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出版者:

作者:Lowry, Todd

出品人:

页数:56

译者:

出版时间:2005-2

价格:$ 22.54

装帧:

isbn号码:9780634079023

丛书系列:

图书标签:

• 布鲁斯钢琴
• 钢琴教程
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蓝调钢琴精选：大师之声与演奏秘籍 图书名称： 蓝调钢琴精选：大师之声与演奏秘籍 (Best of Blues Piano: Masterpieces and Playing Techniques) 图书简介： 本书深入探索了蓝调钢琴音乐的丰富历史、核心技巧和标志性演奏风格。它不仅仅是一本曲谱集，更是一部详尽的演奏指南和风格剖析，旨在帮助所有级别的钢琴学习者——从初学者到经验丰富的音乐家——掌握蓝调钢琴的灵魂与精髓。 第一部分：蓝调的根源与演变 章节一：蓝调的起源：密西西比的呼唤 本章追溯了蓝调音乐在20世纪初美国南部，尤其是在密西西比三角洲地区的诞生历程。我们将探讨非裔美国人劳动歌曲、灵歌（Spirituals）以及拉格泰姆（Ragtime）如何共同孕育出蓝调的独特情感表达和音乐结构。重点分析了早期布鲁斯音乐家（如Robert Johnson等）口头流传的音乐元素如何逐渐被记录下来，并开始影响钢琴演奏。 章节二：从乡村到城市：风格的分化 进入20世纪中叶，蓝调音乐随着人口大迁徙进入芝加哥、底特律和圣路易斯等大都市，音乐风格也随之发生剧变。本章详细对比了乡村蓝调（Delta Blues）与城市蓝调（Urban Blues）在演奏特点上的差异。乡村蓝调更侧重于指弹和歌唱的融合，而城市蓝调则开始拥抱电声乐器，钢琴的角色也从伴奏转变为更具侵略性和复杂的独奏乐器。我们将重点介绍早期芝加哥蓝调钢琴家如何将强有力的和弦推进和快速的即兴演奏融入音乐之中。 章节三：钢琴在蓝调中的核心地位 蓝调钢琴并非仅仅是吉他的替代品，它发展出了一套独特的音乐语言。本章阐述了钢琴在蓝调乐队中的功能性角色——既是节奏的基石，也是即兴对话的发起者。我们将剖析“步行贝斯线”（Walking Bass Lines）在钢琴上的实现方式，以及如何利用踏板和键盘布局来创造出更具“泥土感”的音色。 第二部分：掌握蓝调钢琴的核心技术 章节四：和声的基石：蓝调音阶与属七和弦的魔力 蓝调音乐的核心在于其独特的情感张力，这主要通过和声结构来体现。本章将系统讲解蓝调音阶（Blues Scale）的构成、指法和应用。我们将深入解析标准十二小节蓝调（12-Bar Blues）的和弦进行，并着重讲解如何构建和运用九和弦（9th）、十一和弦（11th）和十三和弦（13th）等属七和弦，这些和弦是赋予蓝调深沉色彩的关键。 章节五：节奏的脉搏：左手技巧与“律动”（Groove）的建立 蓝调钢琴的灵魂在于其律动感。本章专注于左手的技术训练，这是建立稳定、有感染力的蓝调节奏的基础。内容包括： 步行贝斯线的实践： 详细分解如何用左手模拟低音提琴的旋律进行，确保节奏的连贯性。 摇摆节奏（Swing Feel）的掌握： 讲解如何通过不均匀的八分音符演奏来创造“摇摆感”，这对于理解早期爵士和布鲁斯融合至关重要。 节奏性和弦的运用： 如何通过断奏（Staccato）和重音来强调和弦的切分音，增加音乐的驱动力。 章节六：即兴的语言：右手旋律与“蓝调音符” 右手演奏是蓝调钢琴家展现个性的舞台。本章提供了一套结构化的即兴练习方法： 蓝调音符（Blue Notes）的应用： 探讨如何策略性地使用降三度、降五度、降七度音来制造听觉上的“不和谐美感”。 乐句的构建： 分析大师们常用的经典乐句模式，并指导读者如何将这些“短语”进行变奏和串联，形成流畅的即兴段落。 呼应与应答（Call and Response）： 如何在独奏中模仿人声或乐器的对答模式，使演奏更具叙事性。 第三部分：风格流派与标志性演奏家 章节七：摇滚与节奏布鲁斯（R&B）的桥梁 随着摇滚乐的兴起，蓝调钢琴开始向更具冲击力和速度感的方向发展。本章聚焦于如何将蓝调的基本元素（如拐杖式弹奏）与摇滚乐的驱动力结合。我们将分析早期R&B钢琴手如何通过更快速的琶音和更强烈的踏板使用来适应舞曲节奏。 章节八：巴萨诺瓦与拉丁节奏对蓝调的影响 蓝调的影响力是全球性的。本章探讨了20世纪中后期，一些前卫的钢琴家如何尝试将拉丁节奏和加勒比音乐的元素融入传统的蓝调和声中，创造出带有异域风情的蓝调变奏，拓宽了蓝调钢琴的音域和情感表达范围。 章节九：大师访谈录：风格解析 本章通过详尽的乐谱分析，剖析几位标志性蓝调钢琴大师的演奏特点： 1. “自弹自唱”的大师风格： 专注于如何用左手维持节奏的同时，右手进行声部模仿和旋律装饰。 2. “八度大师”的技巧： 分析如何使用宽广的八度音程来增加演奏的厚重感和冲击力，特别是在高潮段落的应用。 3. “节奏驱动者”的秘密： 探讨如何通过细微的时间弹性（Rubato）来控制乐曲的张力，而不是完全遵守严格的节拍。 第四部分：实用演奏与录音指南 章节十：即兴与伴奏的实战策略 本章提供了一系列实用的练习曲和情景模拟，帮助学习者将理论知识转化为实际演奏能力： 如何为歌手伴奏： 学习在不抢占人声主导地位的情况下，如何通过和弦色彩和节奏变化来增强演唱。 独奏编排： 指导如何将一个简单的十二小节蓝调主题扩展成一个完整的独奏曲目，包括引子、主题陈述、即兴段落和结尾的设计。 与其他乐器（如吉他、口琴）的互动： 讲解如何根据其他乐器的音色和音域，调整钢琴演奏的力度和音色选择，实现完美的乐队平衡。 章节十一：情感表达：蓝调的“灵魂” 蓝调音乐最难捕捉的，是其内在的情感深度。本章探讨了如何通过演奏技巧来传达“痛苦”、“渴望”和“坚韧”等复杂情感： 力度（Dynamics）的细微差别： 强调在蓝调中，极弱到极强的变化往往比音符本身更具感染力。 音色的控制： 学习如何利用钢琴的弱音踏板（Sostenuto Pedal）和击键力度来模拟老式钢琴或电钢琴特有的“沙哑”质感。 本书旨在成为学习蓝调钢琴的全面资源，通过深入的技术解析、历史背景的梳理以及对大师演奏哲学的剖析，引领读者真正领会蓝调音乐中蕴含的深厚文化底蕴和无尽的音乐潜力。

