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作者:Gillock, William (COP)

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价格:157.00 元

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isbn号码:9780877180876

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《都市的呼吸：巴洛克音乐的结构与情感》 作者：艾米莉·卡特赖特 译者：张伟 出版社：文景合璧 出版年份：2024年 --- 内容简介 《都市的呼吸：巴洛克音乐的结构与情感》并非一部简单的音乐史梳理，而是一次深入探寻17世纪至18世纪中叶欧洲音乐核心的哲学思辨与技术剖析之旅。本书的笔触聚焦于巴洛克时期（Baroque Era）音乐在形式、和声、对位法以及情感表达上的革命性突破，尤其关注音乐如何从单纯的宗教或宫廷服务工具，转变为一种能够独立承载复杂人类情感和宇宙秩序观的艺术媒介。 本书的结构严谨而富有层次感，分为四个主要部分：“根源与基石”、“结构之光”、“情感的张力”和“风格的交汇与回响”。 --- 第一部分：根源与基石——从文艺复兴到巴洛克的转型 本部分追溯了巴洛克音乐的孕育土壤。作者首先考察了文艺复兴晚期对位法的成熟与局限，特别是帕莱斯特里那学派的“纯净之声”如何为巴洛克时期对“戏剧性”的需求留下了张力。 1. 早期蒙特威尔第与“第二风尚”： 详细分析了克劳迪奥·蒙特威尔第（Claudio Monteverdi）在《奥尔费奥》（L’Orfeo）中如何运用“第二风尚”（Seconda Prattica），打破了对位法的僵硬规则，以服务于文本（歌词）的表达。这标志着从声部平等转向旋律的至高无上。 2. 歌剧的诞生与对位点的确立： 本章深入探讨了佛罗伦萨的“卡梅拉塔”群体（Camerata Bardi）对希腊悲剧的重新想象，以及由此催生的“通奏低音”（Basso Continuo）的概念。通奏低音不再仅仅是和声的支持，它成为了作品的“骨架”和“驱动力”，为后世的协奏曲和奏鸣曲奠定了基础。书中通过对早期歌剧如雅各布·佩里的作品的细致比对，揭示了宣叙调（Recitative）与咏叹调（Aria）功能划分的必要性。 3. 调式到调性的过渡： 作者清晰地勾勒出早期大调-小调体系（Major-Minor Tonality）的形成过程。不同于后来的古典主义，巴洛克的调性仍带有一定的“摇摆性”，通过对“和声小调”和“弗里吉亚主音”的运用，展现了这种过渡期的微妙色彩。 --- 第二部分：结构之光——形式的精密建构 巴洛克音乐的伟大之处，在于其在高度自由的情感表达下，却坚持着极其严密的结构逻辑。本书的第二部分专注于解析这些“建筑般的”音乐形式。 1. 对位法的巅峰：赋格的逻辑： 这一章是全书技术分析的核心。它摒弃了传统枯燥的定义堆砌，转而将巴赫的《平均律键盘曲集》（Well-Tempered Clavier）和《赋格的艺术》（The Art of Fugue）视为探究“同一主题在无限变奏中保持同一性”的哲学实验。作者详细解析了主题的呈示（Exposition）、插部（Episode）、中入（Middle Entry）的布局，以及如何通过“倒影”（Inversion）、“逆行”（Retrograde）等技巧，揭示巴赫对数理逻辑的偏爱。 2. 协奏曲的形态学： 本章探讨了科雷利和维瓦尔第如何确立了快-慢-快（Fast-Slow-Fast）的协奏曲三乐章结构。尤其关注了“返始”（Ritornello）形式的运作机制——主奏乐队（Tutti）与独奏乐器（Solo）之间的对话与交替，这种结构不仅是技术性的，更象征着个体（独奏）与集体（乐队）的辩证关系。书中对维瓦尔第《四季》的乐思组织进行了深入的拆解。 3. 组曲与舞曲的规范化： 分析了巴洛克组曲（Suite）中舞曲（如阿列曼德、库朗特、萨拉班德、吉格）的固定节奏特征与拍号，以及这些舞曲如何被提炼、提纯，成为纯器乐表达的载体。 --- 第三部分：情感的张力——“激情理论”的实践 巴洛克音乐并非冰冷的数学，它是情感的容器。作者引入并详细阐释了17世纪“激情理论”（Doctrine of Affections），即认为一首乐曲或一个乐章应始终表达一种单一、明确的情感（如喜悦、悲伤、狂怒）。 1. 旋律的“修辞学”： 探讨了如何通过特定的音型（Affekt figures）来唤起听众的特定情绪。例如，下行小三度常用于表达叹息或哀伤；快速的三连音常用于表达焦躁或兴奋。本书将音乐语言视为一种“修辞工具箱”，每一音符的排列都是一种有目的的“说服”或“激发”。 2. 亨德尔的戏剧性张力： 以亨德尔（George Frideric Handel）的清唱剧（Oratorio）为例，分析了巴洛克音乐如何处理复杂的情感冲突。虽然理论上主张单一情感，但在亨德尔的作品中，通过乐章间的快速切换、调性的突然转变（如从C大调到c小调的瞬间），实现了情感的“爆发点”和“高潮处理”，这超越了严格的激情理论，预示了古典主义的动态平衡。 3. 键盘上的冥想： 考察了巴赫晚期作品中，如何通过对位法的层层叠加，使情感升华为一种近乎宗教性的、超越世俗的沉思状态，例如《哥德堡变奏曲》中对平静与不安的微妙操控。 --- 第四部分：风格的交汇与回响——地域差异与后世影响 巴洛克风格并非铁板一块，不同地域发展出了鲜明的特色。本书的最后一部分强调了这种多元性，并考察了巴洛克向古典主义过渡期的微妙痕迹。 1. 意大利的炫技与歌唱性： 聚焦于维瓦尔第、斯卡拉蒂等人的作品，强调了清晰的旋律线条、强烈的节奏感以及对独奏技巧的推崇。这种风格更外放、更注重即兴发挥（Cadenza）。 2. 法国的精致与装饰： 深入分析了吕利（Lully）和库普兰（Couperin）对法国宫廷风格（Style Galant）的贡献。法国巴洛克强调的“装饰音”（Ornaments）不仅是点缀，而是构成音乐语言本身不可或缺的部分，体现了路易十四时代对秩序与华丽的追求。 3. 德意志的综合与深化： 将巴赫和亨德尔置于一个综合的背景下考察。他们继承了意大利的活力和法国的精致，并用德意志的深刻神学和结构理性将其熔铸成一个更为宏大、普适的音乐体系。 4. 告别与继承： 最后的章节讨论了巴赫去世后，音乐是如何滑向“敏感风格”（Empfindsamkeit）的。作者指出，向洛可可风格和早期古典主义的转变，并非对巴洛克的彻底否定，而是对“单一情感”的松绑，转向对“心灵状态的细腻描摹”，为海顿和莫扎特的出现铺设了道路。 --- 结论：永恒的律动 《都市的呼吸：巴洛克音乐的结构与情感》旨在让读者理解，巴洛克音乐是人类理性与感性在特定历史时刻达成的完美平衡。它既有城市规划般的精确结构，又有心脏跳动般不可抑制的激情。通过这本书的阅读，听众将不再仅仅聆听宏伟的赋格或华丽的咏叹调，而是能够“看见”音乐背后的数学公式、修辞逻辑以及深藏于音符之间的文艺复兴后的宇宙观。这部作品是献给所有试图在复杂世界中寻找清晰秩序与深刻共鸣的爱乐者和研究者的一份指南。 --- 装帧设计： 采用深靛蓝底色，配以烫金的巴洛克式卷草纹边框，内页使用米黄色纸张，以模拟历史文献的质感。封面中央嵌有一张巴赫手稿的局部图，强调其“结构之光”。 目标读者： 音乐学院学生、严肃的古典乐爱好者、对17-18世纪欧洲文化史感兴趣的读者。 推荐语（来自已故音乐史学家，A.R. 费舍尔教授）： “卡特赖特的作品是对巴洛克核心精神的一次勇敢而精妙的解剖。她让我们意识到，巴赫的每一个对位声部，都如同城墙上的一块砖石，共同支撑起一个辉煌的音乐帝国。”

