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出版者:Routledge

作者:H. A. Shapiro

出品人:

页数:220

译者:

出版时间:1994-5-29

价格:USD 46.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780415067935

丛书系列:

图书标签:

• 艺术史
• 艺术
• 希腊瓶画
• 古希腊
• Classics
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• 神话学
• 艺术理论
• 文化研究
• 古典艺术
• 象征主义
• 图像学
• 文学与艺术
• 西方艺术
• 艺术哲学

《神话入画：重塑的视觉叙事》 导言：穿越时空的意象回廊 在我们人类文明的悠久画卷中，神话从来不是遥不可及的传说，而是嵌入我们集体意识深处的基因密码，是我们理解世界、塑造身份、表达情感的永恒源泉。从远古洞穴壁画的神秘符号，到宏伟庙宇的庄严雕塑，再到当代数字媒体的炫目光影，《神话入画》深入探究了人类历史上，那些古老的神话叙事如何被一代又一代的艺术家以惊人的创造力转化为视觉艺术，从而赋予了它们新的生命，并在这个过程中，不断重塑着我们对神话本身的理解。本书并非简单罗列神话故事的插画，而是对一个跨越文化、跨越时代、跨越媒介的宏大现象进行深刻的剖析，揭示艺术家如何解读、转化、甚至颠覆这些根植于人类想象中的宏大叙事，以及这些视觉转化如何反过来影响了我们对神话的感知和传承。 第一章：神话的诞生与早期视觉的印记 人类的早期文明，在面对浩瀚的自然和未知的命运时，催生了丰富多彩的神话体系。这些神话，承载着对宇宙起源、人类命运、善恶斗争的思考，也自然而然地寻求着具象化的表达。早期人类通过岩画、陶器纹饰、雕刻等朴素却充满力量的视觉语言，描绘着神祇的形象、英雄的壮举、以及部落的信仰。这些早期艺术品，不仅是记录，更是仪式和崇拜的一部分，它们将抽象的神话概念转化为可见可触的图腾，将模糊的信仰转化为坚固的图腾，奠定了视觉艺术与神话之间不可分割的联系。我们将追溯这些最古老的视觉印记，理解神话如何在最早的艺术媒介中找到它们的“身体”，以及这些早期艺术如何塑造了后世对神话形象的基本认知。例如，古埃及壁画中对奥西里斯、伊西斯等神祇的描绘，其程式化的造型和鲜明的色彩，不仅是为了叙事，更是为了维持宇宙秩序的神圣象征。 第二章：古典的凝视：希腊罗马神话的雕塑与绘画 当目光转向古希腊和古罗马，我们见证了神话叙事在视觉艺术中的一次辉煌爆发。从帕特农神庙的宏伟雕塑，到庞贝古城的壁画，再到无数精美的陶器，希腊罗马神话中的诸神与凡人，在艺术家的手中获得了栩栩如生的生命。