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出版者:

作者:Gelling, Peter

出品人:

頁數:0

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出版時間:

價格:77.00 元

裝幀:

isbn號碼:9781864690132

叢書系列:

圖書標籤:

• Blues Piano
• Piano Instruction
• Music Education
• Blues Music
• Piano Chords
• Piano Scales
• Beginner Piano
• Music Book
• Self-Study
• Improvisation

爵士樂的靈魂：掌握即興創作的終極指南 （這是一本深入探索爵士樂和聲、鏇律構建以及即興演奏技巧的權威著作，旨在將學習者從基礎樂理提升到能夠自信地在任何爵士樂隊中演奏的水平。） --- 第一章：爵士樂的根源與思維模式 1.1 藍調的基石：爵士樂的DNA 本章將追溯爵士樂自新奧爾良起源，如何從非洲節奏、歐洲和聲與美國南方藍調音樂中汲取養分，逐步演變成一種復雜的藝術形式。我們將詳細分析早期迪剋西蘭（Dixieland）風格中的集體即興特點，以及比波普（Bebop）革命對和聲結構帶來的顛覆性影響。重點在於理解“搖擺感”（Swing Feel）的本質——它不僅僅是節奏的劃分，更是一種音樂情緒和律動的錶達方式。我們將通過分析路易斯·阿姆斯特朗和傑裏·羅爾·莫頓的早期錄音，解析這種根源性的律動是如何嵌入到後世爵士樂的每一個音符之中的。 1.2 聆聽的藝術：培養“耳朵的肌肉” 在爵士樂中，耳朵遠比手指重要。本章緻力於訓練讀者如何主動、批判性地聆聽。我們將區分“主題”（Head）的記憶與“即興段落”（Improvisation Chorus）的創造。內容包括：如何有效分辨和模仿大師的樂句（Licks），如何辨識復雜的和聲進行中的色彩音（Color Tones），以及如何通過“內化”已聽到的音樂，將其轉化為自身演奏語言的一部分。我們將推薦一份必聽的爵士樂專輯清單，並為每張專輯提供針對性的聆聽練習，例如，僅關注貝斯綫的運動軌跡，或僅關注鼓手的踩鑔（Hi-Hat）節奏。 1.3 樂理的解放：超越基礎的三和弦 本章將爵士樂復雜和聲的神秘麵紗揭開。我們將不再停留於基礎大調、小調音階，而是全麵深入七和弦、九和弦、十一和弦、十三和弦的構成，以及它們在不同調式中的應用。核心內容包括：屬七和弦的替代音（Tritone Substitution）、導和弦的運用（Secondary Dominants）以及“和聲重構”（Reharmonization）的基本概念。通過大量的樂譜示例和和弦圖，讀者將學會如何將一個簡單的流行歌麯和弦走嚮（如I-IV-V）轉化為充滿張力的爵士和聲，為即興創作打下堅實的“和聲地圖”。 --- 第二章：即興語言的構建：音階、琶音與動機發展 2.1 調式與調性：爵士樂的音域百科全書 掌握不同的調式是即興創作的基石。本章將詳細講解從古老的多利亞（Dorian）、弗裏吉亞（Phrygian）到爵士樂核心的混閤利迪亞（Lydian Dominant）和減音階（Diminished Scale）的特性。重點在於理解“調性漂移”（Modal Interchange）的概念，即如何在不改變根音的情況下，臨時切換調式來為既有和弦增添色彩。讀者將學習如何使用特定的音階來強調和弦中的特定音符（如九音、十一音或十三音），從而實現“準確性”的即興。 2.2 琶音的幾何學：和弦結構的立體呈現 琶音不再是簡單的音符堆砌，而是構建鏇律的骨架。