Carrie Underwood, Some Hearts pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:Underwood, Carrie (COP)

出品人:

页数:87

译者:

出版时间:2006-6

价格:$ 22.54

装帧:

isbn号码:9780739042106

丛书系列:

图书标签:

• 乡村音乐
• 流行音乐
• 女性歌手
• 乡村流行
• 2005年专辑
• 美国音乐
• 音乐专辑
• Carrie Underwood
• Some Hearts
• 首张专辑

音乐史诗的瑰丽画卷：聚焦20世纪经典专辑与音乐人（精选） 本书并非追溯当代乡村音乐天后的崛起之路，而是将目光投向更为广阔、历史更悠久的一片音乐天地，深入剖析那些塑造了现代音乐景观的里程碑式专辑及其背后的文化与技术革新。我们精选了横跨摇滚、爵士、经典流行、前卫电子等多个流派的十余张重量级作品，旨在为读者呈现一部厚重、细致入微的音乐史诗。 本书的结构清晰，以时间线索为辅，以主题深度挖掘为主。每一章节都聚焦于一张特定专辑，从其诞生的时代背景、音乐制作的幕后故事，到最终对听众和后世音乐风格产生的影响，进行全方位的拆解与阐述。我们致力于还原那些宏大创作背后的细微之处——比如特定麦克风的选择如何影响了主唱的声音质感，或者某一小节的和弦进行如何打破了当时的音乐规范。 第一部分：迷幻浪潮与概念的诞生 (1966 - 1971) 本部分首先探究了二十世纪六十年代末期，音乐如何从单纯的娱乐形式转变为承载社会哲学和实验精神的载体。 一、《Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band》（披头士乐队，1967）： 我们将详细分析这张专辑如何在录音室技术（如四轨录音机的极限使用、磁带倒放、声音叠加）上实现了前所未有的突破。重点剖析其“专辑即作品”（Album as Art Form）的理念是如何被确立的，以及它如何将流行音乐的审美标准提升到了与古典音乐相媲美的境界。书中会呈现当时EMI Abbey Road录音室的详细布局图，并对比分析了George Martin在编曲中融入管弦乐团和印度传统乐器时的具体手法。我们探讨了“A Day in the Life”结尾处持续不断的钢琴和弦是如何在心理层面上对听众造成持续的冲击感。 二、《The Velvet Underground & Nico》（地下丝绒乐队，1967）： 与披头士的光明形成鲜明对比，本章聚焦于“地下”艺术的爆发。我们探讨了Andy Warhol对乐队美学的影响，以及他们如何将都市生活的阴暗面、毒品、边缘人物等议题首次以如此直白的方式引入摇滚乐。分析了John Cale使用中提琴制造的尖锐噪音如何成为一种具有攻击性的艺术表达，以及Lou Reed的歌词如何预示了后来的朋克精神。本书会深入研究Fred Mac বিচ唱片封面设计背后的商业策略与艺术家的反叛之间的矛盾。 三、《Led Zeppelin IV》（齐柏林飞艇，1971）： 这是一个关于神话、民谣与重型摇滚交织的案例。书中将详细解读“Stairway to Heaven”的结构复杂性，从开篇的鲁特琴和爱尔兰风笛，到高潮部分的电吉他独奏，它如何成为摇滚乐史上的黄金标准。我们还会讨论乐队在威尔士的Headley Grange录制时的原始录音环境，以及这种环境如何赋予了专辑一种粗犷、未加修饰的质感，区别于当时追求完美混音的潮流。 第二部分：爵士乐的现代主义与融合 (1950s - 1970s) 本部分转向爵士乐领域，探讨现代爵士乐如何挣脱传统束缚，走向更为抽象和世界化的表达。 四、《Kind of Blue》（迈尔斯·戴维斯，1959）： 这张被誉为爵士乐教科书的专辑，其核心在于“调式爵士乐”（Modal Jazz）的革新。我们详尽分析了Miles Davis与Bill Evans、John Coltrane等人如何从传统的和弦进行限制中解放出来，转而依赖于音阶和氛围的即兴创作。书中附有该专辑主要曲目（如“So What”）的即兴框架图示，以帮助读者理解这种音乐逻辑的转变。我们亦探讨了这种音乐哲学如何契合了当时美国社会对自由探索的渴望。 五、《Bitches Brew》（迈尔斯·戴维斯，1970）： 在迈尔斯进入电声和融合（Fusion）阶段后，这张专辑标志着爵士乐与摇滚、放克元素的彻底结合。本书将分析其中大量的电子乐器（如芬达电钢琴Rhodes、合成器）的运用，以及录音室如何被当作一个乐器来使用，通过密集的剪辑和效果处理，创造出一种近乎迷幻的、无边界的声音体验。这不仅仅是一张专辑，它是一场听觉的爆炸。 第三部分：欧洲前卫与合成器的崛起 (1970s) 本部分关注那些挑战传统流行音乐叙事方式，并在电子音乐发展史上留下深刻印记的作品。 六、《The Dark Side of the Moon》（平克·弗洛伊德，1973）： 这张专辑的重点在于概念的统一性以及声音景观的营造。我们着重分析Alan Parsons在录音技术上的贡献，特别是他对空间感和音效过渡的精妙处理（如时钟声、收银机声、心跳声的融入）。本书会展示专辑的完整歌词脚本，并探讨它对人类心理状态、时间流逝与精神崩溃等深刻主题的探讨，以及它如何在商业上取得了空前的成功，却又不失其艺术纯粹性。 七、《Trans-Europe Express》（发电站乐队，Kraftwerk，1977）： 欧洲电子音乐的奠基之作。我们研究Kraftwerk如何用极简的重复节奏、冷峻的合成器音色和德语的机械化演唱，勾勒出后工业时代欧洲的景象。本书将解析他们对“机器与人”关系的哲学思考，以及这张专辑如何直接影响了后来的嘻哈（Hip-Hop）、底特律科技舞曲（Techno）的诞生。我们还会对比分析当时日本和德国在电子乐器制造上的优势如何反哺了他们的创作。 第八部分：民谣的诗意回归与叙事的力量 (1970s) 最后，我们回到以歌词和情感深度著称的创作人身上。 八、《Blue》（琼尼·米歇尔，1971）： 这张专辑是关于坦诚和脆弱的极致表达。本书将侧重分析Joni Mitchell在和声编排上的独创性，她使用的“开放调弦”（Open Tunings）如何为她提供了超越常规和弦指法的可能性。我们逐一剖析“California”、“River”等歌曲中尖锐、近乎自传式的歌词，探讨这位女性创作者如何在七十年代初，以前所未有的深度剖析了爱情、孤独与成长的痛苦，为后来的唱作人树立了难以逾越的情感标杆。 通过对这些不同领域、不同年代的杰出作品的深入剖析，本书旨在为读者提供一个多维度的音乐鉴赏框架，理解音乐是如何在技术、社会和个人情感的交汇点上，不断自我革新，最终凝结成不朽的艺术遗产。这不仅仅是关于几张专辑的介绍，而是对一整个音乐黄金时代的细致勘察与尊重。

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