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这本书的叙事节奏简直像一场拖沓的慢跑，让人昏昏欲睡。它似乎将重点放在了对社会背景和历史事件的冗长铺陈上，而这些背景信息，说实话，与核心主题的关联性并不强，更像是为了凑够页数而强行加入的“文化装饰品”。每当故事即将触及音乐创作的紧张时刻，作者总会突然打住，转而讲述一段与城市发展或政治变迁毫不相干的轶事，这种打断极大地破坏了阅读的连贯性和沉浸感。我原本希望读到关于创作心路历程的深刻剖析，例如一位大师如何在录音棚里与乐手们反复磨合一个复杂的和弦进行，或者他们在面对传统束缚时，内心经历了怎样的挣扎才决定突破界限。但这些期待统统落空了。取而代之的是对某些音乐家生活习惯的琐碎记录，比如他们喜欢什么牌子的雪茄，或者他们常去的某个酒吧的装饰风格。这些细节本可以作为调剂，但在这里它们成了主角，喧宾夺主，让读者对音乐本身的重要性产生了严重的怀疑。读完后，我感觉自己对那个时代的“氛围”有了一点点概念，但对于理解音乐是如何被创造出来的，我依然处于一片迷雾之中，就像站在一个巨大的、空旷的音乐厅外，只能听到微弱的回响，却无法进入聆听核心。