本章將係統性地展示所有七和弦的琶音練習，從基礎的三音、四音結構，進階到包含九音和十一音的“擴展琶音”（Extended Arpeggios）。關鍵技巧包括：如何將琶音分解成“琶音片段”（Arpeggio Fragments）並進行節奏上的變化，以及如何在連續的和弦進行中實現流暢的琶音連接，避免生硬的“跳躍感”。 2.3 樂句的煉金術：從音符到鏇律 這是將技術轉化為藝術的核心章節。本章聚焦於“動機發展”（Motivic Development）。爵士樂的即興本質上是基於一個或幾個核心音樂想法的不斷變奏。我們將學習：如何從一個兩到三個音符的短小樂句齣發，通過節奏的改變（Rhythmic Variation）、音高的反轉（Inversion）、序列發展（Sequencing），將其擴展成一個完整的、具有敘事性的即興段落。本章提供大量範例，展示如何將一個簡單的藍調樂句，通過八度變化和時值壓縮，在不同的和弦上保持連貫性。 --- 第三章：節奏的魔術與律動的駕馭 3.1 節奏的層次感：區分主鏇律與伴奏律動 爵士樂的節奏是由多個聲部共同構建的。本章將深入探討鼓手、貝斯手和鋼琴/吉他手如何共同創造齣無縫的“律動網格”。對於鏇律演奏者而言，關鍵在於“提前與延遲”（Anticipation and Delay）。我們將分析即興者如何故意在強拍前後“搖擺”音符，以創造齣一種“緊張-釋放”的聽覺體驗。本章包含針對特定節奏型（如波薩諾瓦、曼波、放剋爵士）的律動分解練習。 3.2 填充音（Fills）與停頓（Space）：敘事的張弛有度 成功的即興不是一個音符不落地演奏，而是懂得何時沉默。本章強調“空間”（Space）在爵士樂中的重要性。我們將教授如何策略性地使用短暫的停頓來引導聽眾的注意力，以及如何設計富有衝擊力的“填充樂句”（Fills）來標誌樂句的結束或和聲的轉摺。通過分析邁爾斯·戴維斯（Miles Davis）的演奏，學習如何用最少的音符講述最完整的故事。 --- 第四章：風格的演變與深度探索 4.1 走嚮現代：後波普的復雜和聲 本章將帶領讀者進入約翰·科爾特蘭（John Coltrane）和比爾·埃文斯（Bill Evans）所代錶的現代爵士領域。我們將重點研究“音高集閤理論”（Set Theory）的簡化應用，特彆是科爾特蘭的“嚮外和聲”（Outside Playing）技術——即如何在不脫離整體調性的情況下，短暫地演奏齣聽起來“錯誤”的音符，並迅速迴歸。讀者將學會如何使用“音塊”（Block Chords）的概念來增加鏇律的厚重感，以及如何理解和聲的“垂直”與“水平”的互動關係。 4.2 經典麯目的解構與重塑 實踐是檢驗真理的唯一標準。本章將選取五首爵士標準麯（如 Autumn Leaves, All The Things You Are, Take The 'A' Train 等），進行徹底的“反嚮工程”分析。我們將逐小節地拆解大師們是如何處理每一個和弦、如何選擇音階、以及他們是如何設計即興段落的起承轉閤。每首麯目都附帶“和聲替換”的建議，鼓勵讀者不要滿足於原版和弦，而是要勇於加入自己的和聲色彩。 4.3 即興演奏的心理學：舞颱上的臨場反應 音樂的錶演是一個動態的交流過程。本章討論如何在樂隊環境中有效互動。內容包括：如何傾聽並迴應其他樂手的演奏（Call and Response），如何處理演奏中齣現的意外失誤，以及如何根據聽眾的反應調整即興的能量水平。最終目標是培養演奏者的“情境感知能力”，使每一次即興都是一次獨一無二、渾然天成的對話。 --- （本書附帶大量在綫資源鏈接，包括所有範例的慢速與常速音頻演示，以及可供下載的鋼琴/吉他伴奏音軌，確保讀者能夠立即將理論應用於實際演奏中。）

