Mastering the Bass, Book 2 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:Gertz, Bruce

出品人:

页数:200

译者:

出版时间:2003-1

价格:$ 28.24

装帧:

isbn号码:9780786659791

丛书系列:

图书标签:

• Bass Guitar
• Music Education
• Bass Techniques
• Music Theory
• Jazz Bass
• Rock Bass
• Slap Bass
• Walking Bass
• Improvisation
• Groove

弦之低语：贝斯演奏的进阶探索与音乐视野的拓展 本书并非《Mastering the Bass, Book 2》的续篇或补充，而是一部完全独立、专注于拓宽贝斯演奏者音乐视野与技艺深度的作品。 本书旨在为已掌握基础技巧，并渴望将演奏提升到更高层次的贝斯手提供一套系统的、跨风格的训练方案。我们深信，优秀的贝斯手不应仅仅是节奏的基石，更应是音乐对话中的关键声音。因此，本书的探讨范畴远超指板上的固定练习，深入到音乐理论、听觉训练、风格解析乃至即兴创作的核心。 --- 第一部分：音阶与和声的精微操控 (The Nuances of Scales and Harmony) 本部分着重于超越标准的音阶指型记忆，探究音程关系在不同音乐语境下的实际应用。 1.1 泛调性思维的构建 (Building Pan-Tonal Awareness): 我们不再局限于C大调或A小调的固定框架。本章将引导读者掌握“相对调性转换法”，即如何在不改变指型的情况下，瞬间感知和演奏出其平行大小调、关系小调（或大调）的细微音高变化。重点解析了调式之间的色彩差异，例如利底亚调式（Lydian）如何在高张力的和声中提供“漂浮感”，以及弗里吉亚调式（Phrygian）如何奠定异域或沉重的律动基础。 1.2 拓展和弦的深度挖掘 (Deep Dive into Chord Extensions): 对于贝斯手而言，理解和弦的“骨架”固然重要，但真正的力量在于对九音、十一音和十三音的精确锁定与线条构建。本章提供了详尽的图表和演奏范例，展示如何在低音区清晰地勾勒出： 属和弦上的变化音（Alterations）： 如9、b9、5，并针对这些音符在不同爵士标准曲目中的实际音型走向进行拆解。 功能性四度和弦（Quartal Harmony）： 探讨如何使用四度音程堆叠来构建更现代、更开放的和声结构，特别是在融合爵士（Fusion）和前卫摇滚（Prog Rock）中的应用。 1.3 贝斯线与声部进行（Voice Leading for Bassists）： 优秀的贝斯线如同河流的走向，必须服从整体音乐的“水文”。我们花费大量篇幅讨论声部进行原理——如何运用最小的音程跳跃，使和声转换听起来流畅自然。这包括对导音（Leading Tone）处理的细微差别、如何利用上行五度和下行四度的运动来增强驱动力，以及在不影响根音功能的前提下，如何巧妙地引入替代根音（Substitute Roots）。 --- 第二部分：节奏的维度扩张 (Expanding Rhythmic Dimensions) 节奏是贝斯的生命线，本部分致力于打破固有的四四拍思维定势，挑战演奏者的计时精度与弹性。 2.1 不规则拍号的解析与实践 (Mastering Irregular Time Signatures): 本书系统地梳理了5/4, 7/8, 11/8 等常见的不规则拍号。关键不在于机械地数拍子，而在于内化拍群结构。我们提供了一系列“二对三”（Grouping 2 against 3）的练习，旨在让演奏者在复杂的拍号中找到可歌唱的、流畅的律动中心。 2.2 复节奏与错位律动 (Polyrhythms and Displacement): 本章深入探讨复节奏（Polyrhythm）的听觉构建，特别是3 against 4 和 5 against 4 的关系。更进一步，我们引入“节奏错位法（Rhythmic Displacement）”——即在保持固定的速度下，将一条原本流畅的音型，故意提前或推迟一个十六分音符进行演奏，从而产生强烈的推进行或拉扯感，这是放克（Funk）和拉丁爵士（Latin Jazz）中常用的技巧。 2.3 动态与音色的节奏控制 (Dynamic and Timbral Rhythm Control): 节奏不仅关乎音高，更关乎“何时发声”和“如何发声”。我们探讨了如何通过攻击力度（Attack）和音色选择（Timbre）来塑造节奏的重量感。例如，使用拇指拨奏（Thumb Plucking）的柔和音色来强调“弱拍”的律动性，与使用拨片（Pick）的锐利击打来凸显“强拍”的冲击力之间的对比运用。 --- 第三部分：风格解析与即兴的语言 (Stylistic Deconstruction and Improvisational Language) 本部分是理论向实践的桥梁，专注于将知识转化为具有个人色彩的演奏。 3.1 从根音到旋律（From Root to Melody – The Bassline as Theme）: 许多初学者将贝斯线视为和弦的支撑。本章强调，优秀的贝斯线本身就是一个迷你旋律。我们选取了不同风格的代表作（如Motown、New Orleans Funk、Hard Bop Jazz），反向工程分析其贝斯线是如何“回答”或“预示”人声或主奏乐器的旋律走向的。 3.2 独奏思维的跨越 (Crossing Over: Soloing Mentality): 对于电贝斯和低音提琴演奏者而言，如何在独奏时保持“贝斯感”是一个挑战。本书提出“结构化即兴法”： 节奏切片（Rhythmic Slicing）： 用节奏片段来构建独奏的骨架，而非单纯堆叠音符。 和弦内音与外音的平衡： 如何在不脱离和声框架的前提下，巧妙地引入半音或更远的音程，以制造紧张感，并迅速回归“家”。 3.3 现代低音处理技术与音色设计 (Modern Low-End Processing): 对于电贝斯手，音色即是第二指板。本章不涉及任何基础效果器的介绍，而是专注于效果链的逻辑构建： 压缩器的艺术： 如何利用多段压缩（Multi-band Compression）来分别控制低频的厚度和中高频的颗粒感。 失真/过载的语境化应用： 探讨在后摇（Post-Rock）中如何使用低频保持电路（Clean Blend）的失真，与在Sludge Metal中追求的饱和失真有何本质区别。 空间处理： 讨论如何在不使混音变“糊”的前提下，为低音增加恰当的混响或延迟，以增强独奏的层次感。 --- 总结：超越指板的视野 本书的最终目标是培养一种主动聆听和结构化思考的能力。它要求读者将目光从指板上的点位转移到整个音乐结构中的“功能”和“关系”上。通过对复杂理论的实践化、对风格的深度剖析，以及对自身节奏感知力的极限挑战，读者将能够以一个更成熟、更具创造力的音乐家身份，驾驭低音域的广阔天地。 （总字数：约1550字）

