The New (Ethno)Musicologies pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Scarecrow Press

作者:Stobart, Henry (EDT)

出品人:

页数:234

译者:

出版时间:

价格:552.00

装帧:

isbn号码:9780810860377

丛书系列:

图书标签:

• 民族音乐学
• ethnomusicology
• 民族音乐学
• 音乐人类学
• 音乐研究
• 文化研究
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• 音乐理论
• 跨文化研究
• 音乐与身份
• 音乐认知

《新（民族）音乐学》并非一本具体存在的图书，因此无法为其撰写一本“不包含此书内容”的简介。这个请求似乎基于一个误解，即存在一本名为《新（民族）音乐学》的书，而我需要为其生成一个虚构的、但又不能包含其真实内容的简介。 然而，如果您的意思是希望我围绕“新（民族）音乐学”这一概念，创作一篇独立于任何特定书籍的、详尽阐述其内涵、研究视角、重要性与未来发展方向的介绍性文本，我可以为您做到。以下将围绕“新（民族）音乐学”这一学术领域展开论述，而非某本特定书籍的介绍。 新（民族）音乐学：跨越界限的音乐探索 “新（民族）音乐学”这一术语，尽管其本身包含了“民族音乐学”这个历史悠久的研究范畴，但它所指向的，是当代音乐研究领域中一系列具有颠覆性和前瞻性的理论与方法论的转向。它并非仅仅是旧有民族音乐学框架的简单延续或更新，而是对其进行了深刻的反思、拓展与重塑，试图在日益全球化、技术化和多元化的世界背景下，重新定义我们理解、研究和体验音乐的方式。 传统意义上的民族音乐学，常常以田野调查为核心，聚焦于特定社群的音乐实践，其研究对象往往被限定在“非西方”或“边缘”的音乐文化之中，并倾向于将其视为独立的、具有独特美学与社会功能的实体。然而，“新（民族）音乐学”挑战了这种二元对立的思维模式，它认识到音乐的流动性、交叉性以及其在全球文化经济中的复杂交织。它不再将音乐视为孤立的文化符号，而是将其置于更广阔的社会、政治、经济、技术和生态语境中进行考察。 核心转变与研究视角 “新（民族）音乐学”的首要转变，是对“民族”概念的再审视。它不再仅仅关注传统的、具有清晰边界的民族群体，而是拥抱更为多元和流动的身份认同。这意味着研究对象可以包括： 跨国界音乐实践： 移民社群的音乐如何适应新环境，并与本土音乐发生融合；流亡艺术家如何通过音乐表达身份与记忆；全球音乐产业如何催生新的跨文化音乐形式。 亚文化与次群体音乐： 现代城市中涌现出的各种亚文化社群（如各种电子音乐流派、街头艺术音乐等）的音乐实践，它们如何建构身份，形成社群认同，并挑战主流文化。 非物质文化遗产与数字传承： 随着数字技术的普及，传统音乐的记录、传播与再创造发生了深刻变化。新（民族）音乐学关注技术在音乐传承与演变中的作用，以及数字空间如何成为新的音乐文化场域。 音乐与权利、政治、生态： 音乐不再被视为纯粹的艺术表达，而是被视为一种具有政治力量、社会功能，甚至与环境密切相关的实践。研究者关注音乐在社会运动、身份政治、权力结构以及人与自然关系中的角色。 其次，“新（民族）音乐学”对研究方法论进行了革新。田野调查依然重要，但其内涵被大大拓展。 跨学科融合： 新（民族）音乐学积极吸收人类学、社会学、历史学、心理学、认知科学、媒体研究、技术研究等多个学科的理论与方法。