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我必须坦白，当我翻开这本书时，我的期望值是直接对标那些经典教程的，比如关于步伐（stride）钢琴或者早期爵士布鲁斯和声的那些里程碑式的作品。我期待的是那种结构严谨、逻辑清晰、每一步都经过深思熟虑的教学体系。这本书给我的感受，更像是一本由多位不同水平的作者在咖啡馆里匆忙拼凑出来的合集。有些章节似乎是某个业余爱好者写的，充满了热情，但技术细节极其粗糙；而另一些部分则突然跳跃到一些我完全无法理解的理论高度，却没有任何中间的过渡和铺垫。举个例子，关于“情感表达”的那一章，作者用了一大段篇幅来描述月光下的孤独感，但对于如何用踏板和指尖力度去模拟这种“孤独”的音色，却只用了一句“用心去弹”带过了。这对我来说是完全无法接受的。我真正需要的是关于触键深度的科学解释，是不同力度下音头（attack）和延音（sustain）如何影响布鲁斯味道的频谱分析，甚至是针对不同型号钢琴的演奏适应性建议。这本书缺乏的是一种统一的、经过严格验证的教学法。它更像是一本“布鲁斯钢琴生活方式”的指南，而不是一本“精通布鲁斯钢琴技艺”的工具书。我花了大量时间试图在这些杂乱的碎片中寻找一条主线，但最终放弃了。它没有提供任何值得我反复练习的、真正具有挑战性的练习素材，我更倾向于从YouTube上随机找一个大师的演奏视频，然后自己去扒带子，那样效率都比这本书高得多。

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我必须承认，我是在期待能找到一本真正能体现“布鲁斯之魂”的书籍，那种能让我一听就知道是来自某个特定流派或大师之手的独特印记。这本书虽然名字听起来雄心勃勃，但实际内容给我的感觉是，作者对“布鲁斯”的理解太过宽泛和模糊，以至于它几乎可以被应用到任何一种键盘音乐上——只要你稍微把速度放慢一点，把音色调得“脏”一点就行。我尤其关注的是如何处理布鲁斯中的“蓝调音符”（Blue Notes）在不同八度范围内的色彩变化，以及如何通过踏板的微妙控制来模仿老式电钢琴或Hammond B3风琴那种饱满的共鸣感。这本书对这些细节的处理是极其肤浅的，更多是停留在“蓝调音符很重要，它们让音乐听起来伤感”这种初级论断上。我需要的是关于音高的精确控制，是关于如何利用和弦的内声部运动来制造情绪的流动，而不是这种蜻蜓点水式的介绍。说实话，如果作者真的对布鲁斯钢琴有深刻的理解，这本书的篇幅应该被技术细节塞得满满当当，而不是被一些与钢琴演奏无关的广义音乐史论据所占据。我这次的购买体验，无疑是一次深刻的教训，它证明了光有一个吸引人的名字，是远远不够的。

