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出版者:

作者:Stein, Leon

出品人:

页数:159

译者:

出版时间:1994-11

价格:$ 21.41

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isbn号码:9780874870442

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• 音乐形式
• 音乐理论
• 音乐分析
• 音乐史
• 作曲
• 和声学
• 对位法
• 音乐结构
• 古典音乐
• 20世纪音乐

音乐的建筑：一部深入探索音乐结构与风格演变的史诗 《音乐的建筑》并非一部探讨特定曲目选集或作曲家个人作品集的文献，而是一部宏大、系统地剖析西方音乐从早期复调到二十世纪前卫实验的结构原理、形式逻辑及其历史演变的专著。本书旨在为严肃的音乐学习者、理论家以及渴求深入理解音乐“骨架”的听众，构建一座清晰、坚实的理论桥梁，以跨越风格的鸿沟，直达音乐创作的核心机制。 本书的核心论点在于：所有音乐形式，无论其表面听感如何迥异，都是对时间和材料进行结构化组织的结果。 它摒弃了仅仅罗列曲目或聚焦于生平轶事的传统编年史模式，转而采取一种基于结构主义和功能主义的分析路径，将音乐视为一种精密的、具有内在逻辑的“建筑工程”。 第一部分：早期与古典主义的基石——秩序与平衡的构建 本部分聚焦于音乐形式的根基——从格里高利圣咏的单音自由体到巴洛克晚期对清晰结构的需求。 第一章：前奏——文本与组织 追溯了中世纪音乐在礼拜仪式中的功能性起源，重点分析了早期记谱法的局限如何塑造了对“形式”的初步概念——即段落划分和主题的重复与对比。 第二章：复调的交织：经文歌与弥撒的逻辑 详细考察了文艺复兴时期，尤其是帕莱斯特里那学派中，对位法的严谨应用如何定义了音乐的“空间感”。这里探讨了模仿、卡农以及“限制”在确立结构完整性中的关键作用。我们着重分析了“点对点”的结构思维，而非线性的叙事。 第三章：巴洛克的宏伟框架：协奏曲与赋格 深入探讨了巴赫时代结构逻辑的巅峰。赋格被解构为一种高度数学化的形式——主题的展现、展开、转调与再现，探讨了其在逻辑推理层面如何超越纯粹的听觉体验。同时，对快-慢-快的协奏曲范式进行了功能分析，理解快板乐章中“轮替性”的结构意义。 第四章：古典主义的典范：奏鸣曲式的心脏 这一章是全书的理论核心之一。奏鸣曲式（Sonata Form）被视为古典主义对清晰性、戏剧张力和平衡感的终极追求。本书没有停留在对呈示部、展开部、再现部的简单描述，而是深入剖析了其内在的“冲突-解决”的对位关系：主调与副调之间的调性张力，以及主题材料在展开部中的“心理学”重构。我们分析了海顿、莫扎特和贝多芬如何通过对扩展、尾声和呈示部再现的细微处理，来“个性化”这一通用框架。 第二部分：浪漫主义的扩张与抒情：形式的弹性与情感的载体 本部分考察了十九世纪作曲家如何在继承古典主义形式遗产的同时，注入更强烈的个人表达、更广阔的和声视野以及更宏大的篇幅。 第五章：叙事与诗歌的融入：器乐套曲的转型 探讨了幻想曲（Fantasie）、狂想曲（Rhapsody）以及标题交响诗的兴起。分析了这些“自由形式”如何利用音乐语言本身来模拟文学叙事或视觉场景，以及它们对传统结构（如奏鸣曲或回旋曲）的“渗透”和“拉伸”。肖邦的夜曲和圆舞曲被用作分析小型、高度浓缩的抒情形式的典范。 第六章：回旋曲的回归与变奏的深化 考察了浪漫主义时期回旋曲（Rondo）如何从古典时期的清晰框架演变为更具循环性和统一性的结构。同时，本书对变奏曲（Variation Form）进行了深入辨析，区分了基于主题轮廓的“装饰性变奏”和基于和声骨架的“结构性变奏”，以探讨李斯特与勃拉姆斯在这一形式上的差异。 第七章：交响诗的单乐章革命 聚焦于李斯特及其后继者如何将整个交响乐的结构压缩进一个单一的乐章中。这里详细对比了“主题转换”（Thematic Transformation）技术，即一个核心动机如何作为结构粘合剂，在不同的情感和调性背景下被重新诠释，从而提供一种“内在的循环性”。 第三部分：二十世纪的解构与重建：超越传统的疆界 本部分审视了音乐形式如何应对工业化、两次世界大战以及新的哲学思潮的冲击，导致了对传统形式的彻底审视乃至颠覆。 第八章：印象派与新古典主义的回望 分析了德彪西和拉威尔如何利用色彩、音色和模糊的结构来解构宏大的叙事感，代之以瞬间的捕捉。接着，探讨了新古典主义（Neoclassicism）如何试图“净化”浪漫主义的过度情感，重新启用巴洛克和古典时期的清晰结构（如赋格和奏鸣曲），但这时的结构是带着反思性的，是“风格的引用”而非单纯的回归。 第八章：序列主义与十二音体系的数学必然性 深入剖析了勋伯格、贝尔格和韦伯恩对“偶然性”的消除尝试。序列主义不仅是和声上的革命，更是结构上的革命——它用严格的数学规则（如音高排列、方向、逆行、倒影）来代替传统的调性功能来组织音乐的长度和材料的分布。本书详细分析了如何通过“形式矩阵”来预先设计一个乐章的宏观布局。 第十章：自由度与偶然性：拼贴与非线性结构 考察了斯特拉文斯基晚期和后来的作曲家（如布列兹、凯奇）对结构理解的进一步拓展。探讨了“拼贴”（Collage）技术如何将现成的音乐片段嵌入新的语境中，创造出一种非线性的时间体验。特别关注了“概率音乐”如何通过引入演奏者的选择或随机过程，使得“形式”从一个固定的蓝图转变为一个开放的框架或一个等待被激活的事件集合。 结论：形式作为对话 本书最后总结道，无论音乐形式看起来多么的自由或多么的严谨，其终极目的都是在有限的听觉材料中，建立起一个可被感知、可被记忆的组织系统。从巴赫的严密对位到凯奇的寂静空间，核心始终在于对时间和材料的处理方式。《音乐的建筑》正是为读者提供了一套深入理解这种处理方式的工具箱和哲学框架。它不是告诉你“听什么”，而是教你“如何看见”隐藏在声音之下的宏伟结构。

