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出版者:

作者:Reid, John, Howard/ Reid, John Howard

出品人:

页数:272

译者:

出版时间:

价格:154.00 元

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isbn号码:9781411697621

丛书系列:

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• 电影音乐剧
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《好莱坞电影歌舞片：光影与旋律的交织》 一部深入探索电影艺术黄金时代的里程碑式著作 导言：一窥“歌舞片”的魔力 自电影诞生之日起，音乐便以其直击人心的力量，与光影共同构筑了一个引人入胜的叙事维度。本书《好莱坞电影歌舞片：光影与旋律的交织》，并非仅仅是一部对特定类型电影的流水账式梳理，而是一场对好莱坞黄金时代——特别是1930年代至1950年代——歌舞片艺术的深度解剖。我们聚焦于这种独有的、融合了戏剧、舞蹈、声乐与视觉奇观的电影形式，探究它如何成为美国精神的文化载体，如何以其独特的叙事逻辑和无与伦比的舞台魅力，定义了一个时代观众的审美体验。 本书将带领读者穿越时间隧道，追溯歌舞片从默片时代遗留的歌剧传统，到有声电影革命后一飞冲天的历史轨迹。我们将详细考察那些定义了流派的开创性作品，分析其幕后的技术革新，以及那些定义了特定时代风格的导演、编舞家和巨星们。 第一部分：黎明与爆发——从有声片的试验到流派的定型 (1927-1939) 有声电影的出现，为歌舞片提供了天然的温床。早期，技术上的笨拙与对舞台剧的简单模仿并存，但很快，好莱坞的制片厂便意识到，声音与运动的结合拥有颠覆性的潜力。 章节一：拓荒者的足迹——早期的挣扎与突破 本章详细剖析了《爵士乐之王》（The Jazz Singer）的突破性意义，以及华纳兄弟如何利用“歌唱演员”的概念吸引了大量观众。同时，我们不回避早期歌舞片中那些受制于技术限制的粗糙之作，通过分析它们，理解艺术如何诞生于限制之中。我们探讨了米高梅（MGM）和派拉蒙（Paramount）在这一阶段发展出的不同美学倾向，前者倾向于精致的舞台布景，后者则更热衷于爵士乐与异国情调的融合。 章节二：巴斯比·伯克利与几何学的魔术 巴斯比·伯克利（Busby Berkeley）是理解歌舞片视觉语言的关键人物。本章将伯克利从舞台转向银幕的历程作为核心，重点分析他在华纳兄弟时期（尤其是与琼·鲍威尔合作的影片）如何利用俯拍、矩阵排列和超现实的视觉错位，构建了超越物理现实的“视觉奇观”。我们不仅展示了他的编舞作品，更深入剖析了他镜头语言的数学美学与他所植入的社会隐喻（如对大萧条时期美国梦的复杂审视）。 章节三：弗雷德·阿斯泰尔与金吉·罗杰斯：优雅的完美 如果说伯克利代表了群体与抽象的奇观，那么弗雷德·阿斯泰尔（Fred Astaire）和金吉·罗杰斯（Ginger Rogers）则将舞蹈提升到叙事与浪漫的最高境界。本章重点研究他们在RKO影业合作的九部经典作品，分析他们如何坚持“让舞蹈发生在故事内部”的理念。从《空中婚礼》到《柳巷芳草》，我们考察他们的舞蹈如何从简单的社交娱乐，演变为情感交流的唯一途径，从而确立了好莱坞浪漫歌舞片的叙事基石。 