音乐如何作为一种社会粘合剂存在。 比如，书中对撒哈拉以南非洲的“格里奥特”口述传统进行了极其细致的剖析。作者不仅仅罗列了他们的乐器和旋律，而是深入到社会权力结构中，解释了这种音乐在维护历史记忆和解决冲突中的核心作用。我尤其喜欢他描述那些游牧民族如何在极端的自然环境中，通过特定节奏的鼓点来调节集体劳作的效率和情绪。那种文字的画面感极强，仿佛我能闻到干涸土地上的尘土味，听到远方传来的科拉琴的低吟。他用了大量的田野调查笔记和访谈记录，使得这本书的论证充满了不可辩驳的真实感和人情味。与那些堆砌理论的学术著作不同，这里的每一个案例都像是一个鲜活的故事，让你在阅读的同时，不自觉地跟着那些古老的旋律摇摆。这本书不是在教你音乐史，而是在带你进行一场深度的文化朝圣。
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