荷马史诗、埃斯库罗斯的悲剧，这些文字的巨人，被菲狄亚斯、波利克里托斯等雕塑大师赋予了坚实的石质躯体；叙事诗中的爱情、战争、命运，在壁画家的笔下流淌成色彩斑斓的故事。古典艺术不仅追求对神话人物形态的逼真还原，更重要的是，它在探索一种理想化的美学，将神话的英雄主义、悲剧精神、以及对人性的深刻洞察，通过严谨的构图、和谐的比例、以及精湛的技艺，升华为永恒的艺术典范。我们将在这一章中，细致地分析诸如“米洛的维纳斯”、“拉奥孔”等雕塑，以及“庞贝的壁画”，理解古典艺术家如何通过造型语言，捕捉神话的精髓，并将其提升至哲学与美学的高度。 第三章：中世纪的回响：宗教神话的符号与寓言 中世纪的欧洲，基督教神话构成了社会精神生活的核心。艺术在此时期，服务于宗教的传播与教义的阐释，神话的视觉化呈现，更多地转向了符号化、寓言化和象征化。哥特式大教堂的彩色玻璃窗，描绘着圣经故事的每一个细节，光影交织间，神圣的叙事变得庄严而神秘；中世纪手抄本的插画，以其独特的风格，讲述着 saints（圣徒）的生平与奇迹；祭坛画则将神圣的瞬间凝固，引导信徒进行冥想与祈祷。这一时期的艺术，虽然在对现实世界形态的描摹上可能不如古典时期，但在表达对神圣的敬畏、对罪恶的警示、以及对救赎的渴望方面，却达到了前所未有的深度。我们将探讨拜占庭马赛克艺术的辉煌，罗马式艺术的庄重，以及哥特艺术的空灵，理解中世纪艺术家如何运用凝练的视觉语言，将宗教神话转化为一种精神的体验，一种通往天国的阶梯。 第四章：文艺复兴的复兴与重塑：古典神话的世俗化与人性化 文艺复兴是西方艺术史上一个里程碑式的时代，艺术家们重新发现了古典世界的辉煌，并将希腊罗马神话重新引入艺术创作的视野。然而，与古典时期不同的是，文艺复兴时期的艺术家们，在继承古典传统的同时，更注入了人文主义的精神，将神话人物从高高在上的神祇，拉回到具有丰富情感和复杂心理的“人”。波提切利的“维纳斯的诞生”与“春”，拉斐尔笔下充满青春活力的爱神丘比特，提香对酒神狄俄尼索斯狂欢的描绘，都展现了艺术家们对神话故事的全新解读，他们关注的不再仅仅是神祇的权力与命运，更是其中蕴含的关于美、爱、青春、自然以及人性欲望的普世主题。这一章节将深入分析文艺复兴时期，艺术家们如何以精湛的技艺和深刻的人文关怀，重塑了古典神话的形象，并使其焕发出了新的时代魅力，也为后世的神话艺术创作树立了新的标杆。 第五章：巴洛克与洛可可的华丽变奏：情感的激荡与装饰的盛宴 进入巴洛克时期，神话叙事在视觉艺术中呈现出更为戏剧化、情感化和动态化的特征。艺术家们追求强烈的视觉冲击力，运用明暗对比、夸张的动态、以及奔放的色彩，来表现神话故事中的冲突、激情与宏大场面。鲁本斯笔下充满力量与生命力的神祇，卡拉瓦乔戏剧性的光影运用，都将神话故事中的张力推向极致。而到了洛可可时期，神话叙事则更多地融入了轻盈、优美、甚至是有些挑逗的氛围。艺术家们偏爱描绘维纳斯、丘比特等爱神系列，以细腻的笔触和柔和的色彩，展现一种精致的享乐主义和浪漫情怀。