上海大学美术学院50周年庆典纪实 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:徐建融 编

出品人:

页数:672

译者:

出版时间:2009-12

价格:680.00元

装帧:

isbn号码:9787811180077

丛书系列:

图书标签:

• 上海大学
• 美术学院
• 五十周年
• 纪实
• 高等教育
• 艺术
• 校园文化
• 历史
• 图文
• 纪念

艺术的传承与创新：一部跨越半个世纪的视觉史诗 图书名称： 艺术的传承与创新：一部跨越半个世纪的视觉史诗 内容概要： 本书旨在全面、深入地梳理并呈现二十世纪中叶至今，中国乃至世界当代艺术思潮的演变脉络，重点聚焦于那些深刻影响了艺术教育理念、创作实践与理论构建的关键时刻、重要人物与核心议题。它并非一部单纯的艺术家名录或作品集锦，而是一部关于“如何观看世界”与“如何用艺术介入时代”的深刻反思之作。全书以宏大的历史叙事为骨架，以精妙的个案分析为血肉，力求为读者构建一个清晰、立体、富有层次感的艺术发展图景。 本书将艺术史的叙事线索，巧妙地植入到社会变迁、技术革新与全球化进程的宏大背景之中。我们探讨的不仅是画布上的色彩与线条，更是隐藏在创作背后的哲学思辨、社会责任感以及媒介边界的不断拓展。 第一部分：现代性的序曲与早期探索（约1920s – 1950s） 本部分追溯了中国近现代艺术在“中西融合”的时代命题下，所经历的艰难而充满活力的开端。重点考察了引进西方现代主义思潮的先驱者们，他们如何试图将西方成熟的艺术语言体系与本土的文化精神相融合。 引介与本土化： 详细分析了印象派、后印象派以及早期立体主义等思潮如何通过留学归国艺术家，在中国艺术院校的课程设置中占据一席之地。探讨了早期的写实主义转向，并非简单的模仿，而是如何适应国家建设的时代需求，发展出具有鲜明民族特色的艺术语言。 媒介的试验田： 关注这一时期版画、油画等“外来”媒介的本土化过程。版画如何成为反映民间疾苦、传递时代精神的重要工具。油画的材料特性与中国传统绘画的审美取向之间产生的张力与融合。 理论的奠基： 梳理了早期艺术教育家们关于“美育”与“全民艺术普及”的深刻论述，这些论述为后来的艺术教育体系打下了坚实的思想基础。 第二部分：特定时期的艺术生态与意识形态的交织（约1950s – 1970s） 此阶段的艺术创作与社会功能紧密结合，本书将以客观、去意识形态化的视角，审视艺术在这一历史阶段扮演的角色，并剖析其内在的艺术规律。 “为工农兵服务”的再解读： 深入分析了在特定主题要求下，艺术家们如何在严格的叙事框架内，依然展现出高超的造型能力和对光影、构图的精妙把握。探讨“典型化”创作手法的理论基础与实践成果。 群体的力量与个人的声音： 研究了大型主题创作的协作模式，以及在集体叙事之外，少数艺术家在私下或非主流领域进行的关于形式探索和个人情感表达的努力。 档案与口述史的补充： 结合未曾公开的文献资料与亲历者的口述，还原了当时的创作环境、材料获取的困难，以及艺术家们在现实困境中保持艺术信念的复杂心路历程。 第三部分：变革的浪潮与观念的解放（约1980s – 1990s） 这一时期是中国艺术史上的“爆炸期”，思潮的涌入与本土的反思形成了剧烈的化学反应。本书将着重描绘艺术观念的“断裂”与“重生”。 “八五新潮”的哲学回响： 详细剖析了西方后结构主义、符号学、现象学等思潮对中国艺术界的影响。探讨艺术家们如何从关注“再现”转向关注“在场”与“过程”。 批判性姿态的形成： 分析了装置艺术、行为艺术等非传统媒介的兴起，如何成为艺术家们表达对既有文化结构不满和探索个体自由的关键手段。探讨了“本土性”的重新定义——不再是地理上的概念，而是身份和经验的哲学建构。 学院体系的自我革新： 考察了艺术院校在面对全新艺术思潮时，课程设置、教学理念、评估标准所经历的痛苦而必要的转型过程。重点分析了跨学科合作在打破传统院系壁垒中的作用。 第四部分：全球化视野下的当代艺术图景（21世纪至今） 进入新世纪，中国艺术与世界艺术的对话更为频繁，本书聚焦于艺术的全球化语境下的身份认同与媒介的无限可能。 数字化时代的审美重塑： 探讨新媒体艺术、影像艺术、数字交互技术如何颠覆传统的观看方式。分析了虚拟现实、人工智能等前沿技术对艺术创作边界的拓展。 身份政治与社会介入： 考察当代艺术家如何利用艺术作为社会批判的工具，关注环境、性别、城市化进程中被边缘化的群体与议题。艺术的公共性和私密性之间的微妙平衡。 艺术教育的未来走向： 展望未来的艺术教育应如何培养具备全球视野、批判性思维和跨媒介实践能力的复合型人才。强调理论研究与实践创新的并重。 本书特色： 本书采取了“主题单元 + 案例分析 + 理论对话”的结构，而非简单的编年史。它力图超越对艺术事件的表面描述，挖掘其背后的思想渊源和深层文化动因。书中收录了大量珍贵的历史图片、展览文献、艺术家访谈手稿等一手资料，并配有权威的艺术史学者撰写的深度评论，是研究中国当代艺术发展脉络、理解其内在驱动力的重要参考读物。它不仅是专业人士的案头书，更是渴望深入了解当代中国艺术精神的广大读者的理想之选。