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坦率地说，这本书的阅读体验是层层递进的，它要求读者投入相当的精力，但回报也是丰厚的。它最独特的一点，或许在于它对“形式的解构与重构”这一主题的持续关注。不同于许多侧重于介绍“已完成形式”的著作，这部选集更像是一个持续性的实验报告。它探讨了作曲家们如何利用各种工具——从配器法到音高组织——来创造出既具有内部逻辑又充满新鲜感的结构。我印象最深的是关于巴洛克器乐奏鸣曲（Sonata da Chiesa/Camera）的章节，它细腻地梳理了不同乐章如何在既定的快慢交替模式中，展现出各自独特的形式逻辑和表达意图。这种深入到最小单位的分析，让我开始重新审视那些过去被我简单归类的作品。这本书的语言风格虽然保持着学术的严谨，但其行文间流露出的对音乐结构之美的深切热爱是无法掩饰的，这使得原本可能令人望而却步的理论探讨，充满了人性的温度和智识上的挑战。它真正做到了引领读者，从结构美学的角度去深度欣赏音乐的内在秩序。

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这本书的排版和资料的精细程度，绝对配得上“典范之作”的称号。我尤其欣赏它在提供乐谱示例时的严谨性。在讨论特定段落时，所选取的乐谱片段清晰、准确，标注细致，这对于音乐理论的学习者来说至关重要，避免了在复杂的织体中迷失方向。但更令我印象深刻的是它对“语境”的强调。作者非常巧妙地将音乐形式的演变置于其所处的社会文化背景之中。例如，在讨论浪漫主义晚期交响诗的形式处理时，书中会穿插对当时文学思潮、哲学观念的简要介绍，说明这些外部因素是如何催生出更具叙事性和开放性的音乐结构的。这种跨学科的视角，让“形式”不再是孤立的音符排列，而成为了时代精神的载体。我甚至发现，在某些篇章中，作者对特定版本或首演历史的考证也极为详尽，这无疑增加了这本书的学术可靠性和史料价值。它不仅仅是一本教科书，更像是一部浓缩了数百年音乐思想演变史的百科全书，值得反复研读和查阅。