我们将在这一章中，考察卡诺瓦的雕塑，布歇和弗拉戈纳尔的绘画，理解艺术家们如何通过不同的艺术风格，将神话故事的情感内核转化为截然不同的视觉体验，从巴洛克的雄浑壮阔到洛可可的精致婉约。 第六章：浪漫主义的呼唤：情感的回归与神秘的探索 浪漫主义时期，艺术家们对神话的兴趣再次被点燃，但这次，他们更注重挖掘神话中蕴含的个人情感、民族精神以及对神秘与超自然的向往。神话不再仅仅是历史的叙述，而是成为表达内心激情的载体。德拉克洛瓦的“自由引导人民”，虽然并非直接描绘神话，但其精神内核与英雄史诗一脉相承，充满了革命的激情与理想的光辉。弗里德里希笔下充满孤寂与敬畏感的风景，也常常与神话传说中的神秘意境相融合。这一时期，一些艺术家也开始关注民间传说、北欧神话等更为原始和神秘的题材，试图从中汲取灵感，表达对宏大自然和不可知世界的敬畏。我们将探讨这一时期的代表作品，理解浪漫主义艺术家如何将个人情感投射到神话叙事中，以及神话如何成为他们表达对自由、对民族、对神秘世界探索的强大工具。 第七章：现实的镜像与现代的解构：神话的当代转译 进入现代与后现代，神话叙事在视觉艺术中的呈现方式发生了更为颠覆性的变化。艺术家们不再拘泥于传统的叙事框架，而是将神话作为一种语言、一种隐喻，用来探讨当代社会的现实问题、人类的生存困境、以及身份认同的焦虑。波普艺术将大众文化符号与神话形象相结合，例如安迪·沃霍尔对玛丽莲·梦露的重复印刷，赋予了她一种现代的“女神”气质。超现实主义艺术家如达利，则通过梦境般的视觉语言，将神话元素与潜意识相结合，创造出令人费解却充满想象力的画面。当代摄影、装置艺术、数字媒体等新兴媒介，也为神话的转译提供了前所未有的可能性。艺术家们可能解构神话中的权力关系，质疑传统价值观，或者利用神话来隐喻当下的社会现象。本书的这一章节将聚焦当代艺术，分析艺术家们如何巧妙地挪用、颠覆、重构神话，使其在新的语境下，仍然能够发出深刻的、引人深思的声音，揭示神话作为一种不朽的叙事母题，其强大的生命力与无限的转型潜力。 结论：神话的视觉生命力，永无止境的创造之旅 从洞穴壁画的原始符号到数字时代的抽象表达，《神话入画》一路追溯，我们看到了神话与视觉艺术之间生死相依、相互滋养的漫长旅程。艺术家们以他们敏锐的目光和非凡的才华，不断地为古老的神话注入新的血液，赋予它们新的形态，并在这个过程中，不断拓展着我们对艺术、对文化、对人类自身理解的边界。神话的魅力在于它的普适性和可塑性，而艺术的伟大则在于它能够将这些抽象的、精神的意念，转化为能够触动人心的视觉存在。本书希望通过对这一宏大议题的深入探讨，不仅仅是回顾那些伟大的艺术作品，更是启发读者思考，在我们所处的时代，神话依然以何种方式存在，艺术家又将如何继续他们的创造之旅，用视觉的语言，重塑我们与古老智慧的连接，并照亮通往未来的道路。神话的生命力，在于它永远能够在新的时代，找到新的“画笔”，继续诉说那些永恒的、关乎人类存在的故事。