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这本书的排版和图文配比，给我的第一印象是：它试图在严肃与活力之间找到一个平衡点。庆典本身是回顾，但美术学院的生命力在于创新和年轻一代。我注意到了一些关于历届优秀毕业生成就的篇幅，这部分内容无疑是振奋人心的，它展示了学院人才输送的广度和深度。然而，比起那些在国际上享有盛誉的“大咖”，我更愿意花时间去了解那些在基础教育阶段默默耕耘的教师们。他们是如何影响了早期学生的审美观和技术基础的？他们的教学方法在几十年间是如何迭代的？这背后体现的是一种教育理念的“基因传承”。如果这本书能更深入地剖析不同时期教学大纲的细微调整，比如素描课的侧重点从写实到结构再到表现力的转变，那就不仅仅是一本纪念册，而是一部生动的中国现代美术教学方法论的微史。

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从整体的叙事结构来看，这本书似乎在努力构建一个宏大的时间轴，试图一网打尽五十年的风云变幻。但我个人更倾向于微观叙事的力量。比起泛泛而谈的“辉煌成就”，我更期待看到一些具体的、充满细节的故事片段。比如，某位著名教授在某次重要的展览前夕，如何指导学生克服瓶颈；或者某次院系改革中，激进派与保守派之间展开的精彩辩论实况。这些“小插曲”，往往是理解一个机构精神内核的最佳切口。它们像是历史的切片，虽小，却能折射出大时代的审美取向和学术风骨。如果这本书能跳脱出庆典的框架，更多地关注“人”与“创造力”是如何在特定的制度和环境中被激发、被塑造的，那么它的阅读价值就会远远超越一本纪念文集，而成为研究特定地域艺术生态演变的珍贵档案。

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说实话，我拿到这本书时，对它的阅读体验抱有一种审慎的态度。这类庆典纪实，很容易陷入一种“歌功颂德”的窠臼，通篇充斥着对成就的罗列和对重要人物的套话式赞美，缺乏对艺术创作本身内在张力的挖掘。我更期待看到的是那些“不那么完美”的瞬间——比如在某个特定历史时期，学院内部关于教学理念的分歧、不同画种之间产生的张力，甚至是某一代学生在社会转型期的迷茫与探索。艺术是不断打破既有框架的，一个成功的学院，必然是鼓励批判性思维的温床。如果这本书能巧妙地穿插一些当事人的口述回忆，用更加鲜活、未经修饰的语言，讲述那些在历史大背景下，美术教育者们如何坚守或妥协，那就太棒了。那种“在别处”的视角，往往比官方叙事更能揭示一个机构的灵魂所在。

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当我翻阅到部分关于校园环境变迁的章节时，我产生了一种强烈的代入感。建筑本身就是一种凝固的艺术，美院的画室、雕塑房、光影的走向，都潜移默化地塑造着学生的创作习惯。我很好奇，当年那些标志性的教学楼，在设计之初，是否就充分考虑了艺术创作的特殊需求，比如采光、空间尺度，甚至是材料的耐用性与艺术气息的融合。这些看似“硬件”的细节，往往决定了艺术教育的“软件”质量。如果书中能配上一些老照片与新照片的对比，并辅以当事人的回忆，描述某个空间如何见证了一件重要作品的诞生，那种历史的厚重感和空间叙事的力量，是纯粹的文字难以企及的。它将学院塑造成了一个有机的生命体，而非仅仅是一堆行政建筑的集合。

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这本书，乍一看书名，还以为是那种官方出版的、用来纪念性质的厚重画册。翻开扉页，那种扑面而来的学院气息和历史沉淀感，确实是挺浓的。我比较关注的是艺术教育的发展脉络，尤其是像上海这样的大都市，其美院的变迁，必然折射出整个时代审美观念的转换。这本书的装帧设计本身就挺有讲究，墨色的背景配上烫金的字体，透露出一种内敛的庄重感，让人对其中收录的内容抱有极高的期待。我特别想知道，在五十年的历程中，他们是如何平衡传统学院派的扎实功底与前沿艺术思潮的激荡融合的。尤其是在近二十年，随着全球艺术市场的变化和信息技术的爆炸式发展，一所老牌的艺术院校，其课程设置、师资力量的引进和学生作品的风格，必然经历了深刻的调整。这本书，如果能详细梳理出这些关键的转折点，那对于研究当代中国高等美术教育史，无疑是一份极具价值的参考资料。那种历经风雨后的沉淀与反思，往往比纯粹的成就展示更引人入胜。

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卧槽，看完好想考研啊！

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上大美术学术水平居然能低到这种程度超出了我的想象

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