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作为一名长期关注当代音乐实践的人，我一直苦于市面上缺乏能系统梳理“后功能和声时代”结构性探索的教材。《Anthology of Musical Forms》在处理二十世纪及以后的作品时，展现了惊人的广度和深度。它没有回避那些在传统美学框架下显得“怪异”或“晦涩”的作品，而是将其纳入一个宏大的形式演变谱系中进行考察。比如，对于斯特拉文斯基的复调织体如何建立起一种新的“非中心化”的节奏性形式，以及利盖蒂的微观复调如何通过密集的音块来创造一种“空间化”的宏大形式，都有非常独到且精辟的见解。这本书的关键优势在于，它不预设任何一种“正确”的审美标准，而是鼓励读者去理解每一种新形式背后的结构逻辑和技术必要性。它对待序列主义、随机音乐、极简主义的介绍，都充满了尊重，并清晰地勾勒出这些流派试图通过何种新型的组织原则（无论是数学上的、时间上的还是听觉上的）来取代传统的调性结构。对于希望理解现代音乐“为什么听起来是这样”的听众来说，这本书提供了一个绝佳的解码器。

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这本《Anthology of Musical Forms》的选材真是让人眼前一亮，完全超出了我对传统音乐选集的一般预期。它的编排方式简直就是一场精心策划的音乐考古之旅，从巴洛克时期的精妙对位，到浪漫主义时期的磅礴叙事，再到二十世纪那些令人不安却又充满活力的实验性作品，作者似乎拥有一种魔力，能将不同时代、不同风格的碎片完美地镶嵌在一起，形成一个逻辑自洽的整体。我尤其欣赏它对“形式”这一核心概念的解构与重塑。它不仅仅是简单地罗列奏鸣曲式、回旋曲式这些既定模板，而是深入探讨了在不同历史语境下，作曲家是如何挑战、变形乃至颠覆既有结构的。比如，当对比分析勋伯格晚期作品的序列主义结构与巴赫赋格的严密逻辑时，那种跨越时空的对话感是极其震撼的。这本书的配乐分析部分更是细致入微，它没有停留在肤浅的旋律或和声描述上，而是聚焦于织体密度、音域分布以及乐器配器的“空间感”是如何服务于整体形式的。读完这部分，我感觉自己对音乐作品的理解不再是线性的、被动的接收，而是主动地参与到建筑师的思维过程中去。对于任何一个希望从“聆听者”升级为“结构分析师”的音乐爱好者来说，这本书都是一份不可多得的珍贵地图，它指引我们如何去阅读那些隐藏在音符背后的骨架。

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我必须坦白，初次翻开这本厚重的《Anthology of Musical Forms》时，内心是有些忐忑的，因为我担心它会陷入那种枯燥乏味的学术泥潭。然而，这本书的叙事口吻却出乎意料地充满了激情与洞察力。它仿佛是一位经验丰富的老教授，不是居高临下地灌输知识，而是像一个老友般，带着你穿梭于音乐厅的后台和作曲家的书房。其中关于古典主义时期奏鸣曲式的探讨，简直是神来之笔。作者没有将奏鸣曲式描绘成一成不变的公式，而是将其视作一个充满张力的“戏剧舞台”，将呈示部、展开部和再现部之间的内在矛盾与和解过程，分析得如同心理剧一般引人入胜。特别是对于贝多芬后期作品中，那种打破常规的扩展性再现部，书中提供的乐谱注释和理论框架，极大地拓宽了我对形式生命力的认知。更不用说那些穿插其中的、关于特定乐器家族在不同时期如何被“形式”所塑造的论述，比如管弦乐队木管组在德彪西作品中的色彩作用，是如何服务于他那流动的、非传统的结构安排。总而言之，这本书成功地将严谨的音乐学分析与引人入胜的叙事完美融合，让原本可能显得艰涩的内容变得易于消化，甚至充满了阅读的乐趣。

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