歌曲写作基础-第二版 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:高等教育

作者:朱敬修

出品人:

页数:375

译者:

出版时间:2009-11

价格:39.50元

装帧:

isbn号码:9787040281453

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• 音乐
• 歌曲写作
• 流行音乐
• 音乐创作
• 音乐理论
• 和弦进行
• 歌词创作
• 旋律创作
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• 音乐制作
• 音乐教学

音乐的脉动：旋律与和声的艺术解析 本书并非《歌曲写作基础-第二版》的延伸或替代，而是对音乐创作核心要素——旋律、和声、节奏与结构——的深度探究与实践指导，旨在为所有渴望精进其音乐表达能力的创作者提供一套全面、系统且富有洞察力的工具集。 本书从音乐的本质出发，剥离掉所有关于“流行套路”或“特定流派公式”的喧嚣，专注于音乐语言本身的严谨性与无限可能性。 --- 第一部分：声音的骨架——节奏与律动的构建 音乐的基石是时间性，是声音的组织与排列。本部分将深入剖析节奏在音乐叙事中的决定性作用，其复杂性远超简单的节拍计数。 第一章：超越节拍：律动的深层结构 我们首先要理解，节拍（Meter）是框架，而律动（Groove/Rhythm）是填充其间的生命力。本章将详述： 时间感知的心理学基础： 探讨人脑如何处理并预期音乐中的时间流逝，以及如何利用“提前”或“拖后”来创造张力。 复节奏与交叉节奏（Polyrhythm and Cross-Rhythm）： 系统的分析如何将两种或多种不同时值的节奏图案叠加，创造出复杂的听觉纹理。我们将通过具体案例，如西非鼓乐模式和二十世纪前卫音乐，展示这些技巧如何被用来打破听众的预期。 停顿的力量（The Power of Silence）： 节奏不仅仅是发出的声音，更是未发出的声音之间的空间。分析沉默如何被用作重音、结构划分和情感渲染的工具。我们不再将“休止符”视为简单的暂停，而是视为具有明确长度和功能的时间块。 第二章：节奏模式的语言学：从基础单元到宏大叙事 本章侧重于如何将零散的节奏片段编织成连贯的音乐句子。 动机性节奏单元的提炼： 学习如何从一段听觉体验中提取出最核心的节奏种子，并以此为基础进行扩展、变形和对比。 非对称性与循环结构： 探索非标准时值（如五拍子、七拍子）的内在逻辑，以及如何利用循环节奏（如极简主义中的重复模式）在保持稳定性的同时引入微妙的内部变化。 节奏的“角色扮演”： 分析不同乐器声部（如低音、鼓组、主旋律）在节奏矩阵中扮演的角色——推动者、锚定者或装饰者——并教授如何协调这些角色以实现清晰的听觉焦点。 --- 第二部分：音高的对话——和声的色彩与功能 和声是音乐的“重量”和“情感深度”的来源。本部分将彻底解构传统调性体系，并将其扩展至更广阔的音高组织领域。 第三章：功能和声的内在逻辑与突破 我们将重温传统和声的功能性（主、属、下属），但重点在于理解这些功能背后的声学必要性，而非仅仅是规则的堆砌。 声部进行的高级技巧： 详细探讨如何管理声部进行中的平行性、限制性音程的移动，以及如何利用导音、经过音和非和弦音来增加连接的平滑度和色彩变化。 