Understanding Art Education pdf epub mobi txt 电子书下载 2026

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出版者:

作者:Addison, Nichola/ Burgess, Lesley

出品人:

页数:184

译者:

出版时间:2010-1

价格:$ 53.05

装帧:

isbn号码:9780415367400

丛书系列:

图书标签:

艺术教育
艺术史
教育理论
课程设计
教学方法
美学
创意发展
儿童艺术
艺术心理学
文化艺术

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具体描述

What is distinctive about art and design as a subject in secondary schools? What contribution does it make to the wider curriculum? How can art and design develop the agency of young people? "Understanding Art Education" examines the theory and practice of helping young people learn in and beyond the secondary classroom. It provides guidance and stimulation for ways of thinking about art and design when preparing to teach and provides a framework within which teachers can locate their own experiences and beliefs. Designed to complement the core textbook "Learning to Teach Art and Design in the Secondary School", which offers pragmatic approaches for trainee and newly-qualified teachers, this book suggests ways in which art and design teachers can engage reflexively with their continuing practice. Experts in the field explore: the histories of art and design education and their relationship to wider social and cultural developments; creativity as a foundation for learning; engaging with contemporary practice in partnership with external agencies; the role of assessment in evaluating creative and collaborative practices; interdisciplinary approaches to art and design; and, developing dialogue as a means to address citizenship and global issues in art and design education. "Understanding Art Education" will be of interest to all students and practising teachers, particularly those studying at M Level, as well as teacher educators, and researchers who wish to reflect on their identity as an artist and teacher, and the ways in which the subject can inform and contribute to education and society more widely.