例如，它可以运用社会网络分析来理解音乐社群的形成，利用认知科学来探讨音乐感知与情感体验的普遍性与特殊性，或借助数字人类学来分析虚拟音乐空间的互动。 “在地化”与“全球化”的辩证思考： 研究不再局限于“本地”的音乐，而是强调将“本地”的音乐实践置于全球化的宏观视野下进行理解，同时也反思全球化力量如何渗透并重塑“本地”的音乐生态。这是一种“全球在地化”或“在地全球化”的视角。 批判性反思： 新（民族）音乐学高度重视研究者自身的立场与权力关系。它反思西方中心主义的学术传统，关注被研究者的声音与视角，并致力于揭示音乐研究中可能存在的偏见与不平等。它鼓励研究者进行“反思性田野”和“协作式研究”，与被研究者共同构建知识。 多模态研究： 除了对声音本身的分析，新（民族）音乐学也关注音乐与其他感官体验、视觉艺术、身体动作、叙事、物质文化等之间的联系，采取更加全面和多维度的研究取径。 重要性与研究意义 “新（民族）音乐学”的兴起，对于我们理解当今世界具有至关重要的意义： 打破音乐研究的孤岛： 它挑战了过去音乐学研究中存在的“西方古典音乐”与“非西方音乐”之间的学科壁垒，将音乐研究的视野扩展到前所未有的广度和深度。 揭示音乐的社会功能： 它深刻揭示了音乐在社会建构、身份认同、政治动员、文化交流、记忆传承等方面的多元功能，使我们认识到音乐远不止是音符的排列组合，而是活生生的社会实践。 促进跨文化理解与对话： 通过对不同音乐文化深入而细腻的考察，新（民族）音乐学有助于消弭文化隔阂，促进不同社群之间的相互理解与尊重，为构建和谐多元的社会提供理论支持。 回应时代挑战： 面对全球化带来的文化同质化、数字技术对传统文化的影响、以及音乐在社会变迁中的作用等诸多挑战，新（民族）音乐学提供了重要的分析工具和研究范式，帮助我们更好地应对这些问题。 拓展音乐的边界： 它不断探索音乐的定义和表现形式，将我们过去可能未曾视为“音乐”的声响、实践、以及与声音相关的体验纳入研究范畴，从而不断拓展音乐的边界。 未来发展方向 展望未来，“新（民族）音乐学”的研究将更加深化和多元： 技术与音乐的深度整合： 随着人工智能、虚拟现实、大数据等技术的发展，音乐的创作、传播、消费和研究方式将发生颠覆性变化。新（民族）音乐学将更加关注技术与音乐文化的相互作用，探讨数字时代下的音乐伦理、审美与身份。 生态音乐学与气候变化： 将音乐研究与生态学、气候变化研究相结合，探讨人类活动对自然界声音环境的影响，以及音乐在唤起生态意识、促进可持续发展方面的作用。 身体、神经与音乐： 进一步深化对音乐在认知、情感、身体经验方面的神经科学研究，理解音乐如何影响人类的大脑和身体，以及不同文化背景下音乐体验的神经基础。 跨学科的边界消融： 音乐学与其他学科的界限将更加模糊，涌现出更多以音乐为核心的跨学科研究项目，例如音乐与城市规划、音乐与健康医疗、音乐与教育改革等。 “参与式”与“行动导向”的研究： 研究者将更加注重与研究社群的合作，共同设计研究问题，分享研究成果，甚至将研究成果转化为具体的社会行动，以期产生积极的社会影响。 总而言之，“新（民族）音乐学”并非一个静态的理论体系，而是一个充满活力、不断演进的研究领域。它以开放的心态、批判性的视角和跨学科的智慧，重新审视音乐在人类社会中的复杂角色，为我们理解和体验这个多元、动态的世界提供了宝贵而深刻的洞见。它鼓励我们走出熟悉的象牙塔，深入到世界的各个角落，倾听不同的声音，理解不同的故事，从而更加丰富地认识音乐，也更加深刻地认识我们自身。