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这本书的开篇就给我一种扑面而来的历史厚重感，它不像那种教科书式的干巴巴叙述，而是像一位学识渊博的长者，娓娓道来那些古老神话是如何一步步渗透进人类文明的肌理之中，最终幻化为艺术的永恒主题。我特别欣赏作者处理“神话”与“艺术”之间张力的方式。他没有简单地将艺术视为神话的插图或附庸，而是深入挖掘了两者之间那种共生、甚至可以说是相互塑造的关系。比如，书中对古希腊雕塑中英雄形象的解析，不仅仅停留在对肌肉线条的赞美，而是追溯到城邦意识形态如何通过神话原型，被赋予了具象的、可触摸的形态。那种对细节的捕捉能力令人印象深刻，作者仿佛拥有时光穿梭的能力，能让我们清晰地看到，当一个神祇的传说被工匠以大理石的形式定格时，社会价值观经历了怎样的微妙转变。阅读过程中，我多次停下来，去查阅那些被提及的、鲜为人知的神话故事的原始文本，这进一步印证了作者的严谨和深厚的文化底蕴。这本书的行文流畅，节奏把握得恰到好处，既有学术的严谨性，又不失文学的感染力，是那种读完后让人有冲动想立刻去博物馆走一圈的佳作。

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这本书的文字处理给我留下了极其深刻的印象，它并非那种平铺直叙的学术报告，而更像是一场由作者精心策划的、关于“观看”与“被观看”的深度对话。我特别喜欢作者在讨论某些极端或禁忌主题时所展现出的那种冷静而又不失敏锐的洞察力。它揭示了艺术作品如何在遵守社会规范的同时，巧妙地利用神话的模糊性来表达那些难以言说的欲望与冲突。阅读这本书的过程，仿佛是在解剖一个多层次的密码系统，神话是第一层，艺术家赋予的象征意义是第二层，而最终，我们作为现代观众的解读，构成了第三层。这种多维度的解读空间，使得这本书具有极高的重读价值。每一次重读，都会因为自身阅历的增长而捕捉到之前忽略的细微线索，这本书的价值绝非一次阅读就能完全榨取的，它是一本需要时间去浸润和消化的智性盛宴。

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坦率地说，我起初是对这本书的标题抱持着一种审慎的怀疑态度的，因为“神话与艺术”这个主题实在太过宏大，很容易写成泛泛而谈的陈词滥调。然而，这本书的叙事策略成功地避开了这个陷阱。它的核心优势在于那种微观的切入点，它不满足于罗列作品，而是深入剖析了特定文化背景下，艺术家如何“翻译”神话语言。其中关于中世纪宗教艺术如何将异教神话的母题“基督教化”的论述尤其精彩。作者没有用批判的眼光去审视这种转化，而是将其视为一种创造性的适应，一种文化张力下的必然结果。这种细腻的、不带偏见的分析，让我对许多耳熟能详的宗教画有了全新的理解。书中的图文排版也体现了极高的专业水准，那些关键的、用来说明论点的艺术品图像选择得极其精准，绝非随意的填充，而是与文字论述形成了一种强有力的互文关系。合上书时，我感觉自己不再只是一个被动接受信息的读者，而更像是一个参与了跨越千年的文化对话的观察者。

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这本书的视角给我带来了极大的震撼，它颠覆了我过去对“神话叙事”的一些固有认知。我一直以为，艺术是对既有故事的忠实记录，但本书却展示了艺术家如何反过来“重塑”和“颠覆”神话原型以服务于他们那个时代的审美和政治需求。特别是关于文艺复兴时期对古典神话的“世俗化”处理，作者的论证非常有说服力，他清晰地描绘了人文主义思潮如何为那些曾经高高在上的神祇披上了人性的外衣。阅读体验上，这本书的语言风格极其富有画面感，读起来简直就像在看一场流动的视觉盛宴，文字的密度很高，信息量爆炸，但由于逻辑链条清晰，所以即便内容复杂，也不会让人感到阅读疲劳。更难能可贵的是，作者在处理不同地域、不同时期神话演变时，展现出一种惊人的平衡感，既没有偏袒任何一方，也没有让叙事线索散乱。它更像是一部关于人类集体潜意识如何通过视觉媒介进行投射的编年史。

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我必须承认，这本书的学术性是毋庸置疑的，但它的魅力远不止于此。对我这样的非专业人士来说，最吸引人的是它所提供的“解读钥匙”。在翻阅那些艺术史的经典之作时，我们常常因为不了解其背后的神话典故而感到一头雾水，这本书恰好填补了这一知识鸿沟。它不仅告诉你“这是什么”，更告诉你“为什么是这样”。其中关于东方神话体系如何与西方艺术思潮进行隐秘交流的部分，尤其发人深省，揭示了艺术史并非孤立发展的铁律。作者的笔触带着一种近乎诗意的克制，他不会过度渲染情感，而是用精准的分析引导读者自行去体会那种跨越时空的共鸣。全书的论证结构犹如精密的建筑设计，每一章都是一个坚固的支撑点，层层递进，最终构建起一个关于人类想象力永恒性的宏伟框架。

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问题的确很明显，古希腊瓶画的内容很难说是根据某个特定诗人的特定作品所作的，不过还是能提供一些有用的参考资料。

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问题的确很明显，古希腊瓶画的内容很难说是根据某个特定诗人的特定作品所作的，不过还是能提供一些有用的参考资料。

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问题的确很明显，古希腊瓶画的内容很难说是根据某个特定诗人的特定作品所作的，不过还是能提供一些有用的参考资料。

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希腊瓶画