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出版者:

作者:Fitzgerald, Sara

出品人:

页数:152

译者:

出版时间:

价格:$ 11.24

装帧:

isbn号码:9781897261859

丛书系列:

图书标签:

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《光影流转的百年史诗：二十世纪电影艺术的崛起与变迁》 一卷跨越百年光影的宏大叙事，一部剖析工业、美学与社会思潮交织的电影百科全书。 图书定位与核心主题： 《光影流转的百年史诗》并非一部简单的电影史编年史，而是一次深入二十世纪全球电影艺术肌理的田野调查。本书旨在探讨电影——这一诞生于工业革命末期的“魔术盒子”——如何从最初的奇观展示，演变为最能反映、塑造乃至颠覆现代社会精神面貌的核心媒介。全书以技术革新为驱动力，以美学流派更迭为主线，辅以文化、政治和经济环境的互动影响，构建起一个立体、多维度的二十世纪电影图景。 本书的野心在于，超越对著名导演和经典影片的罗列，而是聚焦于“电影如何成为电影”的内在逻辑。它探究了胶片、剪辑、声音以及后来的数字技术如何改变了我们感知世界和表达叙事的方式，以及这些技术变革背后隐藏的权力结构与艺术抱负。 --- 第一部：从静默到有声——奇观的诞生与工业的奠基（1900-1927） 本部分深入剖析了电影工业如何在极短时间内从游乐场的新奇玩意儿，发展成为好莱坞和欧洲制片厂的庞大机器。 I. 幽灵的时代：早期电影的原始冲动 卢米埃尔兄弟与梅耶斯克的辩证： 比较法国的“真实记录”倾向（如《火车进站》的冲击力）与美国早期叙事实验的差异。重点分析梅里爱如何利用剪辑和叠印创造出第一个电影“魔术”，奠定后期特效的基础。 格里菲斯的“语法”构建： 详细解析D.W.格里菲斯如何系统化了场面调度、特写镜头和交叉剪辑等基础语法，使电影叙事具备了史诗般的宏大感和情感的细腻度。讨论《一个国家的诞生》在技术上的突破与其在社会意识形态建构上的争议。 欧洲的早期探索： 聚焦丹麦的自然主义风格以及意大利史诗片的奢华场面调度，揭示欧洲在早期对电影潜能的商业化与艺术化的不同尝试。 II. 格式化的胜利：好莱坞的制片厂体系形成 “明星制”的诞生与经济学： 分析制片厂如何将演员塑造成可复制的商品，以及这种工业模式如何确保了内容的稳定输出和全球市场的扩张。 蒙太奇理论的第一次高峰： 深入探讨苏联的爱森斯坦、普多夫金和库里肖夫的蒙太奇理论，不仅作为剪辑技巧，更作为一种“思想的碰撞”和观众心理的控制工具。分析这些理论在革命宣传中的应用及其对后续实验电影的影响。 III. 声音的降临：一场颠覆性的技术革命 从“会说话的电影”到叙事整合： 记录有声电影带来的剧烈震荡——对舞台化表演的冲击、对灯光和场面调度的限制，以及随之而来的对专业技术人员需求的激增。分析《爵士乐之王》的划时代意义，以及声音如何意外地巩固了好莱坞的中央集权模式。 --- 第二部：黄金时代的迷思与反叛——类型片、作者论与全球冲突（1930-1959） 这一时期，电影艺术在工业的庇护下达到成熟的巅峰，同时也开始酝酿着对既有秩序的反思与突破。 I. 类型片的成熟与意识形态的隐喻 黑色电影（Film Noir）的诞生： 探讨二战后的社会焦虑、存在主义哲学以及德国表现主义的视觉遗产如何共同催生了黑色电影的阴郁美学。分析叙事中的女性形象（蛇蝎美人）与男性角色的道德困境，作为对美国梦破灭的隐喻。 歌舞片的逃逸功能： 分析好莱坞歌舞片在经济萧条和大萧条时期，如何提供了一种精巧、完美的逃避现实的乌托邦景观。 