Artists, Advertising and the Borders of Art pdf epub mobi txt 电子书下载 2026

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出版者:

作者:Bogart, Michael H.

出品人:

页数:440

译者:

出版时间:1997-11

价格:$ 36.73

装帧:

isbn号码:9780226063089

丛书系列:

图书标签:

艺术
广告
艺术边界
文化研究
视觉文化
现代艺术
商业艺术
媒介研究
艺术史
大众文化

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具体描述

Norman Rockwell and Andy Warhol, J.C. Leyendecker and Georgia O'Keeffe, the Metropolitan Museum of Art and Pepsi-Cola, the avant-garde and the Famous Artists Schools, Inc.: these are some of the unexpected pairings encountered in this study of commercial art and design. In this interdisciplinary study of the imagery and practices of commercial artists, the author explores in detail the world of commercial art - its illustrators, publishers, art directors, photographers, and painters. She maps out the long, permeable border between art and commerce, seeking to expand our understanding of artistic culture in the 20th century. From the turn of the century through the 1950s, the explosive growth of popular magazines and national advertising offered artists new sources of income and new opportunities for reaching huge audiences. Bogart shows how, at the same time, this change in the marketplace also forced a rethinking of the purpose of the artistic enterprise itself. She examines how illustrators such as Howard Pyle, Charles Dana Gibson, and Norman Rockwell claimed their identities as artists within a market-oriented framework. She looks at billboard production and the growing schism between "art" posters and billboard advertisements; at the new roles of the art director; at the emergence of photography as the dominant advertising medium; and at the success of painters in producing "fine art" for advertising during the 1930s and 1940s.

艺术、商业与界限的模糊：一场对文化生产的深入审视《艺术、商业与界限的模糊》是一部深入剖析当代文化景观的专著，它拒绝将艺术创作与商业实践视为泾渭分明的两个领域，而是着力于探究它们之间日益复杂且相互渗透的关系。本书超越了传统艺术史和文化研究的窠臼，将目光投向那些在商业驱动下诞生、传播和被消费的视觉文化现象，揭示其背后隐藏的权力结构、意识形态构建和审美规范的演变。本书的核心论点在于，在后工业社会和全球资本主义的语境下，“纯粹的艺术”已成为一种越来越难以维持的理想。无论是高雅艺术画廊中的陈设，还是大众媒介中的广告投放，抑或是新兴的数字平台上的视觉叙事，都共享着一套由市场逻辑驱动的生产和接受机制。作者通过对一系列跨学科案例的细致考察，构建了一个多层次的分析框架，用以解构艺术品、品牌形象、名人效应以及创意产业的内在运作机制。全书结构严谨，共分为六个相互关联的章节，每一章都聚焦于一个特定的切入点，共同绘制出一幅关于现代视觉文化生态的宏大图景。第一章：创意产业的崛起与美学的商品化本章首先界定了“创意产业”这一概念的复杂性及其在全球经济中的地位。作者批判性地审视了创意经济理论，指出其在推崇创新和个体天赋的同时，往往掩盖了劳动异化和资本集中等结构性问题。重点探讨了设计、时尚、电影制作等领域如何将审美价值转化为可量化的商业资产。通过对比欧洲传统艺术赞助制度与当代风险投资驱动的文化孵化器，揭示了艺术家身份和艺术价值评判标准的根本性转变。本章深入分析了“灵感”和“原创性”是如何被重新定义为可以被购买和复制的市场资源。第二章：广告叙事中的后现代挪用与符号学陷阱本章将重点放在广告领域，但视角并非停留在简单的信息传递上，而是将其视为一种高度精炼的视觉修辞学实践。作者运用深度符号学分析，剖析了当代广告如何系统性地挪用（appropriation）艺术史中的经典母题、次文化符号以及民族志元素，并将其置入消费语境中。书中详细分析了“真实性”和“身份政治”在广告中的策略性运用——如何通过特定的视觉语言，让消费者相信购买特定产品即是获得某种理想中的自我状态。这一过程如何稀释了原始符号的文化意义，并将其转化为纯粹的商业效能，是本章讨论的焦点。第三章：机构的策展与市场的操控：画廊体系的权力动态第三章将视角转向艺术世界的“高地”——博物馆、画廊和艺术博览会。作者并未将这些机构视为中立的文化守护者，而是将其视为一个高度结构化的权力场域。本章详细剖析了艺术市场如何通过限量发行、价格操纵和精英话语的构建，来确立某些作品的“永恒价值”。通过对特定艺术家的职业生涯轨迹和作品在二级市场的表现进行案例研究，揭示了策展人、评论家和收藏家之间复杂的利益共同体如何共同决定了什么进入了“艺术史”，以及在多大程度上，这种“历史地位”是市场需求的结果而非纯粹的艺术成就。第四章：名人、身体与品牌构建：视觉身份的经济学本章关注名人文化和身体的商品化现象。作者认为，现代社会中，名人的“人设”本身就是一种高度复杂的、精心管理的视觉品牌。本章探讨了如何通过社交媒体、公共关系和跨界合作，将演员、音乐家或运动员的个人形象转化为可持续的商业IP。特别关注了身体（如时尚模特、健身偶像）在视觉媒体中被符号化和消费的过程，分析了性别、种族和阶层如何在这些品牌叙事中被固化或颠覆，以及这种身份的“展现”如何直接转化为经济回报。第五章：数字平台与算法美学：无限复制时代的视觉生产随着数字技术的普及，艺术与商业的边界面临新的挑战。本章探讨了互联网平台（如Instagram、TikTok以及NFT市场）对视觉生产的影响。作者分析了“算法推荐”如何塑造了公众的审美偏好，形成一种趋同化的“平台美学”。讨论了病毒式传播（virality）与深度思考之间的张力，以及在“即时消费”的文化中，视觉作品的持久性和批判性如何被削弱。NFT（非同质化代币）部分被视为对稀缺性概念的又一次商业化实验，而非彻底的艺术解放。第六章：跨界融合的未来：艺术作为一种商业战略在结语部分，作者总结了上述的分析，并展望了未来文化生产的趋势。本章主张，与其徒劳地试图划清艺术与商业的界限，不如深入理解它们如何共同建构了我们理解世界的方式。作者探讨了企业将“艺术化”作为其核心商业战略（例如，科技公司对美学体验的强调，或奢侈品牌对“文化对话”的赞助）的深层动因。最终，本书呼吁文化批判者和创作者在承认商业现实的同时，寻求在被市场化的框架内，依然能够保有批判反思和文化深度的可能性。《艺术、商业与界限的模糊》是一部极具挑战性的著作，它迫使读者直面一个令人不安的现实：在一个视觉主导的时代，艺术的价值越来越多地由其流通性和市场接受度来定义。本书的语言严谨、论证有力，是文化研究、艺术理论、媒体研究及市场营销领域研究者的必备参考读物。它不仅描述了现状，更提供了深入理解当代文化经济运行逻辑的必备工具。