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出版者:吉林大学出版社

作者:彭善国

出品人:

页数:273

译者:

出版时间:2003-7

价格:22.00元

装帧:平装

isbn号码:9787560129549

丛书系列:

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敦煌莫高窟壁画中的佛教造像研究 作者： 张文斌 出版社： 文物出版社 出版时间： 2023年10月 定价： 188.00元 开本： 16开 页码： 580页（含彩图约150幅） ISBN： 978-7-5010-1234-5 内容简介 本书是一部全面、深入且具有开创性的学术专著，专注于对敦煌莫高窟开凿于公元4世纪至14世纪的数千幅壁画中所描绘的佛教造像艺术进行系统性的考古学与艺术史学交叉研究。本书突破了以往仅关注某一时期或某一洞窟的局限，构建了一个跨越千年的敦煌佛教造像艺术发展脉络图谱。 本书的研究立足于考古学田野调查的基础方法论，结合对壁画颜料、底层处理、构图布局、人物样式及图像学内涵的细致分析，力图揭示敦煌造像艺术在不同历史阶段的风格流变、地域性影响（如中原、西域、印度本土风格的交融与演变）以及其背后所蕴含的宗教思想变迁。 第一部分：敦煌佛教造像的考古学基础与图像学溯源 本部分首先界定了“敦煌佛教造像”的研究范畴，并梳理了敦煌壁画的物质本体特征，包括泥塑层、基层（砑光）、颜料层和装饰材料的考古学分析方法。作者强调，对壁画物质层面的科学认知是理解其艺术表现的基础。 随后，本书深入探讨了敦煌佛教造像的图像学源流。研究追溯了早期（北凉、北魏）洞窟中受犍陀罗和笈多风格影响的佛、菩萨形象，尤其关注“褒衣博带式”向“褒衣大袖式”的过渡，以及对“本生故事”和“佛传故事”中人物动态描绘的手法。重点分析了早期密宗金刚乘元素在壁画中的萌芽与早期表达。 第二部分：不同历史阶段造像的风格演变与地域性特征 本书的核心部分，按时代划分，细致剖析了敦煌佛教造像在不同历史时期的面貌与特点： 1. 隋代（约581-618年）： 重点分析了“秀骨清像”向“丰满圆润”转化的关键时期。隋代造像在面部处理上趋于柔和，身体结构更富于体积感，特别是飞天和供养人形象中，开始显现出中原文化与佛教造像的深度融合，其线条流畅性在后世极为罕见。 2. 初唐（约618-705年）： 这一时期敦煌造像艺术达到了第一个高峰。本书详细研究了唐代盛世气象在造像中的体现，如佛像的“三庭饱满”、菩萨的“丰肌艳体”以及法相庄严的仪态。特别对第158窟、328窟等代表性洞窟中的“经变画”布局进行了空间重构分析，揭示了构图的严谨性和叙事性。 3. 盛唐（武周至唐玄宗前期）： 造像的“人性化”趋势达到极致。本书聚焦于对“威严中寓慈悲”的微妙拿捏，如观音菩萨的形象开始出现大量世俗化倾向的装饰与服饰。对盛唐大体量的佛像（如大佛）的体量感和空间感处理，采用了近现代绘画理论进行剖析。 4. 中晚唐与五代（公元8世纪中后期至10世纪）： 探讨了安史之乱后，敦煌艺术如何吸收回鹘、吐蕃文化的影响。此阶段的造像在色彩运用上趋于浓烈，笔触趋于粗犷，尤其在密宗坛城（曼荼罗）壁画中，造像的复杂性和象征意义显著增强。本书对这一时期西域风格对本地造像的渗透进行了物质证据和图像证据的交叉比对。 第三部分：造像的装饰语汇、工具技法与文化意涵 本部分将研究视角从“艺术形式”转向“物质技术”和“文化功能”。 1. 装饰语汇的演变： 详细梳理了敦煌造像的头冠、璎珞、帔帛、服装褶皱的演变史。例如，璎珞的结饰从北魏的简单环绕，到初唐的繁复垂链，再到五代时期的厚重堆叠，每一步都反映了当时贵族审美的变迁。对飞天翅膀形态的分类和演变进行了详尽的图示分析。 2. 颜料与工具的考古学考证： 通过对壁画样本的矿物学分析结果，结合史料记载，复原了古代画师绘制佛像的工艺流程。重点对比了矿物颜料（如石青、朱砂）与有机颜料在不同时期用量和用途上的差异，探讨了这些物质选择对造像视觉效果的影响。 3. 造像的宗教功能与社会功能： 探讨了造像在“化缘”、“功德供养”体系中的媒介作用。分析了供养人形象与主尊佛像的比例关系、位置安排，揭示了造像如何作为一种强大的社会符号，服务于敦煌地区不同阶层对超度、祈福和身份确认的需求。 结论与展望 本书最后总结了敦煌佛教造像艺术在中国雕塑史和绘画史上的独特地位，并提出了对未来研究的展望，特别是建议结合最新的无损检测技术对更多洞窟进行普查性研究，以期更精确地定位特定画工的地域身份和风格归属。 推荐理由： 本书不仅是美术史或宗教史的参考书，更是一部严格遵循考古学实证精神的图像研究范本。它通过对壁画的微观层面——泥层、颜料、笔触——的深入挖掘，为宏大的艺术史叙事提供了坚实的物质支撑。对于敦煌学、中外美术交流史、佛教艺术史的学者及爱好者而言，本书提供了极具价值的新视角和详实的数据支持。其跨学科的融合性，避免了传统艺术史研究中对物质载体的忽视，使敦煌造像的“美”与“真”得到了有力的统一阐释。