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读完这本书，我感觉自己像是在一个主题公园里迷了路，四周都是关于布鲁斯音乐的宏大叙事，但就是找不到通往核心技术区的地图。我对布鲁斯钢琴的理解是建立在严格的乐理基础和大量重复性训练之上的，我想要的是清晰的“如果A发生，你就应该做B”的规则手册，而不是一堆“也许你可以试试这个，或者那个”的建议。这本书最令人沮丧的一点是，它对和弦的讲解过于停留在基础的七和弦和九和弦的罗列上，完全没有深入探讨如何构建真正能让人眼前一亮的布鲁斯终止式（turnaround）或在不和谐音（dissonance）中找到美感的技巧。比如，对于“次属和弦替代”（Subdominant Substitution）在布鲁斯变奏中的应用，这本书只是简单地提了一句“这是个好主意”，然后就跳到了下一页去讨论如何保养琴键。我的天！我需要的是那种能让我听众拍案叫绝的“小把戏”，是能让我瞬间从平庸走向出彩的微妙处理，这本书里找不到任何这样的“干货”。它似乎假定读者已经掌握了所有高级技巧，然后才来跟你聊一些形而上的东西。对于我这种需要通过精确的技术练习来打磨自己演奏的乐手来说，这本书提供的帮助微乎其微，我需要的技术细节被完全忽略了，实在让人抓狂。

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这本书的排版和设计确实很吸引眼球，色彩运用大胆，字体的选择也很有复古感，但美观度并不能替代内容的深度。我买这本书是希望它能成为我练习室里的“圣经”，一本我需要不断翻阅、不断从中汲取新知识的参考书。然而，我发现自己只能在某些非常基础的概念上找到一些文字上的确认，仅此而已。我希望能看到更复杂的节奏处理，比如如何将摇摆（swing）的律动精确地融入到四四拍的布鲁斯框架中，或者如何有效地使用三连音和切分音来制造紧张感。这本书里对节奏的描述，简直就像是在给一个完全不懂音乐的人解释“吃饭要嚼东西”一样简单粗暴。此外，关于布鲁斯即兴的篇幅少得可怜，甚至没有提供任何可以用于练习的、基于布鲁斯音阶的、结构化的即兴片段。我尝试用书中的一些旋律片段来构建即兴，但它们听起来都过于僵硬和程式化，缺乏生命力。它更像是对布鲁斯音乐的“观察报告”，而不是“操作手册”。如果我无法从中获得可立即应用到我的键盘上的具体方法论，那么这本书的价值对我来说就大打折扣了，最终我只能把它束之高阁，继续依赖那些真正注重实操的资源。

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天哪，我简直不敢相信我花了这么多时间和精力去研究这本书，结果发现它和我的预期完全是两码事。我原本是想找一本能够深入挖掘布鲁斯钢琴核心技巧和历史演变的权威指南。你知道，那种能把奥斯卡·皮特森的精妙和艾克·特纳那种粗粝的律动都剖析得淋漓尽致的教材。这本书给我的感觉，就像是翻开了一本华而不实的食谱，里面全是色彩鲜艳的图片，但关键的调味品——那些能真正让菜肴升华的秘方——却一个也没提。我尝试着去理解作者试图表达的“精神内核”，但那些泛泛而谈的段落，诸如“感受音乐的灵魂”之类的陈词滥调，对我这位已经有一定基础的学习者来说，简直是一种折磨。我需要的是具体的和弦进行替换、更复杂的左手Walking Bass模式的图解，或是针对特定地区布鲁斯风格（比如芝加哥或德克萨斯）的深入分析。这本书里，我感觉作者似乎更热衷于讲述一些与钢琴演奏技巧无关的轶事，虽然这些故事本身也许有趣，但它们完全占据了本该用来讲解“如何弹奏”的空间。我花了整整一个下午，对着谱子试图找出一些亮点，结果发现很多标记都是模棱两可的，鼓点和旋律的对位练习少得可怜，更别提对即兴演奏的系统性指导了。如果这本书的目标读者是那些连C大调都还不熟练的新手，那它可能还算勉强及格，但对于任何渴望将自己的布鲁斯演奏提升到专业水平的人来说，这无异于在沙漠里寻找绿洲，最后只找到了一把干枯的仙人掌。我真的很失望，希望未来的版本能真正聚焦于“布鲁斯钢琴”本身，而不是这些虚无缥缈的哲学思考。

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