Thank goodness this classic book has come back into print! Though The Technique of Film Editing has not been revised since 1968, it is still the single most comprehensive and engaging volume on film editing. Karel Reisz and Gavin Millar introduce readers to every aspect of the editor's craft. They provide a concise history of editing and describe editing style as it applies to every genre of moviemaking, including the many types of narrative and documentary films. The particular demands of wide-screen filmmaking, cinema vérité, and the avant-garde are also covered. Reisz and Millar's account of the differences between smooth and abrupt editing and their remarkable sense of editing for dramatic effect rather than for realism make this book an essential for apprentice editors, as well as for those who want to know how filmmakers understand their work.
First published in 1953, the original English version of the book was reprinted 13 times without a word being changed and in translation it has become the standard work on the subject in the Spanish Czech, Polish and Russian languages.
In 1968 the original text was reprinted as it stood, as it was felt that any attempt to revise or reinterpret it could only blur its spirit. the second edition has now also reprinted 13 times. On publication the film director Anthony Asquith said `this book is an absolute must not only for film technicians but for every intelligent filmgoer' and more recently i has been said that `it is probably the most successful film textbook in English, and has had a great influence on the technique of the cinema.' By
reisuing this book, unchanged apart from the new cover and slightly larger format, we hope that a new generation of aspiring film editors will continue to derive much pleasure from this classic text and, moreover, it will treble their enjoyment of every visit to the cinema.' Film director, Anthony Asquith `All who are creatively and written and compiled by Karl Reisz, with the help of some of the finest brains in British film production must become a standard work.' Film producer,
Michael Balcon.