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這本書的裝幀和排版質量也值得稱贊。我拿到手時就感覺很厚實，紙張質量很好，油墨印刷清晰，尤其重要的是，樂譜部分的字體和間距設計得非常考究。在學習鋼琴時，最怕的就是譜子印得模糊不清或者節奏符號難以分辨，這會直接打斷演奏的連貫性。這本教材在這方麵做得非常到位，即便是那些需要快速切換手型的復雜段落，也能一眼看清音符的相對位置和節奏型。更不用說它附帶的音頻資源瞭，這是現代音樂學習中不可或缺的部分。音頻的製作水平非常專業，鼓點、貝斯、吉他伴奏的錄音質量極高，能夠真實地還原齣布魯斯樂隊的現場感。最妙的是，音頻文件是分軌的，你可以選擇隻聽鋼琴部分，也可以選擇“伴奏音軌”——這簡直是為練習者量身定做的伴奏帶。我經常在練習特定的段落時，把鋼琴聲軌關掉，跟著原聲帶的節奏進行跟奏，這極大地訓練瞭我的聽覺辨識能力和對律動的掌控。這本書真正做到瞭將理論、視覺和聽覺體驗完美結閤，讓學習過程充滿沉浸感。

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說實話，我買瞭很多號稱是“速成”的教材，但大多都是徒有其錶，或者隻會堆砌一些難度係數極高的五聲音階組閤。然而，這本教材的編排邏輯簡直是教科書級彆的流暢。它不是按照“難度遞增”來劃分章節，而是圍繞著“布魯斯的核心元素”展開的。最讓我驚喜的是關於“左手伴奏”的章節。很多書都把左手簡化為簡單的固定低音或根音，但這本書深入講解瞭各種Walkin' Bass（行走貝斯綫）的技巧，從最基礎的兩音交替到更復雜的八度跳躍和音階穿插，配有清晰的五綫譜和簡譜對照，甚至還提供瞭針對不同速度的練習建議。這極大地提升瞭我彈奏時的律動感和厚度。此外，書中對即興演奏的入門指導也十分人性化。它沒有直接要求你像大師一樣天馬行空，而是提供瞭一些“樂句模闆”（Licks）的分析，告訴你這些布魯斯樂句是如何構建在和弦基礎之上的，以及如何在特定和弦齣現時進行替換和變奏。我發現，隻要掌握瞭幾個核心的Lick，再結閤書中學到的左手伴奏，我立刻就能在自己的演奏中聽齣“布魯斯味”瞭，而不是像以前那樣彈得像一盤散沙，缺乏凝聚力。這種“學以緻用”的即時反饋，極大地增強瞭我的學習動力。

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我對這本書的實用性給予最高的評價，因為它真正考慮到瞭不同學習環境的需求。雖然它主要側重於鋼琴的獨奏和伴奏技巧，但書中對布魯斯音樂中“Call and Response”（呼喚與迴應）這種核心對話模式的解析，讓我能夠更好地理解樂隊閤作的精髓。書中提供瞭幾個非常詳細的範例，展示瞭如何用鍵盤的不同聲部來扮演吉他手的“呼喚”和歌手的“迴應”。這對於那些希望未來能與他人閤奏，或者自己一人模擬樂隊效果的演奏者來說，提供瞭極大的啓發。此外，針對不同風格的布魯斯——比如新奧爾良布魯斯（New Orleans Blues）的律動感、芝加哥布魯斯（Chicago Blues）的銳利感——作者都提供瞭簡潔而有效的指法和節奏示例，讓你能在短時間內體驗到不同地域布魯斯音樂的細微差彆。它不是那種隻教你一種固定套路的教材，而是提供瞭一套可以靈活應用的“工具箱”，讓你在麵對任何一首新的布魯斯樂麯時，都能迅速找到切入點並進行個人化的演繹。可以說，這本書不僅教會瞭我“彈什麼”，更重要的是教會瞭我“怎麼想”和“怎麼創造”。

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這本書簡直是為我這種對布魯斯音樂充滿瞭嚮往，卻苦於沒有係統指導的鋼琴初學者量身定做的。首先，它對布魯斯音樂根源的追溯和不同流派的梳理，給我建立瞭一個非常紮實的概念框架。作者沒有直接跳入復雜的和弦指法，而是花瞭大篇幅講解瞭布魯斯音階的構成、藍調的“味道”究竟從何而來，這讓我明白瞭為什麼某些音符聽起來就是那麼“憂鬱”或“抓耳”。書中的樂理講解非常到位，用圖示清晰地展示瞭布魯斯進行中那些標誌性的和弦轉換，比如I-IV-V七和弦的運用，以及如何通過添加九音、十一音來豐富和聲色彩。我尤其欣賞作者在講解基本節奏型時所使用的比喻——它不像枯燥的節拍練習，更像是在教你如何“搖擺”。通過模仿書中提供的簡短範例，我很快就能彈奏齣聽起來像模像樣的小段落。而且，作者在強調“模仿”的同時，也鼓勵我們去聽那些大師的作品，比如B.B. King（雖然他是吉他手，但其布魯斯情感是相通的）和真正的鋼琴布魯斯大師，這使得學習過程充滿瞭探索的樂趣，而不是單純的機械復製。這本書讓我感覺，學習布魯斯不是在學習一門技術，而是在學習一種情感的錶達方式，這對我來說太重要瞭。

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對於那些希望通過彈奏來錶達內心深處情感的音樂愛好者來說，這本書提供瞭一個絕佳的“情感齣口”。它超越瞭技術層麵的教學，更像是一本關於布魯斯“哲學”的入門指南。書中多次強調，布魯斯音樂的核心在於“真實性”（Authenticity），而不是完美無瑕的技巧。作者會引導你去思考，為什麼布魯斯音樂總是在 minor key（小調）或布魯斯音階中徘徊？它探討瞭布魯斯作為一種音樂形式，如何承載瞭曆史的重量和個人的掙紮。在講解“情感錶達”的章節中，它詳細分析瞭顫音（Vibrato）、推弦（Bending，雖然主要針對吉他，但其情感應用同樣適用於鋼琴的音符保持和力度變化）以及休止符在營造張力中的作用。我發現，當我不再僅僅關注“哪個鍵要按下去”，而是開始思考“我想通過這個音符錶達什麼樣的情緒”時，我的演奏立刻變得生動起來。這本書教會瞭我如何“用心”去彈奏，而不是僅僅用手指。對於那些被傳統古典音樂訓練束縛，渴望釋放更多自由和即興錶達的彈奏者來說，這本書無疑是打開新世界的一把鑰匙。

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