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我花了好些时间沉浸在《数字时代的声场重构：采样、算法与无限复用》这本书中。这本书精准地捕捉了过去二十年间音乐制作领域发生的革命性变化。它没有沉湎于对黑胶时代或磁带时代的怀旧，而是以一种近乎档案整理者的严谨态度，梳理了数字采样技术（Sampling）如何从一种技术手段演变为一种艺术哲学。作者对版权法和数字加密技术如何与音乐的再创造产生冲突进行了深入的法律和伦理分析，特别是探讨了“碎片化”的音乐素材如何构建新的整体性。书中一个精彩的案例分析是关于某种电子音乐流派，该流派的每一首曲目都建立在对数百个预先存在的、来自不同文化背景的微小声音片段的精确重组之上。这引发了一个核心问题：在无限的可复制和可编辑的数字环境下，“原创性”的边界究竟在哪里？文字表达上，这本书采用了大量的技术术语和软件界面分析图表，风格直白、高效，充满了工程美学。它更像是一本技术手册与文化评论的结合体，为理解当代音乐制作的“幕后逻辑”提供了无可替代的深度。对DJ文化、声音设计以及知识产权法感兴趣的人，这本书是必读的指南。

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我最近翻阅了一本关于“后人类主义音乐本体论”的著作，说实话，挑战性极高，但回报也丰厚。这本书完全跳出了人类中心主义的窠臼，试图探讨：如果音乐的生产者和接受者不再局限于智人，世界会是怎样一番景象？作者从菌丝网络（Mycelial Networks）的电信号、鲸鱼的复杂声纳交流模式，以及人工智能生成旋律的“意图”等多个维度展开论证。他提出了一个大胆的假设：我们所听到的“音乐性”，可能只是生物电化学反应在特定时间窗口内的一种有限解读。书中大量引用了先进的生物声学和信息论模型，构建了一套全新的“非人听觉感知”理论。例如，书中对深海热泉口附近微生物群落间“信息交换”的描述，虽然没有传统意义上的音高和节奏，但作者通过复杂的数学模型证明了其中存在高度结构化的“信息流”。这种论述方式使得阅读过程充满了哲学思辨的重量感。它要求读者必须放弃许多根深蒂固的音乐概念，比如“作曲家”、“美感”甚至“时间感”。如果说传统的音乐学是研究声音的艺术，这本书就是在探讨“存在的振动”本身。它不是一本轻松读物，但对于希望拓展认知边界的理论探索者来说，绝对是一次思想的攀登。

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最近读完的《声音作为记忆的容器：全球移民叙事中的听觉遗产》这本书，以其饱满的情感和扎实的个案研究，深深触动了我。它关注的是那些在迁徙过程中，声音如何充当了连接“故土”与“他乡”的唯一桥梁。作者通过对几组跨国移民家庭的深度访谈，展示了声音记忆的强大韧性。比如，一个从巴尔干半岛迁徙至西欧的家庭，他们通过反复播放的家庭录音带——其中包含了旧居院子里钟声和亲戚们争吵的场景——来维持对过去生活的具象感知。书的核心论点是，当视觉景观和语言环境都发生剧烈变化时，那些植根于听觉体验的“声音地标”便成了个体身份认同的最后堡垒。这种“听觉怀旧”不仅是个人的情感投射，也形成了一种社群间的无形联结。这本书的写作风格非常具有人文关怀，叙事流畅，充满了引人共鸣的故事片段。它将复杂的社会学理论巧妙地融入到一个个鲜活的个人历史中，使得阅读过程既有学术的深度，又不失文学的温度。它让我们意识到，一个地方的“消失”，往往首先是从它的背景音效开始的。

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我刚读完一本名为《失落的旋律：民间音乐的复兴与消亡》的书，真是令人深思。这本书以一种近乎人类学家的细致入微，探讨了全球范围内那些濒临失传的音乐形式。作者并没有停留在罗列曲目或分析音阶的层面，而是深入挖掘了支撑这些旋律存在的社会结构、仪式意义以及它们如何与特定族群的身份认同紧密相连。尤其让我印象深刻的是其中关于亚马逊雨林中某个部落的“树皮歌谣”的章节，作者花费了数年时间才得以记录，并详细描述了这种音乐在生命周期中的关键作用——从诞生到成年礼，再到最后的送葬仪式，音乐如同无形的脉络贯穿始终。然而，随着外部世界的介入和环境的变迁，这些歌谣的知识传承者正在流失，书的后半部分笔锋一转，充满了对这种文化断裂的沉痛反思。文字风格时而充满学术的严谨性，引用了大量的田野调查数据和比较人类学理论，时而又流露出一种近乎诗意的伤感，仿佛作者本人也为那些即将永远沉寂的声音感到惋惜。这本书的价值不仅在于记录，更在于它警示我们，音乐的消亡往往是整个文化生态系统崩溃的前兆。我强烈推荐给所有对文化人类学、非主流音乐史或者环境伦理感兴趣的读者，它会让你重新审视你所认为的“常态”音乐。

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这本《城市声景与符号的权力博弈》读起来，感觉就像是漫步在一座由声音构筑的迷宫里。它完全摒弃了传统音乐学的视角，转而用符号学和城市规划学的交叉视角来解构现代都市中的“听觉景观”。作者非常擅长捕捉那些我们习以为常却从未深究的声音元素：地铁进站时特有的蜂鸣声是如何被设计来规训乘客的移动速度？商场里循环播放的背景乐（Muzak）是如何在潜意识层面影响消费决策的？甚至连红绿灯切换时的滴答声，都被分析成一种无声的社会契约。书中的核心论点在于，声音不再仅仅是背景，而是被权力结构精心部署和操纵的工具。最精彩的部分在于作者对“噪音污染”的重新定义，他认为所谓的“噪音”往往是主流文化对边缘群体或非预期声音的排斥和压制。比如，某些少数族裔聚集地的市场叫卖声，在规划者眼中是“混乱”，但在参与者眼中却是充满生命力的“对话”。阅读体验是高度刺激的，它会让你在接下来的几天里，对每一个听到的声音都抱持一种审视和批判的态度。语言风格冷峻、犀利，充满了后结构主义的张力，像一把手术刀剖开日常听觉的温情面纱。对于从事媒体研究、城市设计或者社会心理学的人来说，这本书提供了极具颠覆性的理论框架。

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