Nul mieux que Godard pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Cahiers du Cinema Livres

作者:Alain Bergala

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1999-11-09

价格:EUR 21.00

装帧:Broché

isbn号码:9782866422516

丛书系列:

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《Nul mieux que Godard》：一场关于电影、思想与时代的沉思 《Nul mieux que Godard》并非一本传统意义上的电影评论集，也不是一部传记式的作品。它更像是一场深入的对话，一次对一位影坛巨匠——让-吕克·戈达尔（Jean-Luc Godard）——及其创作、思想乃至他所身处的时代的细致梳理与深刻反思。本书旨在探索戈达尔电影宇宙的独特魅力，以及他如何以一种前所未有的方式，颠覆了电影语言的边界，挑战了观众的观看习惯，并与时代思潮产生了千丝万缕的联系。 本书的视角并非局限于对戈达尔作品的简单解读，而是试图勾勒出一个更宏大的图景。我们并非仅仅关注他那些具有里程碑意义的电影，例如《精疲力尽》（À bout de souffle）、《蔑视》（Le Mépris）、《狂人皮埃罗》（Pierrot le fou）等，而是更深入地探究它们是如何在当时的法国新浪潮语境下应运而生，又如何反过来影响了整个电影史的走向。作者将戈达尔的创作视为一种思想实验，一种对现实、对影像、对意义本身的持续追问。 “Nul mieux que Godard”——“无人能比戈达尔”，这句话本身就蕴含着一种复杂的敬意与探究的冲动。它暗示了戈达尔在电影领域的独特性，他的才华、他的视野、他不断革新的精神，使得任何试图模仿或超越他的尝试都显得苍白无力。本书正是围绕着这种“独特性”展开，试图剖析其根源。这不仅仅是对他电影技法的分析，更是对他思维方式、哲学观、以及他对世界独特感知力的挖掘。 全书的结构并非线性叙事，而是通过一系列相互关联的章节，从不同的切面切入，构建起对戈达尔复杂而多维度的理解。例如，本书会探讨戈达尔如何从文学、哲学、艺术等多个领域汲取养分，并将这些跨学科的思考融入到他的电影叙事和视觉风格之中。他从法国思想家那里获得的灵感，他对马克思主义的理解，他对革命性电影语言的追求，都将成为本书梳理的重点。 此外，戈达尔与他所处的时代，尤其是1960年代的法国社会变迁，有着密不可分的联系。他对学生运动、政治动荡、社会思潮的敏感与回应，都深刻地烙印在他的作品之中。本书将尝试揭示戈达尔的电影是如何成为时代精神的折射镜，又是如何以其激进的姿态，对当时的社会现实发出挑战与质疑。他不仅仅是时代的观察者，更是时代的参与者，他的电影是他在那个动荡年代发出的独特声音。 本书并非为戈达尔的信徒们写下的赞歌，而是为所有对电影艺术、对思想深度、对时代精神感兴趣的读者所准备的。它鼓励读者以一种批判性的眼光去审视戈达尔的作品，去理解他创作的复杂性，去感受他电影中蕴含的力量。书中会涉及他对传统叙事结构的颠覆，他对剪辑、声音、画面的革命性运用，以及他如何通过这些手段来唤醒观众的思考，而非简单地迎合他们的观看习惯。 《Nul mieux que Godard》的核心，在于其对“观看”这一行为本身的探讨。戈达尔的电影迫使我们重新审视我们是如何观看的，我们是如何理解影像的，以及影像又如何塑造着我们对世界的认知。他质疑电影的“真实性”，挑战“观看”的被动性，鼓励观众成为一个更积极、更具批判性的思考者。这种对观看的解构与重塑，是戈达尔电影最深刻的影响之一。 本书还将触及戈达尔晚年创作的转型。他的电影风格在不同时期经历了显著的变化，从早期的新浪潮标志性风格，到后来更为实验性、碎片化的影像探索。本书将尝试理解这些变化背后的动因，以及它们如何体现了他对电影语言和思想表达的持续探索。即便是在晚年，戈达尔也从未停止对电影艺术的可能性进行大胆的实践。 总而言之，《Nul mieux que Godard》是一部邀请读者走进戈达尔思想深处的旅程。它不是一篇篇独立的影评，而是一个有机的整体，旨在呈现戈达尔作为一位艺术家、一位思想家、一位时代标志的复杂肖像。通过对他的作品、他的思想、他的时代背景的深入剖析，本书希望能够激发读者对电影艺术更深层次的理解，对思想的探究，以及对我们所处时代的更敏锐的感知。这是一次关于电影的极致探索，一次关于思想的深刻对话，一次关于时代的生动回响。