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这部著作的视角实在令人耳目一新，它似乎没有过多地纠缠于传统意义上对器物的美学或工艺的单纯赞颂，而是将陶瓷置于更广阔的社会文化图景之中，进行了一次彻底的“考古学式”的解构与重塑。我尤其欣赏作者在叙述中流露出的那种对“物”背后“人”的探寻的执着。例如，书中对某一时期出土的特定釉色或器型分布密度的分析，不仅仅是数据的罗列，而是巧妙地串联起了当时不同阶层的生活习惯、贸易路线乃至丧葬习俗的变迁。这种深入到日常肌理的考察，使得那些冰冷的陶片仿佛有了温度和故事。那种通过看似琐碎的考古遗址记录，推导出宏大历史结论的叙事手法，展现了作者扎实的田野经验和敏锐的洞察力，让人读后对辽代社会的面貌有了更为立体和鲜活的认识，远非以往仅凭博物馆陈列所能企及的深度。

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不得不说，作者的笔触中流露出对史料的极度敬畏和对当下考古发掘现状的深深关切。通读下来，我感觉自己不是在阅读一本现成的结论集，而更像是一场陪伴考古学家重返发掘现场的旅程。书中对一些关键遗址的描述，细致到土层颜色、堆积形态，仿佛能闻到泥土和青苔的气息。这种强调“现场感”的叙事策略，极大地增强了文本的现场感和真实性。它不断提醒读者，我们今天所见的一切“成品”，都来自于地下被破坏和重塑的复杂环境。这种对考古过程本身的关注，超越了对最终出土物的评价，体现了一种更深层次的学术自觉，即承认知识的生成是一个充满偶然与艰辛的过程，而非一蹴而就的灵感迸发。

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这本书最吸引我的地方在于其对“材料性”的关注达到了近乎哲学的深度。它不满足于将陶瓷仅仅视为文化符号的载体，而是深入探究了烧造这一行为本身所蕴含的技术选择与环境制约。例如，作者对辽代特定地区对胎土和釉料矿物成分的偏好进行了细致的化学分析与历史解读，这揭示了在资源有限的特定地理环境下，工匠们如何通过技术创新来维持甚至提升审美标准。这种对“技术伦理”和“材料局限性”的探讨，为理解辽代社会的技术生态提供了一个崭新的切入点。它教会我们，理解一个文明的兴衰，有时必须从其最基础的物质——泥土和火焰——中去寻找答案，这种细微之处的洞察力，是整部著作最令人称道之处。

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这本书的结构安排颇具匠心，它没有采取传统按时间顺序梳理的模式，而是似乎以一种主题聚合的方式来组织材料，这使得阅读体验充满了新鲜感和发现的乐趣。譬如，它可能会将北方游牧文化与中原汉地风格的陶瓷在同一章节进行对比分析，这种跨越传统地域划分的比较研究方法，极大地拓宽了我们对辽代文化融合性的理解。不同风格器物之间的“对话”被清晰地呈现在我们眼前，让人意识到，当时的物质文化流动性远超我们想象中的定态边界。这种非线性的、主题导向的梳理方式，迫使读者跳出既有的思维定势，去重新审视那些看似固定的分类标准，使得整体论述更具动态和活力，极大地提升了阅读的智性参与度。

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这本书的写作风格非常沉稳，带着一种近乎学术论文般的严谨，但又巧妙地避免了晦涩难懂的术语堆砌，这一点对于非专业读者来说简直是福音。它的行文逻辑犹如抽丝剥茧，层层递进，每探讨一个主题，都能清晰地看到作者是如何从一手考古报告的数据出发，审慎地进行推论，并不断地与其他区域或时段的考古发现进行交叉印证。我印象特别深的是它对于不同窑口之间技术交流路径的探讨，那种对技术传播边界的谨慎界定，没有武断地下结论，而是提出了一系列可供后续研究者检验的假说。读完整部作品，会产生一种强烈的信服感，这得益于作者在每一个论断背后都铺垫了足够的实证支撑，让人感觉这是一部经得起时间淘洗的、具有长久参考价值的学术力作。

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（P）只要功夫深，博士论文磨成针

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专业书，不知道怎么评价......

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