Performing Twentieth-century Music pdf epub mobi txt 电子书下载 2026

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出版者:

作者:Weisberg, Arthur

出品人:

页数:150

译者:

出版时间:1996-2

价格:$ 21.47

装帧:

isbn号码:9780300066555

丛书系列:

图书标签:

音乐史
二十世纪音乐
音乐表演
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音乐作品

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具体描述

Even the most accomplished musicians are often defeated by the demands of the modern repertory. Yet until now, no practical manual has addressed the performance problems specific to twentieth-century music. This concise, straightforward handbook by the renowned conductor and instrumentalist Arthur Weisberg will guide performers and conductors in negotiating the diverse paths taken by composers in this century. Most of the difficulties particular to modern music center around rhythm and counting. Performers must perfect the accurate, fluent reading of complex rhythms. Conductors must not only understand the rhythmic problems they encounter but also be able to teach the players how to perform them. Composers themselves need to know how best to notate their rhythmic ideas. Bearing these demands in mind, Weisberg clearly explains the new rhythmic complexities and provides exercises for mastering them. Weisberg demonstrates techniques--including "educated faking" and "the common sense rule"-for performing irregular meters, complex polyrhythms (such as seven against four), and metric modulations. He also discusses baton technique, score preparation, electronic aids for synchronized playing, and the tension between flow and accuracy. Weisberg's examples are drawn chiefly from works by Hindemith, Stravinsky, Webern, Ives, Carter, and Boulez, but he also uses examples from Bach, Beethoven, and Brahms to show how devices generally regarded as modern are in fact rooted in earlier practices.

好的，这是一份关于其他音乐主题的图书简介，旨在不涉及《Performing Twentieth-century Music》这本书的内容，并且详尽、自然： --- 《和声的演变：从巴洛克到后浪漫主义》一部探索西方音乐结构与情感表达的历史性研究作者：[此处可插入虚构的权威音乐学者姓名] 内容提要《和声的演变：从巴洛克到后浪漫主义》是一部对西方艺术音乐核心——和声语言——进行深度剖析的权威著作。本书超越了传统教科书的僵硬规则梳理，以清晰的历史脉络和精妙的乐谱分析，追溯了自十六世纪末复调音乐的成熟直至十九世纪末调性体系达到其巅峰并开始瓦解的宏大过程。本书的核心论点在于，和声并非是孤立的音高组合，而是特定时代社会、哲学思潮与技术进步相互作用的产物。作者通过考察赋格、奏鸣曲式以及交响诗中和声语言的微妙变化，揭示了音乐家们如何不断挑战和扩展听觉的界限，从而塑造了我们今天所理解的“古典音乐”美学。第一部分：调性体系的奠基与确立（约1600–1750年）本部分聚焦于巴洛克时期的音乐语言，这是西方音乐史上一次关键性的结构革命。我们将深入探讨从古老的教会调式向现代大小调体系（Tonal System）过渡的复杂过程。第一章：大调与小调的兴起：分析了“固定调高”（Figured Bass）实践如何成为和声组织的中心范式。重点解析了卡农、赋格曲中对主导调与属调关系的严格要求，以及这种二元对立如何为后世的结构性思维打下基础。我们将详细分析巴赫《平均律键盘曲集》中的作品，展示其在确立大小调功能性和半音色彩运用上的突破性意义。第二章：对比与装饰：探讨了巴洛克歌剧咏叹调中，和声如何服务于情感的即时表达，尤其是对“情感理论”（Doctrine of Affections）的音乐体现。分析了通奏低音的演奏实践如何影响和声的即兴化和复杂性，以及对比性的织体（如对位与主调的交替）如何通过和声色彩的张弛来构建戏剧张力。第二部分：古典主义的清晰与平衡（约1750–1820年）本部分审视了古典主义时期对巴洛克复杂性的回应——对清晰性、平衡性和形式逻辑的追求。和声在此阶段成为结构骨架，为奏鸣曲式（Sonata Form）的严谨构建服务。第三章：奏鸣曲式的和声语法：详细解析了奏鸣曲式的第一主题呈示部中，如何通过“功能性”和声进行（例如导音、属和弦的强化使用）来确立和偏离主调。重点研究了海顿和莫扎特作品中，终止式（Cadence）的精确使用如何定义了乐章的完整性和逻辑推进。本章特别讨论了副属和弦（Secondary Dominants）的巧妙引入，它们如何在不破坏调性中心的前提下，为中段的色彩变化提供了有限但有效的工具。第四章：对位与主调的融合：研究了古典主义晚期，尤其在贝多芬的作品中，和声语言开始展现的倾向。虽然形式依旧严谨，但和声进行中出现的半音色彩和扩展的七和弦，预示着调性潜力的进一步释放。分析了贝多芬晚期弦乐四重奏中，和声如何开始承担超越形式结构之外的哲学思辨功能。第三部分：浪漫主义的无限延伸（约1820–1900年）本部分是全书的高潮，探讨了浪漫主义时期如何将古典体系推向极限，通过色彩、情感和叙事，极大地扩展了和声的词汇量。第五章：色彩的解放与和声的“模糊化”：深入探讨了舒伯特、肖邦和李斯特如何系统性地利用经过和弦（Passing Chords）、离调（Modulation）的扩展以及减七和弦（Diminished Seventh Chords）的模糊性来营造强烈的抒情氛围。本章特别关注“异议和弦”（Chromatic Mediants）的出现，分析了它们如何打破传统属和弦的驱动力，使得和声进行更多基于音响色彩而非功能逻辑。第六章：瓦格纳的“三全音危机”与调性的极限：专门分析了理查德·瓦格纳的音乐戏剧如何成为调性音乐的顶峰与转折点。对《特里斯坦与伊索尔德》中的开场和弦进行了细致的乐谱解析，探讨了“特里斯坦和弦”如何通过其悬而未决的性质，几乎彻底消解了功能和声的稳定感。本章论述了这种对和声清晰性的持续性挑战，如何为二十世纪初的无调性探索埋下了伏笔。第七章：后浪漫主义的规模与织体：考察了勃拉姆斯、马勒和理查德·施特劳斯在和声上的成就。重点在于大型管弦乐队编制下，和声如何从线条（Counterpoint）转向垂直叠加（Vertical Stacking）。分析了和声密度（Harmonic Density）的增加如何与宏大的叙事需求相匹配，以及在这些作品中，调性中心虽然依然存在，但其周围的半音色彩已经饱和到几乎无法承受的程度。结论：功能和声的遗产本书最后总结了功能和声体系在十九世纪末所达到的复杂性和美学高度。它并非简单地宣告该体系的“死亡”，而是确立了其作为后世所有西方音乐（包括那些试图反叛它的音乐）的参照点和历史基石的地位。本书旨在为所有严肃的音乐学习者、演奏家和听众提供一个坚实的基础，去理解我们所珍视的古典音乐遗产背后的逻辑与情感动力。 --- 本书特色：深度乐谱分析：包含数百个精心选择的乐谱实例，所有示例均标注了清晰的和声功能标记。历史语境化：将和声发展置于当时的哲学、科学（如声学理论）和社会背景之下进行考察。清晰的图表与术语指南：复杂的和声概念通过详细的图表进行了可视化解释，是学习和参考的理想工具。读者对象：音乐学、作曲、音乐史专业的学生、教师，以及对古典音乐结构有深入兴趣的资深音乐爱好者。