具体描述
This comprehensive collection of 205 scores illustrates every significant trend and genre of western music from antiquity to modern times. Highlights of the repertoire include new works from all periods: more contrasting virelais, ballades and other chansons from the fourteenth through the sixteenth centuries; large-scale choral works, including Gabrieli's In ecclesiis, Lully's Te Deum, Haydn's Creation, and Prokofiev's Alexander Nevsky; more opera, including Norma, Les Huguenots, and Madama Butterfly; orchestral and chamber works by Schubert, Schumann, Brahms, Dvorak, and Tchaikovsky; and new twentieth-century works by Satie, Bartok, Milhaud, Prokofiev, Varese, Hindemith, Cowell, Cage, Feldman, Stockhausen, Boulez, Berio, Reich, Adams, Ligeti, Schnittke, and Michael Daugherty.
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目录信息
读后感
用户评价
我是在一个相对沉闷的雨季开始阅读这套选集的，最初只是想找点精神食粮。然而，随着我对十九世纪中后期德国音乐的深入，我开始体会到一种被历史洪流裹挟的震撼感。书中对浪漫主义晚期和后浪漫主义时期和声“崩溃”过程的描绘，简直是一场精彩的戏剧。从舒曼的内省到马勒的宏大悲剧，再到勋伯格对调性的最终颠覆，作者们用清晰的音乐语言，勾勒出了一个旧秩序瓦解的过程。他们没有简单地把勋伯格的十二音体系描述为“怪异”或“激进”，而是将其置于瓦格纳和布拉姆斯遗产的延续与反叛的十字路口进行考察。这种深入骨髓的脉络梳理，让我对二十世纪初的音乐革命有了全新的理解，不再是孤立的事件，而是一系列无可避免的逻辑推导。我特别喜欢书中关于色彩和配器法的章节，它详细分析了李斯特如何拓展钢琴的表现力，以及如何通过管弦乐配器来“绘画”，这使得即便是纯粹的文本阅读，也能唤起听觉上的丰富联想。这本书让你不得不承认，伟大的音乐创作，其背后是哲学、物理学和数学的复杂交织。
说实话，如果不是因为我对二十世纪的爵士乐和实验音乐有强烈的兴趣，我可能早就搁置了这套选集。当我翻到最后几卷，涉及斯特拉文斯基、巴托克乃至更后期的音乐时，我感到了一种久违的兴奋。这套选集在这部分的处理方式，明显地加大了对节奏复杂性、非传统音阶和民族音乐元素的讨论力度。它成功地将这些“现代”作曲家与他们所处的全球文化背景联系起来，而不是仅仅停留在对抽象结构的分析上。我看到了对原始主义的探讨，以及作曲家们如何从民间音乐中汲取能量来打破学院派的僵局。对我而言，这部分内容是真正有价值的突破口。它提供了一个框架，让我能够以更严肃的态度去对待那些在音乐厅里听起来可能令人困惑的作品。它教我如何去“听懂”那些不和谐音程背后的意图，如何理解碎片化的形式本身就是一种新的完整性。总而言之，这套选集，尽管厚重且要求极高，但它提供了一种无与伦比的、跨越世纪的音乐思维地图，让你能够清晰地看到西方艺术音乐是如何从礼拜堂走向音乐厅，再走向未知的声音前沿的。
这套书的价值，我认为恰恰在于它的“全面性”和“不妥协”。它没有试图去粉饰历史，也没有为了迎合现代听众的口味而弱化那些听起来可能“不那么悦耳”的早期音乐。我记得在研究早期音乐部分时，书中对中世纪末期“新艺术”的讨论，那些极度复杂的节奏划分和对位手法，读起来简直像是在解密古代密码。它毫不留情地展示了音乐在不同时代是如何摆脱和确立规则的。最令我印象深刻的是，它对不同版本的乐谱进行对照分析，指出某个音符在不同抄写本中的差异，并解释了这些差异可能反映了演奏实践的哪些变化。这种对“文本学”的关注，让这本书超越了简单的乐曲选集，更像是一部音乐学的田野调查报告。它强迫你思考：我们今天听到的“标准版本”，究竟是历史的真实还原，还是后世的某种建构？这种审视历史的深度，在其他任何我接触过的音乐读物中都是罕见的。它不是在教你如何欣赏，而是在教你如何带着批判性的眼光去研究艺术的演变。
我必须坦白，我拿到这本选集的时候，是带着一种朝圣般的心态，但很快，我发现自己常常迷失在那些过于学术化的脚注和看似无穷无尽的乐理术语之中。尤其是在处理十九世纪浪漫主义晚期，比如瓦格纳的歌剧片段时，那种对“主导动机”和“和声语言”的剖析，简直是令人头皮发麻的密集信息轰炸。对于一个主要通过流行音乐和电影配乐来构建自己音乐品味的人来说，这本书的门槛高得有些吓人。它的编排逻辑是极其严谨的，是纯粹的学院派路线，它不迁就读者的接受速度。你必须对基本的对位法和和声功能有扎实的理解，否则在阅读贝多芬晚期弦乐四重奏的选段分析时，你会感觉像是在阅读一份加密电报。我尝试过跳着看，只关注那些我更熟悉的片段，比如德彪西的印象派作品，但很快发现，如果不了解印象主义之前法国旋律的演变，德彪西的创新性就失去了参照系，变得空洞无力。这本书的缺点（如果可以这么说的话）就在于，它预设了读者已经拥有了一个坚实的古典音乐基础知识库，对于初学者来说，它更像是一座需要攀登的高峰，而不是一条平坦的河流。我感觉自己更像是一个在博物馆里被一幅巨幅历史画作镇住的游客，敬畏有余，但真正理解其中的每一处细节，还需要更多的学习和时间。
这套厚重的“诺顿西方音乐选集”简直是音乐史爱好者的圣经，我花了足足一个夏天才勉强翻完第一遍，那种感觉就像是走进了一个宏大而错综复杂的音乐迷宫。光是翻开第一卷，面对巴赫那如同建筑般精密的赋格时，我就知道这不是一本随便翻翻就能理解的“入门读物”。它不仅仅是乐谱的堆砌，而是将音乐置于其诞生的历史和社会土壤之中去审视。例如，它对早期格里高利圣咏的介绍，那种对文本与旋律之间微妙平衡的细致分析，让我第一次真正体会到中世纪音乐是如何服务于礼拜仪式的。接着，当我们进入文艺复兴的复调世界，作者们（我猜是几位重量级学者合作的成果）对于不同作曲家如何处理人声线条的差异，对比得极其精妙。我尤其记得关于帕莱斯特里纳与威廉·拜德的对比分析，前者是纯粹的天堂之声，后者则带着更强烈的人文主义色彩，这种深入骨髓的比较分析，远超出了我过去在任何教科书上看到的肤浅描述。即便是那些我自以为很熟悉的古典乐章，比如海顿的奏鸣曲结构，在这里也被拆解得如同精密仪器一般，每一个动机的发展、每一段呈示部的再现，都有其清晰的逻辑线索。它迫使你不仅仅是用耳朵听，更要用头脑去“阅读”音乐，理解作曲家在特定历史背景下所做的每一个选择的必然性。它不是一本用来快速消化的读物，而是需要耐心咀嚼，反复回味的史诗。