和弦的分解与重建： 分析三和弦、七和弦及九和弦的内在张力点。教授如何系统地进行和弦的“延伸”（Adding Tensions）和“替换”（Substitution），例如，用增六和弦替代属和弦，以及如何利用“变音和弦”来重新定向调性中心。 调式功能： 探讨大调与小调之外的七个自然调式（多利安、弗里吉亚等）的功能性差异。分析在特定调式中，特定和弦的功能性如何被重新定义，从而创造出独特的地域感或时代感。 第四章：拓展音域：非调性与微音程的探索 本章面向那些希望突破传统调性框架的创作者，介绍二十世纪音乐理论的基石。 十二音技法与序列主义的严谨性： 并非简单复制勋伯格的序列，而是理解“序列”作为一种组织所有十二个音的结构化方法论。分析如何通过逆行、倒影和逆行倒影来系统地操作音高序列。 集合理论基础： 引入集合理论（Set Theory）的概念，用于描述无中心调性的音高组合（Pitch Classes）。这允许创作者在不依赖传统和声功能的情况下，构建具有内在逻辑的音高结构。 微音程与泛音列的运用： 探讨在十二平均律之外的音高微小差异如何影响听感。介绍如何利用泛音列来构建“自然”的、非人为制定的和声簇，以及在电子音乐或特殊乐器中实现这些音高的方法。 --- 第三部分：形态与叙事——音乐结构的精妙设计 音乐的结构是其宏观的蓝图，决定了作品的呼吸、高潮和最终的意义。本书不提供现成的“AABA”模板，而是教授构建结构的基本原则。 第五章：音乐形态学的核心要素 形态学关注的是音乐事件如何被组织成可识别的单元（乐句、乐段、段落）。 乐句的构建与完成感： 分析乐句的“提问-回答”机制。学习如何通过节奏、和声进行和音域的控制，来明确何时一个音乐想法已经“陈述完毕”或“悬而未决”。 对比与统一的辩证法： 结构的核心在于平衡。本章详细解析如何通过材料的统一性（如重复使用核心节奏或音高集合）来保证连贯性，同时通过形态的变化（如增加密度、改变调性中心）来提供新鲜感。 宏观结构的设计工具： 介绍如何利用“渐强渐弱曲线”（Arch Form）、“回溯结构”（Retrogression）和“线性发展”（Linear Development）等非线性结构模型，来创造超越传统分段的叙事张力。 第六章：音乐的戏剧性：张力与释放的工程学 成功的音乐作品总是有其明确的戏剧弧线。这需要创作者像工程师一样设计声音的起伏。 密度与复杂度的操控： 探讨如何通过增加或减少同时发声的声部数量、音符密度、节奏复杂性以及和声色彩的锐利度，来系统性地构建张力梯度。 动态范围的叙事作用： 分析强弱变化（Dynamics）不仅仅是音量调整，而是情感强度和距离感的体现。如何利用极弱（ppp）到极强（fff）的跨度来标记关键的结构转折点。 高潮点的定位与构建： 学习如何“延迟满足感”。一个有效的高潮点不是简单地把所有元素堆叠起来，而是对之前所有铺垫的逻辑性、强度上的最终释放。本书将提供多种案例分析，展示如何通过节奏的简化或和声的极端化来实现这一目标。 --- 结语：实践、反思与个人语法的形成 本书的最终目标是激发读者发展出属于自己的、基于深刻理解的个人音乐语法。我们强调，理论是地图，但创作才是穿越疆域的旅程。通过对这些基础原理的彻底掌握，创作者将不再受制于任何既定的风格框架，能够自信地将内在的音乐冲动转化为清晰、有力且富于创新的听觉表达。本书提供的工具，旨在帮助创作者不仅知道“如何做”，更要深刻理解“为何如此做”。