II. 欧洲的艺术觉醒：作者论的崛起 意大利新现实主义的道德勇气： 深入考察战后意大利电影对真实生活、非职业演员和即兴叙事的追求，分析其对社会良知的拷问，以及它如何成为全球独立电影的伦理标杆。 法国诗意现实主义的衰落与新浪潮的蓄势： 梳理让·雷诺阿、马赛尔·卡尔内等导演如何在其作品中注入强烈的个人风格和悲剧宿命感，为后来的“作者论”奠定理论基础。 III. 技术的再次革新与地平线的拓宽 宽银幕的诱惑与电视的挑战： 分析Cinerama和CinemaScope等宽银幕技术，如何作为好莱坞对抗电视的商业武器，以及它们如何影响了史诗片和景观描绘的视觉语言。 --- 第三部：打破藩篱的年代——现代主义、反抗与新浪潮的席卷（1960-1975） 电影的叙事逻辑和道德界限在这一时期被彻底重写，全球范围内的青年文化和政治动荡直接催生了最具革命性的电影运动。 I. 法国新浪潮的语法重构 “Cahiers du Cinéma”的革命宣言： 深入分析特吕弗、戈达尔、夏布洛等人如何将对电影史的深刻理解转化为对现有体制的颠覆。重点解析“跳切”、“手持摄影”和“打破第四面墙”等技巧如何解构了传统的叙事流畅性，强调导演的主体性。 欧洲的实验浪潮： 考察波兰学派的残酷写实主义、瑞典伯格曼对信仰和死亡的哲学探讨，以及安东尼奥尼对现代人疏离感的精准捕捉。 II. 挑战禁忌：审查制度的瓦解 欧洲的“性与暴力”探索： 分析意大利的“呕吐电影”（Giallo）和新兴的欧洲艺术电影如何以前所未有的力度触碰社会禁忌，挑战美国严格的“海斯法典”。 美国电影的“反英雄”时代： 探讨“新好莱坞”的导演们（如科波拉、斯皮尔伯格、马丁·斯科塞斯）如何结合作者意图与商业运作，创作出既有艺术深度又具有大众吸引力的作品，标志着制片厂体系的最终转型。 --- 第四部：奇观的回归与全球化——新浪潮的后继者与数字的黎明（1976-2000） 本书的最后部分关注商业逻辑的回归、全球市场的整合，以及数字化浪潮对电影本体论的根本性冲击。 I. 大片时代的开启与视觉特效的飞跃 《大白鲨》与《星球大战》的经济模型： 详尽分析这两部影片如何确立了现代暑期档大片的叙事模式、营销策略和周边产品开发的标准流程，标志着艺术追求向纯粹娱乐性的显著倾斜。 工业光魔（ILM）与特效的民主化： 探讨数字合成技术如何逐步取代传统微缩模型和实体特效，解放了想象力的物理限制，并为后来的3D和CG技术铺平了道路。 II. 独立电影的复兴与身份政治的崛起 圣丹斯精神与地下电影： 考察在商业巨制的主导下，独立电影如何成为少数族裔、女性导演和非主流叙事的发声筒，如斯派克·李的作品，它们在艺术上是对主流叙事合法性的质疑。 非西方电影的崛起： 分析香港电影的动作美学（如吴宇森的“暴力美学”）、日本动画大师宫崎骏的深刻寓言，以及中国“第五代”导演在国际影坛上引发的巨大关注，标志着电影权力中心的真正分散化。 III. 胶片时代的终结预兆 数字摄影的早期尝试与伦理讨论： 简要回顾20世纪末数字摄像机在纪录片和低成本制作中的应用，预示着未来二十年胶片感光材料美学（颗粒、动态范围）将面临的终极挑战。 --- 结语：光影的未来与不朽的凝视 本书最终将论点回归到电影的核心：它作为一种时间艺术，如何通过光影的组织，捕获并反映了人类在二十世纪所经历的全部的希望、恐惧、进步与失败。本书不仅为研究者提供了扎实的史料支撑，也为所有热爱电影艺术的观众提供了一把理解影像语言演变历程的钥匙。它清晰地表明，每一次技术上的跃迁，都伴随着一场深刻的美学革命。

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