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出版者:

作者:Hal Leonard Publishing Corporation (CRT)

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:

价格:262.00元

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isbn号码:9781423421559

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弦音流转：二十世纪中叶的美国音乐景观 作者： [虚构作者名，例如：伊芙琳·哈珀 (Evelyn Harper)] 出版年份： [虚构年份，例如：2018] 出版社： [虚构出版社，例如：回声石出版社 (Echo Stone Press)] --- 内容提要： 《弦音流转：二十世纪中叶的美国音乐景观》并非仅仅是一部音乐史的编年史，它是一幅由时代思潮、技术革新和社会变迁共同勾勒出的复杂声景画卷。本书聚焦于1940年代至1970年代初这段被普遍认为是美国音乐史上最具活力和颠覆性的时期。作者以精湛的史学功底和深邃的文化洞察力，解构了在此期间，从古典前沿到新兴流行音乐中，一系列关键的风格演变、理论冲突以及对“美国之声”的身份探索。 本书的核心论点在于，这一时期的音乐发展并非孤立的艺术事件，而是与二战后的经济繁荣、民权运动的兴起、冷战对文化输出的关注，以及新兴电子技术对声音记录和合成能力的突破紧密交织。它旨在揭示那些被传统音乐史叙事边缘化的声音实践，同时重新审视那些被奉为圭臬的作品，探讨其在特定历史语境下的真正意义。 第一部分：战后回声与古典主义的焦虑（1940s – 1950s 初期） 开篇章节将深入探讨二战对美国作曲家和音乐生态的深远影响。欧洲传统作曲体系（如新古典主义和序列主义）的流亡者涌入美国，极大地冲击了本土的学院派音乐。本书详细考察了以阿隆·科普兰（Aaron Copland）为代表的“美国声音”的构建过程——那些试图在民族主义与现代主义之间寻找平衡的努力。 重点分析了“中立主义”作曲家群体，他们如何试图在对无调性（Atonality）的恐惧与对传统调性（Tonality）的厌倦中寻求出路。作者引入了“声学拓扑学”的概念，来描述作曲家们对音色、空间感以及非传统乐器（如打击乐器组）的激进探索。 第二部分：电子的黎明与声音的解构（1950s – 1960s 初期） 本章是本书最具开创性的部分之一。它详尽梳理了电子音乐的早期发展，尤其关注那些在大学实验室和私营机构中进行实验的先驱们。不同于仅关注西德或法国的磁带音乐发展，本书将聚光灯投向了普林斯顿、哥伦比亚大学以及梅尔斯学院（Mills College）等地的美国本土实践。 作者细致地分析了“具体音乐”（Musique Concrète）在美国语境下的本土化，以及早期合成器（如RCA Mark II）对作曲家思维模式的重塑。它探讨了约翰·凯奇（John Cage）对偶然性（Chance Operations）和沉默的哲学性探索，如何不仅挑战了音乐的结构，更挑战了音乐存在的本质。本书将凯奇视为一位重要的文化解码者，而非仅仅是音乐实验家。此外，还首次将波普艺术（Pop Art）的美学原则，如对现成物（Readymade）的挪用，与早期环境音乐（Ambient Music）的前身进行关联分析。 第三部分：民权、抗议与民间根源的回归（1960s） “民谣复兴”的浪潮被置于社会政治变革的核心进行考察。本书拒绝将民谣简单视为怀旧或娱乐形式，而是将其视为社会抗议最直接、最快速的传播媒介。详细分析了伍迪·格思里（Woody Guthrie）、皮特·西格（Pete Seeger）以及早期鲍勃·迪伦（Bob Dylan）的作品如何精准捕捉了工人阶级、青年反叛以及反战情绪的集体无意识。 更重要的是，本书深入探讨了布鲁斯（Blues）和灵魂乐（Soul Music）在这一时期如何超越其地域限制，成为一股强大的、具有全球影响力的文化力量。分析了摩城（Motown）和斯泰维特（Stax）等唱片公司，如何在资本运作与种族融合的复杂夹缝中，为黑人音乐家提供了前所未有的平台，并探讨了这种商业化成功对传统音乐表达的张力和解放作用。 第四部分：室内与室外的交汇：极简主义的崛起（1960s 末 – 1970s 初） 在对复杂性和密度达到顶峰的序列主义和电子实验感到审美疲劳之后，美国音乐界迎来了一场回归基础的运动——极简主义（Minimalism）。本书追溯了拉蒙特·扬（La Monte Young）对持续音（Drone）的痴迷、特里·莱利（Terry Riley）的循环结构，以及史蒂夫·赖希（Steve Reich）对相位过程（Phasing）的精确计算。 作者认为，极简主义并非对前卫的简单反动，而是一种新的时间观的体现，这与彼时美国社会对效率、重复劳动以及禅宗哲学影响的关注息息相关。本书将极简主义的影响力扩展到摇滚乐领域，探讨了这些音乐原则如何悄然渗透到迷幻摇滚（Psychedelic Rock）的冗长即兴演奏和前卫摇滚（Progressive Rock）的结构设计中，从而完成了学院派与流行文化之间的最后一次重大结构性对话。 结语：未竟的循环 本书最后总结道，二十世纪中叶的美国音乐，是一场关于“真实性”（Authenticity）的持续辩论。从对欧洲传统的疏远，到对本土声音的渴望，再到对电子媒介的拥抱，最终回归到对基础节奏和音高的重新发现，这一时期的音乐探索为后来的“后现代”音乐实践奠定了不可磨灭的基石。它不仅定义了“美国音乐”，更定义了二十世纪后半叶全球音乐可能性的边界。 --- 评论家推荐语： “哈珀的这部著作，以其令人惊叹的广度和深度，成功地将看似分散的音乐事件编织成一个统一的时代叙事。它对电子音乐和极简主义的洞察力尤为深刻，迫使读者重新审视那些我们习以为常的声音。” —— [虚构评论机构名称，例如：《音乐理论评论季刊》] “这是一部充满洞察力的研究，它巧妙地在录音室的嗡鸣、民权集会的口号和音乐厅的寂静之间架起桥梁。对于任何想理解‘美国声音’如何被锻造出来的人来说，这本书是必读之作。” —— [虚构评论家名称，例如：詹姆斯·麦克唐纳]

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