第二部分：黄金时代的成熟与类型化 (1940-1950) 二战及其后的时期，好莱坞的歌舞片进入了其制作最精良、叙事最成熟的阶段，米高梅成为毋庸置疑的霸主。 章节四：米高梅的统治与“明星工厂” 米高梅的亚瑟·弗里德（Arthur Freed）制作部门是好莱坞的“歌舞片孵化器”。本章考察弗里德如何聚集起最顶尖的编舞家（如斯坦利·多南）、作曲家（如罗杰斯与哈默斯坦的伙伴）和导演。我们重点分析了米高梅的几条主要路线： 1. 技术流派（The Spectacle）： 以《万花嬉春》（An American in Paris）的巴黎段落为例，分析其如何试图将现代艺术融入传统歌舞结构。 2. 童话流派（The Escapism）： 探讨朱迪·加兰（Judy Garland）主演的影片如何以其纯真和对现实的逃避，契合了战时及战后观众的精神需求。 章节五：编舞家的胜利——杰恩·凯利与“故事驱动的动作” 杰恩·凯利（Gene Kelly）代表了歌舞片的另一条重要发展道路——更具运动性、更贴近现实的“蓝领”美学。本章细致梳理了凯利从早期尝试到巅峰之作《锦城春色》（On the Town）的转变。我们分析他如何将芭蕾、杂耍和现代舞融入城市景观，并探讨其作品中蕴含的阳刚气质和对普通美国人的赞美。凯利对“舞蹈必须推动情节”的坚持，为后来的百老汇音乐剧改编电影奠定了理论基础。 章节六：歌舞片中的“美国精神”与社会镜像 歌舞片常被视为纯粹的逃避主义，但本书认为，它们也深刻反映了特定时期的社会焦虑与理想。本章通过对歌词和主题的文本分析，探讨歌舞片如何处理种族、阶级和性别议题。例如，我们分析了早期作品中对黑人表演者的刻板描绘，以及后来如《雨中曲》（Singin' in the Rain）中对“时代更迭”和“技术冲击”的复杂情绪。 第三部分：转型与遗产——风格的衰退与跨界影响 (1950年代至今) 随着电视的兴起和青年文化的崛起，传统的歌舞片结构开始受到挑战。 章节七：经典的高峰与最后的辉煌 1950年代中期，歌舞片制作预算达到了历史新高，出现了如《窈窕淑女》（My Fair Lady）和《西区故事》（West Side Story）等在戏剧结构和音乐改编上达到极致的作品。我们深入分析了这些作品的制作挑战，特别是《西区故事》中伦纳德·伯恩斯坦的音乐如何与杰罗姆·罗宾斯的舞蹈语言达到完美融合，创造出前所未有的戏剧张力。 章节八：电视的冲击与巨型制作的陷阱 随着家庭娱乐中心的普及，电影院观众流失，制片厂开始押注于史诗般的、高成本的改编作品，如《音乐之声》（The Sound of Music）。本章审视了这些作品在商业上的成功，但同时也探讨了它们在艺术上对早期歌舞片精致小巧风格的背离，以及过度依赖宏大布景和声效而导致叙事松弛的问题。 章节九：不朽的遗产——歌舞片元素在现代电影中的渗透 本书的结尾部分着眼于歌舞片美学在后来的电影类型中留下的深刻烙印。从马丁·斯科塞斯的《愤怒的公牛》中对蒙太奇节奏的运用，到昆汀·塔伦蒂诺对音乐场景的结构化处理，歌舞片对“视觉化音乐”和“情感外化”的探索，早已成为好莱坞叙事工具箱中不可或缺的一部分。 结语：永不落幕的舞台 《好莱坞电影歌舞片：光影与旋律的交织》旨在提供一个全面、深入且充满热情的视角，去欣赏这一短暂却光芒万丈的电影类型。它不仅仅是对昔日繁华的怀旧，更是对电影艺术在追求极致美感与叙事完整性之间所能达到的高度的致敬。通过这部作品，读者将重新发现，当光影、音乐和脚步同步时，银幕上所迸发出的，是何等令人心醉神迷的魔力。

