具体描述
During the Colonial era, artists began to create an American identity in the art world. The drawings of explorer John White; the maps of John Foster, American's first printmaker; the silverwork of the famous patriot Paul Revere; the creations of America's first professional woman artist, Henrietta Johnston; and the portraits of John Singleton Copley all helped create a distinct culture in the young colonies. This volume presents narrative chapters on the lives of ten pioneers in Colonial American art. Each biographical chapter traces the artistic development of these and other artists, describing their masterworks and placing them within the artistic traditions and cultural codes of the time. A plethora of illustrations, including an 8-page color insert, provides an invaluable look at Colonial American art. Chapter bibliographies, a glossary of terms, a timeline, and a subject index provide additional tools for students of art from the nation's earliest years.
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最令人意外的是，这本书的核心内容竟然是关于早期印刷术的机械原理和活字排版的历史。我原本期待的是绘画或雕塑，结果却发现自己深陷于一个关于金属铸字和印刷机轴承的微观世界。作者花了大量的篇幅来解释古登堡（Gutenberg）技术是如何传入英格兰，以及在殖民地早期的印刷厂中，人们是如何用简陋的工具来复制那些复杂的英文字体。书中配有大量工业机械的黑白拓印图，展示了印刷机在加压过程中木质框架的受力分析，以及铅合金活字的熔铸温度控制。对于印刷工人如何通过调整油墨的粘稠度来适应不同纸张的吸收性，也有非常技术性的论述。这本书的视角是如此偏向于“工艺的工程学”而非“艺术的表现力”，它将“Artists”的概念无限地扩大，几乎涵盖了所有使用工具进行创作的技工。坦白地说，当我看到关于十七世纪排字工人手部肌肉负荷的图表时，我彻底放弃了寻找任何关于殖民地画家风景速写的希望，这本书是一部关于“批量生产美学”的史诗，而非我对殖民地视觉文化的探索。
评分这本厚重的画册，甫一捧在手中，便被其沉甸甸的质感所吸引。我原以为它会是一部聚焦于早期美洲殖民地艺术家的图录，或许会有对一些鲜为人知的肖像画家或风景画家的生平考证。然而，当我翻开扉页，引入眼帘的却是一系列关于十七世纪欧洲宫廷服饰的精美插图。每一页都详尽地描绘了法兰西路易十四时期贵族女性的紧身胸衣、繁复的蕾丝花边，以及男性服饰中那些夸张的假发和精细的刺绣。作者似乎对当时的纺织品、色彩搭配乃至服装的社会象征意义有着近乎痴迷的研究。章节的划分也相当独特，不是按地域或时间线索，而是完全围绕“礼仪与着装”展开，比如“马车上的优雅”和“宴会中的权力展示”。我花了整整一个下午，沉浸在那些丝绸、天鹅绒与珍珠的光泽里，试图理解这些服饰是如何在那个特定的历史语境中，构建起一种无声的权力宣言。尽管这与我预期中的“殖民地艺术家”主题相去甚远，但其对细节的考究和图像的复原能力，确实展现了作者深厚的艺术史功底，只是希望接下来的篇章能稍微触及一些美洲的影子，哪怕只是欧洲风格在“新大陆”的微弱回响。
评分这本书的叙事风格极其散文化，不像是一部严肃的学术著作，倒更像是一位博学的旅行家在异国他乡的日记摘录，但这位旅行家显然对美洲殖民地不感兴趣。阅读体验的“跳跃感”非常强，前一章还在热情洋溢地描述十八世纪初意大利玻璃工艺的复兴，对威尼斯穆拉诺岛上那些吹制玻璃的工匠们如何掌握了色彩的魔力进行了细腻的描摹，甚至提到了一种失传的“孔雀蓝”配方。下一章却毫无过渡地转向了哥特式教堂的飞扶壁结构分析，探讨了如何在不牺牲采光的前提下，将建筑的结构力学推向极致。书中的语言充满了感性的比喻和主观的判断，比如形容某件雕塑“仿佛被时间凝固的叹息”。尽管文字优美，充满文学性，但它似乎在努力证明，真正的“艺术”发源于欧洲古典的中心，殖民地只是一个遥远而粗糙的模仿者。我找寻殖民地艺术家的身影未果，反而被一股强大的欧洲中心主义的艺术浪潮席卷，让人在欣赏其文笔的同时，又不得不为标题的失实感到一丝无奈。
评分我是在寻找关于约翰·塞波尔（John Sepulchre）早期作品的资料时偶然发现这本书的，本以为可以找到一些关于殖民地银匠或家具制造者的记录，毕竟“Artists”这个词的涵盖面很广。谁知，这本书的重点似乎完全偏向了音乐史，而且是那种极其小众的巴洛克时期宗教音乐。书中对1680年至1750年间，德意志邦国内部一些小型修道院乐团的编制、乐谱的保存状况，以及特定赞美诗的唱腔变化进行了近乎学术论文式的详尽分析。有一章专门讨论了羽管键琴（Harpsichord）的音色在不同湿度下的衰减特性，并配有大量手绘的乐器结构剖面图，精确到每一根琴弦的长度和张力。说实话，我完全看不懂那些五线谱的分析，那些关于对位法和和声结构的探讨对我而言如同天书。它更像是一份高度专业化的音乐文献汇编，而非面向普通读者的艺术史普及读物。读完其中关于格里高利圣咏复调的演变，我合上书本，感觉自己像是刚上完一堂高难度的音乐理论课，完全没有感受到任何“美国殖民地”的氛围，只有浓厚的莱茵河畔的湿冷空气。
评分当我翻开这本书时，最初的印象是它装帧精美，纸张厚实，带着一股油墨的香气，让人对内容充满期待。我特别关注了索引部分，希望能找到一些关于早期费城或波士顿雕塑家的线索。然而，这本书的重心竟然完全放在了地图学的演变上，更准确地说，是十七世纪荷兰东印度公司的航海图绘制技术。书中收录了大量从阿姆斯特丹私人收藏中借展的珍贵手稿地图，详细展示了如何通过天文观测来校准经纬度，以及如何处理磁偏角带来的误差。作者似乎对制图师群体抱有一种近乎英雄崇拜的情感，详细描述了像维列姆·布劳（Willem Blaeu）这样的制图巨匠的日常工作流程——从墨水的配比到羊皮纸的准备。书中有大量的插图是地图的局部放大，标注着详尽的比例尺和海流符号。这固然是一部关于“早期技艺”的杰作，但“Artists of Colonial America”这个标题，无疑具有极大的误导性。我渴望看到粗糙的殖民地民间艺术，却收获了一整本关于精确测量的教科书，这体验着实有些错位。
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