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这本书的封面设计简直是一场视觉的盛宴，那种深邃的蓝与突兀的亮黄撞在一起，仿佛直接把我拉进了那个充满矛盾与张力的法兰西新浪潮的年代。我一开始是被那种老电影海报的质感吸引的，拿到手里，厚实的纸张和精良的印刷，让人忍不住想立刻翻开。它不是那种轻飘飘的畅销书，更像是一件值得收藏的艺术品。内页的排版也极为讲究，留白的处理非常到位，让文字在视觉上得到了呼吸的空间，读起来一点也不觉得拥挤。特别是那些早期剧照的插页，黑白分明的颗粒感，配合着精准的对位，简直就是教科书级别的影像叙事展示。这种对物理实体的尊重，在如今这个电子阅读日益盛行的时代，显得尤为珍贵。它不仅仅是内容信息的载体，它本身就是一种宣言，一种对电影美学和物质载体的致敬，让人对作者在处理这些视觉元素上的匠心独运感到由衷的赞叹。

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我花了整整一个周末的时间，才算是把这本书的绪论部分啃完，那种密度，简直让人仿佛置身于一个知识的迷宫，每走一步都需要极其谨慎。作者的行文风格极其跳跃，他似乎并不在乎读者的线性理解习惯，而是更倾向于通过大量的引述、交叉参照和看似不经意的哲学思辨，来构建他庞大的理论体系。初读时，我时不时需要停下来，查阅那些被提及的艺术家或理论家的名字，否则很容易就跟不上他那发散性的思维链条。这种阅读体验，与那些娓娓道来的传记文学截然不同，它更像是在解构一部极其复杂的电影蒙太奇，充满了断裂感和暗示性。然而，一旦你适应了这种节奏，那种豁然开朗的瞬间，那种在看似无关的段落间建立起深刻联系的快感，是无与伦比的。这本书要求你投入的不仅仅是时间，更是智力上的全部能量。

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坦白说，这本书的语言风格，初看之下，会让人感到一种刻意的疏离感，仿佛作者在刻意拉开与读者的距离，用一种近乎冷酷的、学术性的词汇来包裹那些原本可以更热烈表达的情感。它大量使用了德语或意大利语的术语，并且很少做详细的注解，这对于非专业读者来说，无疑是一个巨大的门槛。我甚至一度怀疑，作者是否真的希望“大众”来阅读它，还是仅仅将其视为一种精英圈子内部的知识交流。但是，当我强迫自己沉浸其中，去理解这些专业词汇背后的精确含义时，我发现这种“冷酷”恰恰是作者保持其分析纯粹性的必要盔甲。它避免了廉价的情感煽动，让一切的判断都建立在坚实的结构之上，这种冷静的剖析，反而最终带来了一种更深层次的、更经久不散的敬畏感。

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这本书的结构组织，简直像一个精密的瑞士钟表，每一个齿轮——无论是关于美学理论的章节，还是对具体作品的个案分析——都必须完美契合，才能驱动整体的运行。我特别欣赏作者在章节之间穿插的那些简短的“侧记”，它们往往只有寥寥数语，却如同强效的兴奋剂，将之前积累的晦涩理论瞬间点亮。这些侧记仿佛是作者在记录下某个突然降临的灵感瞬间，它们非线性地打乱了原有的叙事逻辑，却又奇妙地强化了主题的中心思想。阅读过程中的体验，就像是在一个巨大的图书馆里寻找线索，你必须不断地在不同的书架间穿梭，时而专注于一个细节的放大，时而跳跃到另一个宏大的背景下进行比对。这种需要主动参与和重构的阅读方式，是它最大的魅力所在，因为它要求你成为这段旅程的共同创造者，而非被动的接收者。

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这本书最让我感到震撼的，是它对“缺席”的捕捉能力。它似乎总是在谈论那些没有被明确说出来的东西，那些隐藏在镜头之外的沉默，那些角色眼神中一闪而过的犹豫。作者对于氛围的营造，简直到了令人发指的地步，他能用几句看似平淡的描述，让你闻到巴黎潮湿的街道气味，感受到那种战后一代人特有的疏离感和叛逆精神。我读到其中关于某段场景的分析时，几乎可以想象出摄影机是如何架设的，光线是如何被精确控制的。这种对“在场”与“缺席”之间微妙张力的探讨，远超出了普通影评的范畴，它上升到了一种本体论的层面，探讨的是观看行为本身，探讨的是影像如何构建现实，又如何逃离现实。这让我重新审视了自己以往观看那些经典片段时的肤浅理解，发现自己错过了太多潜藏的诗意。

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