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这部书,说实话,我拿到手的时候,心里是有点打鼓的。毕竟这个领域里,经典教材汗牛充栋,想在其中找到一本既有深度又不失趣味的,简直是跟大海捞针差不多。我最初翻开它的原因,其实是因为听一个业内的老前辈推荐,说这本书对理解电影的节奏感和叙事张力有独特的见解。我得承认,一开始我主要关注的是它那些晦涩的技术术语和复杂的剪辑理论,想着大概又是那种读起来枯燥乏味的教科书。然而,当我真正沉浸进去后,才发现我的判断完全失准了。作者在讲解蒙太奇理论的时候,没有像某些理论家那样,将之束之高阁,而是通过大量的经典电影案例,将那些抽象的概念具象化了。比如,他分析希区柯克的某个转场,细致到每一帧画面的时长对观众情绪的影响,那种庖丁解牛般的细致,让我对“剪辑即是选择与组合”有了全新的认识。我尤其欣赏它在探讨“不可见剪辑”时所展现的哲学思辨,它不只是告诉你“怎么做”,更深层次地探讨了“为什么这样做”。对于一个初学者来说,这可能显得有些吃力,但对于那些已经积累了一些基础知识,渴望突破瓶颈的剪辑师来说,这无疑是一剂强心针。它像一位经验丰富的大师,在你耳边低语,指引你避开那些陈词滥调的陷阱。我感觉自己仿佛站在一个巨大的剪辑台上,面前的素材不再是零散的片段,而是一个个可以被赋予生命和意义的符号。
评分如果非要说这本书有什么“缺点”,可能就是它对初学者不够友好,它假定读者已经对电影制作流程有了基本的了解。它不会从“什么是焦段”或者“如何导入素材”这种层面上开始讲解。因此,如果你是刚刚接触剪辑软件的小白,这本书可能会让你感到有些吃力,甚至会产生“听不懂”的挫败感。但反过来看,这恰恰是它能成为“经典”的原因——它聚焦于“技艺”的精髓,而不是流程的皮毛。我个人最喜欢它探讨的“情绪连贯性”部分。作者认为,节奏的终极目的不是为了炫技,而是为了服务于角色内心的情感波动。他举了一个非常生活化的例子,关于葬礼场景的剪辑,如何通过拉长对某个动作的停留时间,来放大角色的悲恸,那种细腻入微的观察力,让人感到敬佩。这本书更像是一部剪辑领域的“内功心法”,它教你如何构建内在的稳定结构,而不是教你如何去使用花哨的转场插件。读完之后,我感觉自己对镜头的“停顿”和“加速”有了更强烈的敏感度,很多原本被我忽略的潜意识判断,现在都有了明确的理论支撑。
评分说实在话,这本书的排版和插图设计,一开始让我有些失望,感觉像是上个世纪八十年代的印刷品,朴素到近乎简陋。我期待的是那种充满现代感和视觉冲击力的布局,毕竟我们谈论的是视觉艺术。但读着读着,我开始理解这种“朴素”背后的用意——它把所有的重点都放在了内容本身,没有多余的装饰来分散读者的注意力。特别是那些对具体剪辑镜头的分解图示,虽然看起来很基础,但每一个箭头和标记都精确地指向了节奏的转换点。我记得有一段专门讲如何处理“闪回”的技巧,书中用一个非常简单的流程图,清晰地展示了如何通过景深和焦点的变化,来暗示时间维度的跳跃,而不是仅仅依靠字幕或画面的颜色变化。这种对基础功的极端重视,恰恰是当代很多浮躁的剪辑师所缺乏的。它仿佛在提醒我们,无论技术如何进步,电影艺术的根基永远是光影、时间和空间的基本关系。这本书的语言风格非常沉稳、克制,没有太多煽情或夸张的辞藻,就是一种冷静的、科学的叙述,但恰恰是这种冷静,让那些精妙的理论更具说服力,如同顶尖外科医生冷静地进行手术,每一步都精准无误。
评分从整体的阅读体验来看,这本书最大的贡献在于它提供了一个极为严谨的分析框架。它将剪辑这一高度依赖直觉和经验的艺术行为,解构、梳理,并以一种近乎学术论文的严谨性呈现出来。我特别赞赏作者在书中反复强调的“视角统一性”。他论证了,一次成功的剪辑序列,必须从观众心理的某一特定视角出发,所有的剪辑决策都是为了维护这个主观的体验流。书中关于“视线引导”和“信息密度控制”的章节,为我处理复杂信息量大的场景提供了极大的启发。比如,在一个信息点密集的新闻报道风格片段中,作者教导如何通过镜头长度和画面中心点的微小偏移,来不知不觉地引导观众的注意力,而观众却浑然不觉。这本书的价值不在于它教你如何剪出“酷炫”的画面,而在于它教你如何剪出“有效”的叙事。它是一部需要反复阅读,并且每次重读都会有新收获的案头书。它就像一位沉默的导师,不喧哗,不张扬,但其智慧的深度和广度,足以支撑起一个剪辑师的职业生涯,是那种你可以带着它一起从新手走向大师的伴侣。
评分这本书的篇幅着实不小,拿到沉甸甸的一本,第一感觉就是“有料”。但真正的价值,在于它对不同剪辑风格的梳理和剖析,那简直是一部流动的电影史。我发现作者在处理动作片和文艺片时的叙事逻辑是完全不同的,他没有用一套“万能公式”来套用所有类型的影片,而是深入挖掘了每种类型片背后的文化土壤和观众心理预期。举个例子,它对比了经典好莱坞叙事与欧洲新浪潮电影在时间处理上的差异,前者追求流畅和封闭,后者则热衷于打断和开放。书中对于“非线性叙事”的探讨,也远超出了我预期的深度。它没有仅仅停留在《低俗小说》那种炫技的层面,而是追溯了其在文学和早期实验电影中的根源。对我而言,最醍醐灌顶的部分,是关于“声音剪辑与画面剪辑的互动关系”那一章。作者强调,声音不仅仅是画面的附属品,它本身就具有强大的剪辑力量。书中提到的一些案例,特别是关于如何利用环境音的突然中断来制造心理冲击,让我对未来的项目有了全新的声音设计思路。这本书的阅读体验,更像是一次高强度的专业进修,你得不断地停下来,拿出纸笔,记录下那些让你拍案叫绝的洞察。它不迎合快餐文化,它要求读者投入时间,去品味那些经过时间沉淀的智慧。
评分成书太早,案例太老,主要贡献在于对classical narrative剪辑原则与方法的总结。
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