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出版者:

作者:Yudkin, Jeremy

出品人:

页数:360

译者:

出版时间:2009-9

价格:$ 82.58

装帧:

isbn号码:9780205632138

丛书系列:

图书标签:

• 音乐理论
• 音乐史
• 音乐欣赏
• 音乐分析
• 和声学
• 作曲
• 音乐教育
• 古典音乐
• 流行音乐
• 音乐基础

《理解音乐》是一部旨在深入探索音乐世界，揭示其丰富内涵的力作。本书并非单纯罗列音乐史上的辉煌篇章，或仅仅介绍各类音乐体裁的分类，而是致力于引导读者建立一种深刻的、多维度的音乐认知。 本书从音乐最基本、最核心的构成元素——音高、节奏、音色、力度——出发，层层剖析这些元素如何通过编排与组合，构建出千变万化的音乐织体。作者并非将这些元素视为枯燥的技术名词，而是将其置于音乐创作的语境中，阐述它们如何成为作曲家表达情感、塑造意境的基石。例如，在讨论节奏时，本书会探讨不同节拍带来的不同心理感受，以及如何通过节奏的变化来制造张力与释放；在解析音色时，则会深入剖析不同乐器（包括人声）独特的发声原理及其在音乐表现中的作用，引导读者去“听见”音色所传达的微妙情感差异。 接着，本书将视角拓展至旋律、和声、曲式等更宏观的音乐语言。对于旋律，它不只停留在音符的连绵，更深入探究旋律线的走向、起伏如何影响情绪的起伏，以及不同文化背景下旋律的特点。关于和声，本书会以一种易于理解的方式，讲解和弦的构成、进行以及它们如何为音乐赋予色彩和深度，如何产生解决与悬念的听觉体验，而非仅仅提供枯燥的和弦图表。曲式作为音乐的骨架，本书会详细解析奏鸣曲式、回旋曲式、变奏曲式等经典曲式结构，说明它们如何组织音乐材料，使乐曲具有逻辑性和完整性，并鼓励读者在聆听时主动去辨识和感受这些结构。 《理解音乐》同样关注音乐在历史长河中的演变及其社会文化背景。本书并非以年代顺序简单梳理，而是选取了几个关键的历史时期和音乐流派，深入剖析其产生的社会土壤、哲学思想以及对后世音乐产生的深远影响。例如，探讨巴洛克时期音乐的宏伟与装饰性如何反映当时的时代精神，古典主义时期音乐的均衡与理性如何呼应启蒙运动的理性主义思潮，浪漫主义时期音乐的个人情感表达如何成为个体解放的呐喊。本书还会在适当之处，将音乐与其他艺术形式（如绘画、文学、建筑）进行对比和联系，揭示它们之间相互启发的共性与差异。 此外，本书还包含对不同音乐风格和流派的深入探讨。从古典音乐的庄重与精致，到爵士乐的即兴与自由，再到摇滚乐的激情与反叛，以及电子音乐的创新与实验，本书都会逐一呈现它们的独特魅力和发展脉络。在介绍这些风格时，本书会侧重于挖掘其内在的音乐逻辑、文化渊源和代表性作品，帮助读者理解不同风格音乐所传达的价值观和审美追求，从而打破风格间的壁垒，建立起对多元音乐世界的包容与欣赏。 《理解音乐》也触及了音乐表演的艺术。它会讨论指挥、演奏家、演唱家在诠释作品时的不同侧重点，以及他们如何通过声音的塑造、情感的投入来赋予乐谱生命。本书认为，优秀的表演是连接作曲家与听众的重要桥梁，并鼓励读者关注和欣赏高水平的音乐表演。 最后，本书并非止步于理论的讲解，而是将听众的体验置于重要位置。它强调主动倾听的重要性，并提供了一些实用的听音乐方法和建议，引导读者如何更有效地捕捉音乐的细节，如何理解音乐的情感表达，如何培养自己的音乐品味。本书相信，通过学习和实践，任何人都可以提升自己的音乐理解能力，从而更深刻地体验音乐带来的愉悦与启迪。 总而言之，《理解音乐》是一本为所有对音乐怀有好奇之心的人士量身打造的指南。它将带领读者穿越音乐的表象，抵达其核心，发现音乐中蕴含的深刻智慧、丰富情感和无限可能，最终学会用自己的耳朵去“阅读”和“感受”音乐。

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这本书的排版和配图设计简直是教科书级别的典范，这一点必须单独提出来称赞。作为一本需要大量依赖视觉辅助来理解抽象概念的书籍，它的图表清晰度达到了令人发指的地步。特别是对于复杂的配器法讲解部分，那些乐器声部的图谱，用不同颜色和线条清晰地标注了高、中、低音区的分布和相互作用，即使是初学者也能一眼看出乐队是如何“搭建”起来的。更不用说那些乐谱摘录，标注的指法、指位和演奏提示都细致入微，让人感觉作者对每一种乐器都有深厚的了解。我曾尝试过其他一些音乐入门书籍，要么图文分离，要么图例模糊不清，导致我需要花费大量时间去脑补作者想表达的结构。但《理解音乐》在这方面做到了极致的优化，它将“看”和“听”的体验无缝衔接起来。这种对阅读体验的重视，无疑极大地降低了学习曲线，使得那些本来需要通过多年课堂教学才能掌握的知识点，通过细致的视觉辅助，得以高效地被吸收和内化。这本书的实体版本绝对值得收藏，仅仅是看着那些精美的图示，就是一种享受。

