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出版者:Thames & Hudson

作者:Christiane Paul

出品人:

页数:256

译者:

出版时间:2008-10-27

价格:USD 19.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780500203989

丛书系列:

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《数字艺术：穿越像素的奇幻之旅》 本书并非一本关于“数字艺术”这一概念本身的发展历程、技术演进或是市场分析的学术著作。它更像是一扇窗，一扇通往由无数像素构筑的、充满想象力与生命力的奇幻世界的窗。在这里，色彩不再受限于颜料的黏稠度，线条的流畅度可以超越手指的局限，而构图的自由度更是可以打破物理定律的束缚。 我们将一同踏上一段非同寻常的旅程，这段旅程并非从某个固定的起点开始，也无明确的终点。它更像是一系列精心编织的梦境，每一个篇章都独立而又相互关联，共同勾勒出一种超越传统边界的视觉体验。书中不会充斥着冰冷的技术术语，也不会深入探讨软件操作的每一个细枝末节。相反，它聚焦于那些最终呈现在屏幕上的、或是在数字画布上绽放出的，令人心动、引人深思的艺术作品。 想象一下，那些在黑暗中闪烁的霓虹灯，不仅仅是点缀，它们是艺术家情绪的宣泄，是都市脉搏的跳动；想象一下，那些在虚拟空间中耸立的建筑，它们并非钢筋水泥的集合，而是对现实空间的一次大胆颠覆，是对未来生活方式的一次温柔畅想。本书将带你走进这些由创造者们亲手打造的“新大陆”，去感受他们如何运用数字的语言，书写属于自己的故事。 每一幅作品，都可能是一场无声的电影，叙说着人类的情感，探讨着社会的议题，或是纯粹地展现着对美的极致追求。我们不会去分析作者使用了何种滤镜，或是调整了怎样的饱和度，而是去感受那光影的交错如何触动心灵，那色彩的碰撞如何激荡情绪，那形体的扭曲如何引发思考。本书鼓励读者以一种更加开放、更加感性的视角去“阅读”这些数字图像。 你会遇到在赛博朋克风格的街道上游走的神秘人物，他们的眼神中透露着对未来的迷茫与期待；你会发现那些隐藏在奇幻森林深处的古老生物，它们身上流淌着神话的血液，散发着远古的智慧。这些形象，或是由精心绘制的2D插画构成，或是由三维建模软件雕琢而成，它们共同构建了一个个令人惊叹的叙事场景。 此外，你还会瞥见那些以抽象为表达方式的作品，它们如同音乐的视觉化，用纯粹的色彩和形式，传递着作者内心深处的律动与情感。这些作品可能不具备明确的具象指向，却能唤起观者内心深处最原始的共鸣。它们证明了，艺术的语言可以如此纯粹，如此直接。 书中收录的作品，将涵盖从细腻的人物肖像到磅礴的科幻场景，从富有象征意义的抽象画到充满故事性的插画。这些作品来自世界各地的艺术家，他们用自己的独特视角和技艺，为我们展现了数字媒介所能承载的无限可能。我们希望通过这些多元化的展示，能够激发你内心深处对于创造的渴望，让你看到，只要拥有想法，任何媒介都可以成为表达的工具。 这是一本关于“看见”的书。看见那些隐藏在像素背后的热情，看见那些在屏幕上跳跃的灵感，看见那些由人类想象力创造出来的、超越现实的美丽。它鼓励你不仅仅是用眼睛去观看，更是用心灵去感受。它提供的是一种体验，一种沉浸，一种对未知视觉世界的探索。 正如每一个伟大的故事都需要一个引人入胜的开端，这本书也将以一系列精心挑选的、能够瞬间抓住你眼球的作品作为序章。它们如同一个个精心雕琢的宝石，闪耀着独特的光芒，预示着接下来的旅程将充满惊喜。 最后，这本书并非旨在教授你如何成为一名数字艺术家，而是希望成为你与数字艺术世界之间的一座桥梁。它邀请你一同漫步在这片由创意点缀的土地上，去发现、去欣赏、去感受那些由数字媒介催生的、令人叹为观止的艺术奇迹。愿你在翻阅的过程中，能够找到属于自己的那份灵感与感动。

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这本书给我的感觉是，它在试图为“数字艺术”这个包罗万象的领域树立一个清晰的坐标系。它避免了那些浮夸的、鼓吹“颠覆一切”的调子，而是以一种近乎学术的严谨性，梳理了数字创作从诞生至今的技术演变和社会接受度的历史脉络。我尤其欣赏作者在处理“交互性设计”这一部分时的细腻。他详细分析了早期互动装置艺术的设计哲学，如何将观众从被动的观看者转变为主动的参与者，并批判了当前许多流媒体平台上的“伪互动”——那些仅仅是预设分支的叙事，本质上仍是线性的。作者深入探讨了“用户界面（UI）”作为一种新的艺术形式的可能性，它不再是工具的附属品，而是艺术表达本身。书中引用的案例非常具有代表性，横跨了实验电子音乐的视觉同步到复杂的建筑可视化项目，展示了数字媒介在空间和时间维度上的延展性。文字风格非常沉稳，带着一种老派学者的风范，阅读起来需要一定的专注力，但每一次深度的理解都会带来巨大的满足感，仿佛解开了一个复杂的视觉谜题。