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我对这本书的“声音设计与制作基础”部分评价非常高，因为它成功地架起了“创作人”与“制作人”之间的鸿沟。在我的认知里，以前作词作曲就是关起门来写，而录音混音是另一门高深的学问，两者似乎是割裂的。但这本书打破了这种壁垒，它并没有深入到复杂的DAW操作细节，而是从创作人的角度，解释了某些制作选择（比如混响的大小、延迟的反馈率）如何直接影响听众对歌曲情感的接收。比如，它解释了为什么在内省的桥段使用更“干”的声音处理，能立刻将听众拉回演唱者个人的空间感中。书中对于“节奏律动”和“空间感”的论述，让我开始在创作初期就考虑鼓组的选择和贝斯线的行走方式，而不是等到后期混音时才被动补救。这是一种从源头优化作品完整性的思维转变，非常重要，尤其对于希望自己掌控作品全貌的独立音乐人来说，这部分内容是无价之宝。

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说实话，我之前接触过好几本关于音乐理论的书，它们大多像是学术论文，充斥着复杂的术语，读起来枯燥乏味，让人很难坚持到最后。而《歌曲写作基础》的第二版，最让我感到亲切和受用的地方，是它贯穿始终的“实用主义哲学”。作者似乎时刻都在提醒读者：理论是工具，不是束缚。书中每一个概念的引入，后面都紧跟着一个“在实践中如何应用”的问答环节。我个人对其中关于“风格借鉴与自我融合”的讨论印象深刻。它不是鼓励你去抄袭某位大师的套路，而是教你如何拆解你喜欢的歌曲的“DNA”，提取出对你有用的“基因片段”，然后用你自己的情感材料去重组它，形成独一无二的“变异体”。这种开放却有章法的引导，极大地激发了我尝试新颖和声进行、挑战传统结构的勇气。它让我意识到，优秀的歌曲写作，是自由的艺术与严谨的工程学之间完美平衡的产物。

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作为一名在业余时间尝试编曲的爱好者，我最大的瓶颈在于如何将我的“想法”转化为“可执行的音乐结构”。我经常发现自己陷入“万事俱备，只欠东风”的困境——旋律有了，歌词也有了，但歌曲的“骨架”总是显得松散无力，尤其是副歌部分，常常后劲不足。这本书的第三部分，关于“歌曲结构与动态设计”的内容，简直是为我量身定做的。作者对AABA、Verse-Chorus-Bridge这些经典结构的拆解，细致到每一个段落的长度、能量值的分配。他强调的“张力曲线”的概念非常直观，就像爬山一样，你知道什么时候该蓄力，什么时候该冲顶，什么时候需要一个平缓的休息点。我立刻尝试运用他提出的“副歌能量递增法”，在两次副歌之间加入了更密集的对位旋律线，结果效果立竿见影，听众的反应明显更投入了。这本书的价值不在于教你写出“不同”的歌，而在于教你如何写出“结构更扎实、听感更流畅”的歌。

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这本书的封面设计得相当朴实，封面上那支手握着铅笔，笔尖悬停在泛黄的乐谱纸上方，这种意象立刻把我拉回了那个充满了灵感与困惑的创作初期。我记得我第一次翻开它时，主要是想找一些关于“和弦进行”的捷径，毕竟当时脑子里总是有旋律蹦出来，却苦于找不到合适的和声支撑。这本书一开始就非常深入地探讨了调式和功能和声，完全没有那种故弄玄虚的艺术腔调，而是用非常清晰的图表和实例来解释为什么某些和弦听起来“舒服”，而另一些则会产生紧张感。作者对“导向性”的讲解尤其到位，他没有仅仅停留在教授“如何使用七和弦”，而是解释了如何利用悬置音和变化音来为你的乐句制造期待和释放。我特别欣赏其中关于“旋律线逻辑”的那一章，它不像其他教材那样只关注音高和节奏的排列，而是深入到了乐句的呼吸感和叙事性。读完之后，我最大的感受是，创作不再是凭空想象，而是一套可以被理解和实践的语言体系。它让我明白，伟大的歌曲背后，往往隐藏着严谨的结构学支撑。

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坦白说，我购买这本书的初衷，是希望解决我在歌词创作中经常遇到的“词不达意”和“意境漂浮”的问题。市面上很多教作词的书籍，要么过于强调押韵的技巧，要么陷入虚无缥缈的“感觉至上”，让人无从下手。然而，这本《歌曲写作基础》的第二版，在“文本构建”这一块的处理上，展现了惊人的务实性。它没有空谈“灵感”，而是提供了一套“信息密度管理”的方法论。作者用大量的流行歌曲片段作为案例，剖析了如何用最少的词语传达最丰富的情感层次。比如，它对比了直接陈述（“我很伤心”）和象征性描绘（“窗外雨声滴答，我数着时间流逝”）在听觉冲击上的巨大差异。最让我醍醐灌顶的是关于“视角切换”的章节，它教会我如何跳出自我的局限，用角色的眼睛去看待世界，从而让歌词中的画面感和代入感倍增。这本书读下来，感觉就像是上了一堂高级的文学分析课，但所有的理论工具都是为了服务于“如何写出一首能被传唱的好歌”这个核心目标。

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