现代艺术史中的流派更迭与思想脉络本书深入剖析了自印象派肇始，直至后现代主义兴盛的现代艺术发展历程。我们将带领读者穿越一个充满革命性变革、观念冲突与美学重塑的百年画卷。这不是一部简单的作品罗列，而是一次对艺术思维方式转变的深度考察。第一部分：光影的解放与对传统的挑战 (1860s – 1900s) 本卷聚焦于西方艺术如何挣脱学院派的束缚，迈向自主表达的第一步。 1. 印象派的瞬间捕捉与科学色彩理论的融合：重点解析爱德华·马奈（Édouard Manet）如何以其“现代生活”的主题和大胆的平面化处理，充当了旧秩序的“敲门者”。随后，深入探讨莫奈（Claude Monet）对光线、空气和色彩波动的迷恋，如何催生了对客观再现的彻底颠覆。我们不仅分析了他们的技法——如并置笔触和无调和色彩的使用——更追溯了十七世纪光学实验和日本浮世绘对他们构图和视角的影响。分析将详述，印象派并非仅仅是“好看的风景画”，而是对时间性、观察主体性和绘画材料本身的哲学反思。 2. 后印象主义的个体表达与结构重建：面对印象派易逝的瞬间感，后印象主义者们开始寻求更持久的结构、情感深度和象征意义。塞尚（Paul Cézanne）的几何化倾向：深入研究他如何将自然物象分解为圆柱体、球体和圆锥体，为立体主义的诞生埋下伏笔。我们考察其晚期作品中空间透视的瓦解与重建，揭示其对“永恒形式”的追求。梵高（Vincent van Gogh）的情感光谱：分析他如何将主观情绪注入色彩和线条，利用漩涡状的笔触和非自然的色彩来表达内在的焦虑与狂喜。本书将辨析其精神状态与其视觉语言之间的复杂互动。高更（Paul Gauguin）的象征主义回归：探讨他如何抛弃西方文明，前往塔希提岛寻求“原始”的纯粹性。研究其“综合主义”如何通过平涂色块和粗犷的轮廓线，服务于对潜意识和异域神秘感的探索。第二部分：现代主义的高峰与形式的极限探索 (1905 – 1945) 这一阶段的艺术仿佛进入了一个加速期，多个激进的运动在短时间内集中爆发，共同目标是彻底重构视觉语言。 3. 野兽派的色彩暴动与情感的原始力量：重点剖析马蒂斯（Henri Matisse）及其追随者如何将色彩从描绘对象的功能中解放出来，使其成为独立的结构和情感载体。解析其作品中大胆的、几乎是装饰性的色彩并置，以及如何利用简洁的线条和平面化处理来追求一种纯粹的、视觉上的愉悦感。 4. 立体主义的解析与多维视角的统一：立体主义是现代艺术中一次最深刻的认知革命。本书将区分“分析立体主义”和“综合立体主义”：分析阶段：探讨毕加索（Pablo Picasso）和布拉克（Georges Braque）如何系统地将物体拆解、重组，并在二维平面上呈现多个视角。这不仅是技法上的创新，更是对文艺复兴以来单点透视原理的批判。综合阶段：考察拼贴（Collage）和添画（Papiers Collés）的引入，分析这些“非艺术材料”如何挑战艺术的本体论界限，模糊了艺术与日常生活的界限。 5. 抽象艺术的诞生：从几何到精神的升华：我们详尽考察了抽象艺术起源的两大主线：康定斯基（Wassily Kandinsky）的音乐性与精神追求：解析他如何借鉴音乐的结构，试图用纯粹的线条和色彩来表达“内在的必然性”和精神世界，标志着非再现艺术的正式确立。蒙德里安（Piet Mondrian）的纯粹理性：分析他如何通过“新造型主义”——限制于水平线、垂直线和三原色——来追求宇宙和谐的终极秩序。 6. 达达主义与超现实主义：潜意识的入侵：考察第一次世界大战对艺术的冲击，以及由此诞生的反理性的运动。达达（Dada）：分析其反艺术、反逻辑的姿态，杜尚（Marcel Duchamp）的现成品（Readymade）如何通过选择行为本身来定义艺术，对艺术机构和作者概念的颠覆性探讨。超现实主义（Surrealism）：以布勒东（André Breton）的理论为基础，深入研究达利（Salvador Dalí）的“偏执狂批评法”和马格利特（René Magritte）对语言与图像之间确定性关系的嘲弄。探讨弗洛伊德梦境分析如何成为创作的蓝图。第三部分：战后艺术的全球化与媒介的拓宽 (1945 – 1970s) 二战结束后，艺术的中心从巴黎转向纽约，艺术的关注点也从欧洲的传统转向对美国社会、个体经验和新媒介的探索。 7. 抽象表现主义的行动与主体性：探讨以波洛克（Jackson Pollock）的“行动绘画”为代表的美国艺术的爆发。分析滴画（Dripping）如何记录了艺术家的身体运动和存在状态，使画布成为一个行动场域（Arena），而非描绘对象的空间。同时，考察罗斯科（Mark Rothko）的“色域绘画”如何通过大面积、模糊边缘的色块，引导观众进入冥想和崇高的精神体验。 8. 从具象到观念的过渡：波普艺术的日常化与消费文化批判：波普艺术（Pop Art）是对抽象表现主义主观内向性的有力反击。商业符号的挪用：详细分析安迪·沃霍尔（Andy Warhol）如何利用丝网印刷技术复制大众媒体图像（如金宝汤罐头和玛丽莲·梦露），探讨其作品中对名人崇拜、批量生产和艺术稀缺性的矛盾处理。清晰的图像与讽刺：研究李奇登斯坦（Roy Lichtenstein）对连环画的放大与重构，揭示其如何用漫画语言来解构“高雅艺术”的严肃性。 9. 极简主义的回归与艺术的去物质化倾向：极简主义（Minimalism）是对波普艺术的某种程度的回溯，但更加专注于对象的纯粹性、材料的本真性以及空间与观众的关系。考察唐纳德·贾德（Donald Judd）的“特定对象”（Specific Objects）理论，分析其如何通过重复的、工业化生产的几何体，消解艺术家的“手感”和情感投射，迫使观众关注作品的物理存在本身。 10. 观念艺术的胜利：语言与思想的优先性：本书以观念艺术（Conceptual Art）的兴起作为现代主义高潮的终结标志。重点讨论约瑟夫·科苏斯（Joseph Kosuth）的《三把椅子》等作品，论证“艺术的本质在于其观念，而非其物质呈现或美学形式。” 这一运动彻底将艺术的讨论从“如何画”转向了“什么是艺术”。本书旨在提供一个结构清晰、论证严密的框架，帮助读者理解这些相互关联又彼此对立的艺术思潮，如何共同塑造了我们今天理解艺术的复杂语境。