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这本《理解音乐》简直是为我量身定做的入门指南！我一直对古典音乐抱有浓厚的兴趣，但苦于缺乏系统的知识背景，很多乐曲听起来总是抓不住重点，只能停留在“好听”的层面。这本书真正做到了“理解”，它没有堆砌晦涩难懂的理论术语，而是用非常直观且富有感染力的方式，将音乐的基本元素——旋律、和声、节奏、曲式——娓娓道来。我尤其欣赏作者在讲解赋格和奏鸣曲式时所采用的比喻，简直是茅塞顿开。以前听巴赫的对位作品，总觉得像一团复杂的线团，听完这本书后，我竟然能清晰地“听出”那几条旋律线是如何相互追逐、交织、最终又完美融合的。它不像一本教科书，更像一位耐心的导师，引领着我从一个被动的听众，逐渐成长为一个能够欣赏结构之美的鉴赏家。书中对不同历史时期风格的演变也梳理得清晰明了，让我明白了为什么贝多芬的音乐会比莫扎特的更具“英雄气概”，这种对历史背景和时代精神的结合，极大地丰富了我对音乐的整体感知。读完之后，我再走进音乐厅，体验完全不同了，背景知识的充实，让耳朵不再只是接收声音，而是开始“阅读”音乐的文本。

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我是一个对音乐理论知之甚少，但对现代音乐，特别是爵士乐和电影配乐抱有强烈好奇心的“小白”。坦率地说，我一开始抱着怀疑的态度拿起这本书，心想，这么一本名字听起来如此宏大古典的读物，会不会充斥着我完全无法代入的那些过时的例子？惊喜的是，作者的视野远比我想象的要开阔。尽管开篇部分确实涵盖了基础知识，但随后对二十世纪音乐，尤其是印象派和无调性音乐的介绍，处理得相当巧妙。它没有强迫我接受那些听起来“刺耳”的和声，而是解释了作曲家们为什么要打破传统的调性束缚，背后的哲学思辨是什么。书中对德彪西和斯特拉文斯基作品的分析片段，让我第一次体会到“色彩”是如何在音乐中被描绘出来的，这比单纯听他们的小品要深刻得多。而且，作者似乎深知现代听众的耐心有限，常常用一些简短的、聚焦于某一个特定概念的小节来阐述问题，这使得学习过程保持了高强度的专注度，非常适合碎片化时间的阅读。这本书成功地架起了一座桥梁，连接了古典的严谨和现代的自由，让我不再畏惧那些晦涩难懂的“现代派”作品。

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我对音乐史的了解一直停留在“哪个时期出了哪些大人物”的层面，这本书彻底颠覆了我的这种认知。它的结构非常独特，并非严格按照时间线推进，而是以“功能”和“情感表达”为导向进行模块化讲解。举个例子，它有一个章节专门探讨“悲伤”在不同音乐体裁中的表现形式，从巴洛克时期的挽歌到浪漫主义时期的夜曲，这种跨越时空的对比分析，揭示了人类情感表达的共通性与时代差异性。作者对音乐的社会背景和赞助人制度的梳理，也极其到位。我这才明白，为什么海顿能有那么多的交响曲，而马勒的创作过程却如此艰难，这背后牵扯到宫廷体系和新兴市民阶层对音乐需求的巨大变化。这本书的价值在于，它把音乐从真空里抽离出来，重新放回了人类历史的大熔炉中去考察。阅读过程中，我不得不频繁地查阅一些历史人物和政治事件的背景资料，正是这种“牵一发而动全身”的知识联动，让音乐学习变得立体而有深度。对于想深入理解西方艺术史的人来说，这本书提供的文化背景信息量是极其丰富的。

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说实话，我买这本书纯粹是为了应付一门大学选修课，原本只打算随便翻翻应付考试，结果却发现它具有一种令人上瘾的魔力。这本书的写作风格极其个人化，仿佛作者正在对着你低声耳语，分享他自己多年来在音乐世界中探索的心得。它不是那种冷冰冰的学术著作，而是充满了对音乐家个体命运的关怀。比如，书中对肖邦创作生涯中，如何在流亡中将祖国的忧愁融入到玛祖卡舞曲的细节处理上，那段描写看得我眼眶湿润。作者的文字极富画面感和情绪张力，他擅长从音乐作品的“肌理”入手，而不是仅仅停留在形式分析上。这种叙事方式，使得枯燥的曲式分析变得像侦探小说一样引人入胜。我发现自己开始主动去寻找书中提到的那些版本进行对比聆听，那种“对照阅读”的体验，让知识的吸收效率翻倍。这本书真正做到了“润物细无声”，它没有给我灌输必须接受的结论，而是提供了观察和思考音乐的工具，让我从一个被动的接受者，变成了一个积极的探寻者。

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