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这本书的封面设计简直让人眼前一亮，那种深邃的蓝色调配上跳跃的霓虹色线条，立刻就抓住了我的眼球。我原本以为这会是一本侧重于技术操作手册的指南，结果翻开扉页才发现，它更像是一场深入人心、关于“数字创作的本质”的哲学探讨。作者在开篇就抛出了一个极具挑战性的观点：工具的进步，是否正在削弱艺术家的直觉？接下来的篇幅里，他没有过多纠缠于Photoshop或Procreate的最新功能，而是将重点放在了“光影的模拟与重构”上。特别是关于色彩理论那一章，简直是醍醐灌顶。他没有用枯燥的色轮定义，而是通过分析文艺复兴时期湿壁画的光照条件与当代LED屏幕的自发光特性之间的根本差异，来阐述数字媒介对人类视觉感知的微妙影响。我记得有一个案例分析，对比了两种媒介下表现“金属反光”时的心理学差异，那段论述极其细腻，仿佛能触摸到屏幕上那冰冷的材质感，又似乎能感受到传统油画颜料的厚重堆叠。这本书的叙事节奏很舒缓，文字的密度恰到好处，不会让人感到压迫，更像是在一位饱经风霜的艺术家工作室里，听他娓娓道来创作中的心路历程。它成功地让我跳出了日常“如何画”的困境，转而思考“为什么这样画”的深层动机，对于一个长期在数字界面前工作的人来说，这种反思的价值是无可估量的。

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我拿到这书时，正处于一个创作瓶颈期，对自己的作品感觉审美疲劳。这本书的视角非常独特，它没有直接告诉我“如何创新”，而是通过解构“什么是美学上的永恒性”。作者似乎对经典艺术作品有着极深的理解，他反复使用“形式的张力”和“留白的空间”这些概念来衡量当代数字作品的价值。在讨论“动态图像”时，他对比了早期动画片的手绘运动规律与现代CGI运动轨迹之间的微妙差异，指出了数字运动中往往缺失的那种“重量感”和“不确定性”，这种不确定性恰恰是手工创作的魅力所在。这本书的排版设计本身也极具匠心，虽然内容是严肃的理论探讨，但页边距的处理、字体和行距的选取，都透露出对阅读体验的尊重，让人愿意长时间沉浸其中。最让我惊喜的是，它用相当大的篇幅讨论了“数字遗产的保存问题”，探讨了过时的文件格式和硬件迭代对未来艺术史研究的潜在威胁。这本书与其说是一本关于数字艺术的指南，不如说是一份献给未来艺术史学者的重要田野调查报告。

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说实话，我是在一个朋友的强烈推荐下，抱着试试看的心态买下这本的，毕竟市面上关于“数字艺术”的书籍汗牛充栋，大部分都在教你如何使用某些软件的滤镜或者笔刷预设，读起来像是在翻阅一本电子词典。但这本书完全不一样，它根本就不是一本工具书，它更像是一本视觉人类学的研究报告。作者的笔触非常犀利，他毫不留情地剖析了当下流行艺术风格背后的商业驱动力，尤其是在探讨“赛博朋克美学”的泛滥时，他指出了这种风格在过度饱和后，如何从最初的反叛精神异化为一种可供快速消费的视觉符号。我特别欣赏他跨学科的论证方式，他会引用媒介理论家的观点来分析动态图形的设计，也会借助心理学的认知负荷理论来评价复杂界面布局的有效性。其中关于“非物质性创作”的章节令我印象深刻，探讨了NFT和区块链技术对数字作品所有权和“原作感”的冲击，这部分内容探讨得非常深入且不带偏见，没有被时下的热点裹挟，而是理性地分析了其技术对艺术生态的结构性影响。阅读过程中，我时常需要停下来，不仅仅是因为文字的复杂，更是因为作者引导我重新审视自己过去创作的许多盲点和惯性思维。

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我是一个偏爱写实主义油画背景的创作者，对数字绘画一直抱有一种敬而远之的态度，总觉得隔着一层屏幕，少了点“气”。然而，这本书却成功地弥合了这种隔阂。它没有试图将数字艺术抬高到超越传统媒介的地位，而是将两者放在一个平等的对话平台上进行比较。作者用了一种非常生动且富有画面感的语言来描述数字绘画中的“笔触感”——他将其定义为“光栅对时间的编码”。这种描述让我耳目一新，原来我们所认为的数字线条，本质上是对时间流逝的一种精确记录。书里有一部分专门探讨了“数字修复与失真”的美学价值，探讨了当图像被无限放大或压缩时，像素点的偶然聚合如何产生出一种意料之外的“数字锈蚀感”，这与传统绘画中的“岁月痕迹”有着异曲同工之妙。整本书的结构安排非常巧妙，从宏观的媒介理论，逐步收束到微观的像素层面，再发散到观众的感知体验，层层递进，逻辑严密得像一个精密的钟表。读完后，我对数字画布的态度从单纯的技术操作，转变为一种更加尊重其内在规律的伙伴关系。

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史料类读物

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