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这本书给人的感觉是，作者在动笔之前，并未真正坐下来，完整地、沉浸式地去聆听那些被反复提及的伟大作品。其分析方法过于依赖外部描述，缺乏内在的听觉洞察力。例如，当描述一段复杂的即兴独奏时，作者可能会用“充满激情”、“令人震撼”这样的形容词，但却从未尝试去解析其背后的乐理基础——比如，演奏者是如何运用五声音阶与调式音阶进行转换的？他们在进入高潮部分时，是如何利用节奏切分和重音的突然位移来制造张力的？这些音乐的“语法”和“逻辑”完全没有被触及。结果是，读者读到的只是一堆堆空洞的形容词的堆砌，无法将文字转化为真正的听觉体验。对于任何一个真正热爱并试图理解这种音乐的人来说，我们需要的不是更多的比喻，而是清晰、深入的结构解剖。这本书就像是一本教人如何游泳的书，里面充满了关于水面波光粼粼的美丽描述，但却从未提及如何将身体浸入水中，如何呼吸，以及如何利用水流的力量。对于寻求技术和艺术深度结合的读者而言，这本书无疑是令人失望的。

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从排版和装帧上看，这本书无疑是制作精良的，封面设计色彩饱和度极高，纸张的触感也相当不错，显然投入了不少成本。然而，这种物质上的“高级感”与内容上的“贫瘠感”形成了令人尴尬的反差。书中引用的文献资料和脚注的标注显得非常随意，很多关键性的观点，作者似乎没有进行交叉验证，而是直接采信了其他早期、且可能已过时的二手资料。这在严肃的音乐研究领域是不可接受的。举个例子，书中提到某位关键人物在某一年份的流派转变，但并没有提供任何可以佐证这一转变的具体录音日期或私人信件证据，只是轻描淡写地一笔带过。更令人不解的是，书中似乎对某些同样重要的、但相对边缘化的音乐家群体采取了近乎完全的忽视态度。仿佛音乐世界只有那几个被主流媒体反复歌颂的名字才是值得记录的，而那些在幕后默默推动技术和风格发展的小人物，他们的贡献被完全抹杀了。这种选择性的叙事，使得整本书的论述显得片面且带有强烈的个人偏好，它不是对一个复杂生态系统的忠实记录，更像是一份精心筛选过的“名人录”，缺乏应有的学术严谨性和广阔的包容性。

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这本书，坦白说，我期待它能深入探讨某个特定音乐流派的演变轨迹，或者至少是对某个时代背景下艺术家的独到见解。然而，我翻完最后一页，感觉就像在一家装潢华丽的餐厅里，点了一份招牌菜，结果上来的是一盘摆盘精美的空气。书中充斥着大量对音乐史的泛泛而谈，那些内容随便翻阅任何一本初级音乐史教材都能找到，缺乏任何新鲜的视角或令人信服的论据支撑。作者似乎沉迷于描绘一个宏大而模糊的画面，却刻意避开了那些真正能让人“听见”音乐的细节。比如，他对乐器编配的讨论，仅仅停留在“小号演奏旋律，萨克斯风提供和声支持”这种幼儿园级别的描述上，完全没有触及到特定乐手如何通过呼吸控制、颤音运用或即兴片段的结构选择来塑造他们独一无二的声音。我尤其失望的是，对于那些被誉为具有里程碑意义的录音片段的分析，作者只是用了一堆空洞的赞美之词，诸如“具有开创性”、“情感真挚”，但这些词汇到底意味着什么？它们是如何在音乐结构中体现出来的？书中对此只字未提，让人感觉像在读一篇高中生为了应付作业而写出来的草稿，充满了陈词滥调和对深度的逃避。如果想了解音乐的精髓，这本书提供的指引几乎为零，它更像是一份精心包装的“音乐旅游指南”，告诉你哪里是景点，但绝不带你走进景点内部细细品味。

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阅读这本书的过程，与其说是在学习，不如说是在被动地接受一个被高度简化和浪漫化的版本。作者的写作风格过于依赖一种讲故事的腔调，这种腔调在非虚构文学中或许能吸引眼球，但在讨论需要精确性的艺术形式时，却带来了极大的误导。很多段落读起来与其说是音乐评论，不如说是都市传说汇编。他们热衷于挖掘那些耸人听闻的、关于音乐家私生活的八卦，并将这些轶事置于音乐创作的核心地位。虽然人与艺术密不可分，但当八卦占据了分析的主导地位时，艺术本身的光芒便被遮蔽了。我更关注的是那些在历史转折点上，演奏家们如何通过音符的选择，来表达他们对当时社会环境的微妙不满或深刻共鸣。这种深层次的“对话”在书中几乎找不到。这本书更像是一本为游客准备的快餐读物，它快速地填饱了你对“是什么”的好奇心，但完全没有给你工具去探索“为什么”和“怎么样”。它提供了一个非常表层的、光滑的表面，一旦你试图用手指去触摸其下的纹理，就会发现那里空无一物，光滑得令人沮丧。

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