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这本书的排版和内容组织简直是灾难性的，至少对我来说是这样。我是一个视觉学习者，需要大量直观的图表和清晰的标记来辅助理解。然而，这本书的很多复杂的指法图例实在做得太小了，而且很多乐谱符号的解释也散落在不同的章节，我不得不频繁地在不同页面间跳转，非常影响学习的流畅性。虽然从理论深度上来说，它无疑是顶尖的，但它对非科班出身、自学成才的乐手不够友好。我花了大量时间去弄明白作者想表达的某个特定节奏型，仅仅是因为图例上的标记不够突出。如果作者能在保持内容深度的同时，优化一下视觉呈现，比如增加更多的高清慢动作视频链接（虽然这本书是纸质的，但这个建议是针对整体教材系列的），那么它的实用性会大大提高。目前的版本，我只能给一个“理论满分，实用性打折”的评价。

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说实话，我买这本书主要是冲着作者的名气去的，希望能找到一些“独门秘籍”。看完之后，我发现它确实提供了不少干货，但更让我印象深刻的是它对“声音塑造”的强调。在数字化处理盛行的今天，很多乐手忽略了乐器本身音色的打磨。这本书花了大量篇幅讨论如何通过调整弹奏力度、拨片（或者手指）与琴弦的接触角度，甚至是通过更换琴弦和拾音器设置来获得你想要的音色。这部分内容对于追求纯净原声的乐手来说价值连城。例如，书中对不同指弹法在不同音阶上的细微音色差异的分析，细致到令人发指，我通过模仿书中的建议，终于摆脱了过去那种扁平、缺乏动态的声音。这本书更像是一本低音音色圣经，而不是单纯的指法手册，非常适合那些已经有一定基础，但总觉得自己的声音“差点火候”的进阶玩家。

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这本书简直是为我量身定做的！我一直在寻找一本能够系统深入地讲解低音技巧的教材，市面上很多书要么太浅显，要么内容过于零散，让人无从下手。这本书的结构设计非常合理，从基础的乐理知识到复杂的演奏技巧，循序渐进，让你在不知不觉中就能掌握核心概念。特别是它对音阶和琶音的讲解，不仅仅停留在指法上，更深入到音乐性表达的层面，让我明白了如何在不同的音乐语境下运用这些基础元素。我特别欣赏作者在讲解Slap和Pop技巧时的细致入微，每一个动作的分解都配有清晰的图示和详细的文字说明，即便是初学者也能很快上手。而且，书中提供的练习曲目难度梯度设计得恰到好处，让你在不断挑战自我的同时，也能感受到自己进步的喜悦。读完前三分之一，我已经感觉自己的节奏感和律动性有了质的飞跃，非常推荐给所有希望认真对待低音演奏的乐手。

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这是一本极具启发性的读物，它成功地将低音吉他从一个单纯的“节奏支撑乐器”提升到了“旋律驱动者”的层次。我尤其欣赏作者对“内声部旋律线”的挖掘。以前我总认为贝斯的主要任务就是锁定根音和五音，保持律动稳定。但这本书展示了如何巧妙地在和弦转换之间穿插富有歌唱性的旋律片段，既不破坏整体和声结构，又能为音乐增添灵动的色彩。书中给出的案例练习都是从经典曲目中提炼出来的，通过解析这些经典片段，我看到了一个更广阔的低音演奏世界。它鼓励你打破思维定势，将低音视为一把可以歌唱的乐器，而非仅仅是鼓的延伸。对于那些厌倦了重复性练习，渴望在演奏中注入更多个人情感和创造力的乐手来说，这本书提供了一个全新的思考框架，绝对值得花时间细细品味和实践。

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这本书的质量着实让我惊喜。我本来对这种“教程”类的书籍抱有疑虑，毕竟很多都是老生常谈，没什么新意。但这本书完全打破了我的刻板印象。它没有过多地纠缠于那些人尽皆知的基本功，而是将重点放在了如何将这些基本功融入到真正的音乐创作和即兴演奏中。作者的视角非常开阔，他不仅仅是一个演奏家，更像是一位音乐哲学家。书中关于“贝斯手在乐队中的角色定位”以及“如何倾听和回应其他乐器”的论述，简直是醍醐灌顶。我立刻尝试将书中学到的“和声色彩”概念应用到我正在排练的乐队中，效果立竿见影，我们的音乐听起来一下子变得更有层次感和深度了。如果说有什么遗憾，那就是我希望作者能再多提供一些不同风格（比如融合爵士或放克）的即兴伴奏轨道供我们练习，但瑕不掩瑜，这绝对是一本能改变你对低音演奏看法的经典之作。

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