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这本书的价值远超一本普通的电影评论集。它更像是一部深入的文化人类学研究报告，只不过研究对象是好莱坞的“假装”艺术。作者的笔触非常犀利，尤其是在批评1950年代中期之后，歌舞片开始逐渐被更强调现实主义叙事的电影所取代时，那种惋惜与洞察并存的情绪，非常打动人。书中详细记录了当时制片厂系统如何从鼎盛走向瓦解，以及电视的兴起对这种宏大布景、高成本制作的歌舞片模式带来的致命冲击。令人称奇的是，作者竟然找到了许多未公开的内部备忘录和早期剧本草稿作为佐证，这使得书中的论述具有了无可辩驳的史料价值。它不再是空泛地赞美“老时光多美好”，而是清晰地呈现了商业逻辑、艺术趋势与社会心理的复杂博弈。如果你对电影工业如何应对媒介变革感兴趣，这本书绝对提供了极具启发性的案例分析，它的信息密度高到需要我反复阅读才能消化。

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这部关于好莱坞歌舞片的巨著，我简直是爱不释手！从翻开第一页开始，我就被作者那如同好莱坞黄金年代灯光般璀璨的文字所吸引。它并非简单地罗列电影名称和上映年份，而是深入挖掘了那些经典歌舞片背后的艺术灵魂与时代变迁。比如，书中对弗雷德·阿斯泰尔和金吉尔·罗杰斯合作巅峰期的分析，简直是教科书级别的。作者细腻地剖析了他们舞蹈动作中蕴含的情感张力，那种优雅、流畅，仿佛每一个踢踏声都踏在了那个爵士乐盛行的年代的心跳上。更妙的是，作者没有止步于表面的华丽，而是探讨了技术革新，比如有声电影初期如何挑战了默片演员的转型，以及米高梅是如何在二战后将歌舞片的奢华推向极致。阅读体验极其丰富，仿佛置身于一个布景精美、灯光恰到好处的摄影棚里，亲眼见证着那些传奇的诞生。这种对细节的把握和对历史脉络的梳理，让即便是对歌舞片有所涉猎的老影迷，也能从中发现新的趣味点，绝对是影史爱好者案头必备的典藏。

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哇，如果用一个词来形容阅读这本书的感受，那一定是“沉浸”。作者对歌舞片黄金时代那种近乎痴迷的热情，通过文字完全传染给了我。书中对于“歌舞片精神”的探讨尤为精彩，它不仅仅是关于歌唱和跳舞，而是关于如何在极端不真实的梦幻设定中，实现最真实的强烈情感表达。举个例子，书中对《雨中曲》中吉恩·凯利那场经典独舞的段落分析，简直是文学性的爆发。作者用了大段的篇幅来描绘那种在困境中迸发出的纯粹的、不受约束的喜悦，那种将日常的街景瞬间转化为个人舞台的魔力。文字的节奏感和画面感极强，读起来就像是在听一场精心编排的交响乐。我尤其欣赏作者对“好莱坞式逃避主义”的探讨，它承认了歌舞片的虚幻本质，但同时又辩护了这种虚幻在特定历史时期对于大众心灵疗愈的巨大价值。这本书读完后，我立刻重温了几部老电影，感觉获取了全新的理解层次。

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我很少看到一本书能如此优雅地处理“怀旧”这一主题，而不落入俗套的伤感。这部聚焦好莱坞歌舞片的书，在讲述那些光彩夺目的明星和场景的同时，始终保持着一种冷静的学术距离。其中对于“技术与表演的共生关系”的探讨尤其让我眼前一亮。作者没有将音效或摄影技术视为背景板，而是将其视为表演的一部分，例如，如何通过早期麦克风技术来塑造某些特定歌手的“舞台形象”，或者特艺彩色（Technicolor）的三个色带如何影响了舞蹈动作的视觉冲击力。这种对工艺的尊重，使得全书充满了对“匠人精神”的礼赞。阅读过程中，我能明显感受到作者对每一位参与者——无论是聚光灯下的偶像还是默默无闻的灯光师——都抱持着深切的敬意。这本书提供了一种全面的、多维度的视角来重新认识“好莱坞歌舞片”这个品类，它是一扇通往理解美国流行文化核心秘密的通道。

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说实话，我对这本关于好莱坞歌舞片的书的期望值本来不高，总觉得这类题材的书容易陷入肤浅的赞美和老套的总结。然而，这本书彻底颠覆了我的看法。它的叙事视角非常独特，不像传统的影史书那样按时间线平铺直叙，而是采取了一种主题式的切入，将同一时期不同制作公司在歌舞片上的风格差异进行了尖锐的对比。比如，书中对巴斯比·伯克利那些天马行空的几何编舞场景的解构，简直是神来之笔。作者不仅仅描述了“看到了什么”，更着重分析了“为什么会这样设计”，将建筑学、摄影术与舞蹈艺术熔于一炉的先锋性探讨得淋漓尽致。而且，书中对那些被主流叙事忽略的幕后人物，比如服装设计师、场景美工的贡献，也给予了足够的尊重和深度分析。读完之后，我再去看那些老片时，眼睛里仿佛多了一副X光镜，能穿透服装和歌声，直达幕后那些精密的计算与无畏的创造力。这本书的学术深度和可读性达到了一个罕见的平衡点，读起来酣畅淋漓，毫不拖沓。

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