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页数:125

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出版时间:2009-6

价格:39.50元

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isbn号码:9787531033714

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• 服装设计
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《探寻文艺复兴的艺术思潮》 本书旨在深入剖析文艺复兴时期在欧洲思想、艺术、科学等领域所掀起的伟大变革及其深远影响。我们不聚焦于服饰艺术的细节描摹，而是将目光投向那段人类文明由中世纪的桎梏中挣脱，迈向理性与人文主义光辉的转折点。 第一部分：文艺复兴的哲学基石——人文主义的崛起 文艺复兴并非一夜之间的突变，而是建立在一系列深刻的哲学转变之上。本部分将详细梳理人文主义思想的起源与发展脉络。我们首先考察彼特拉克、薄伽丘等早期人文主义者如何从古典希腊罗马的文献中汲取智慧，重新确立“人”在宇宙中的中心地位。 不同于中世纪神学对彼岸世界的过度关注，文艺复兴的人文主义者强调现世生活的美好与价值。我们将分析洛伦佐·瓦拉对拉丁文文献的批判性研究，展示理性精神如何开始挑战既有的教条体系。核心内容将围绕“以人为本”的理念如何渗透到教育、政治哲学乃至日常伦理之中。 特别地，我们会探讨“人是万物的尺度”这一观念在当时社会结构中的具体体现。这包括对个体潜能的空前重视，以及对古典美德如“Virtù”（能力、德行）的推崇——这是一种积极入世、掌控自身命运的力量。本章不会涉及任何关于服装构造或材料学的讨论，而是完全聚焦于思想史的演变。 第二部分：视觉艺术的革命——透视法与古典复兴 文艺复兴时期的艺术，是其哲学思潮最直观的体现。本部分将深入研究绘画和雕塑领域的技术与美学突破，这些突破完全围绕着对自然、人体和空间关系的理性把握。 1. 空间的构建：线性透视法的发现与应用。 我们将详细解析布鲁内莱斯基在佛罗伦萨大教堂圆顶设计中展现出的几何学天赋，以及阿尔伯蒂在其《论绘画》中对线性透视法（Linear Perspective）的系统化总结。透视法不仅仅是一种绘画技巧，它象征着人类试图用数学的精确性来量化和控制视觉经验的努力。书中将配以大量建筑和画作的结构分解图，分析消失点、视平线等概念如何构建出一个稳定、可测量的三维空间。 2. 人体的赞美：解剖学与理想化的平衡。 艺术家们（如达·芬奇、米开朗基罗）对人体解剖学的兴趣达到了前所未有的高度。这种兴趣源于对生命力的尊重和对古典雕塑标准的回归。本章将分析米开朗基罗的《大卫》如何将古典的理想美与现实的人体力量完美结合，探讨艺术家们如何通过精确的解剖知识来表现人物的内在情感和精神状态，而不是仅仅停留在外在的模仿上。 3. 光影的运用与情感的表达。 我们将分析乔尔乔内和提香对“晕染法”（Sfumato）和色彩的创新使用。这些技法使得画面中的过渡更加柔和自然，赋予人物内心世界以更丰富的层次感。这些艺术探索的焦点在于如何通过视觉媒介传达人的复杂心境，完全不触及现代服饰设计中的色彩搭配或款式演变。 第三部分：知识的传播与科学精神的萌芽 文艺复兴不仅是艺术的复兴，更是知识获取方式的革新。本部分关注印刷术的普及以及新兴的科学思维对世界观的冲击。 1. 古腾堡革命与知识民主化。 活字印刷术的发明是文化传播史上的一个里程碑。我们将探讨印刷术如何使得学术著作、古典文献得以大规模、低成本地复制和流通，极大地促进了学者间的交流，加速了新思想的传播速度，从而打破了教会和少数精英对知识的垄断。本书将分析早期印刷品的内容构成，而非讨论印刷技术本身在纺织品上的应用。 2. 观察与实验：早期科学思维的奠基。 达·芬奇的笔记展示了一种跨学科的研究方法——将艺术观察与机械原理、生理结构分析相结合。虽然他并未建立完整的科学体系，但其对直接观察自然现象的坚持，为后来的伽利略等人的实验科学铺平了道路。本章会重点分析他对手稿中机械装置、水流动力学的记录和推演，展示理性分析如何应用于对自然现象的理解。 第四部分：政治哲学的重塑——从理想国到现实政治 文艺复兴时期，对理想社会和有效统治的思考也经历了深刻的转变。 1. 尼科洛·马基雅维利的现实主义。 本章将集中讨论《君主论》所代表的政治思想的断裂。马基雅维利将政治学从伦理学的束缚中解放出来，探讨权力如何获取、维持和运用。我们将深入分析“目的证明手段的合理性”背后的历史语境，考察他对罗马共和制的推崇，以及他如何将国家利益置于传统道德之上。 2. 乌托邦思想的先声。 与马基雅维利的现实主义相对，托马斯·莫尔的《乌托邦》则描绘了一个基于理性与公有的理想社会模型。本书将对比这两种不同的政治构想，分析它们如何反映了文艺复兴时期人们对当下社会弊病的不满，以及对更公正、更合理社会秩序的渴望。 结语：遗泽与启蒙的桥梁 《探寻文艺复兴的艺术思潮》旨在全面梳理一个伟大时代的精神面貌，展示其如何通过哲学、艺术和科学的全面觉醒，为随后的宗教改革和启蒙运动搭建了不可或缺的桥梁。全书内容严格限定于思想史、艺术史和政治哲学的范畴，力求为读者提供一个清晰、深邃的文艺复兴全景图。

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老天，这本书拿到手里，我差点以为自己买到了一本关于“色彩心理学与面料张力”的专著，完全跑偏了！我期待的是什么？是充满灵感的版型图、是精美的面料小样对比，或者是如何驾驭当季流行趋势的实战指南。结果呢？这本书的大部分篇幅都在喋喋不休地讨论纤维的微观结构如何影响光线的折射，进而影响观者对“奢华感”的主观判断。有一章的内容，足足写了三十页，深度分析了丝绸在不同湿度下的弹性模量变化，以及这如何与特定社会阶层对“易逝美”的追求相契合。我承认，从科学角度看，这些内容无比严谨，作者似乎拥有材料学博士学位。但是，作为一名想要提升自己设计作品美感的实践者，我更需要的是如何让裙摆在行走时更有动态美，而不是研究纤维素分子链的排列顺序！读完后我只记住了“湿度影响光泽度”，至于如何用这个知识点来做出惊艳的设计，书中只字未提，让人抓耳挠腮，急得直跺脚。

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这本书的装帧设计本身就散发出一种浓厚的、仿佛来自上个世纪三十年代的复古气息，那种厚重的纸张和略微泛黄的内页，让人感觉这不是一本新书，而是一件刚从古董箱里翻出来的珍藏品。然而，内容上，它完全没有给我带来任何关于“女装”的直观感受。我本来以为会看到各种精美的草图，或者至少是关于如何平衡身体比例的视觉辅助。但事实上，这本书更像是一部关于“女性身体意象在后现代语境下的解构与重塑”的学术论文集。作者大量引用了福柯的权力理论，试图证明服装设计领域中那些看似“美观”的准则，实际上都是被父权社会建构出来的视觉陷阱。读起来，我感觉自己不是在学习设计，而是在参加一场冗长的高级哲学研讨会。每翻过一页，我都需要停下来，深吸一口气，努力消化那些晦涩难懂的理论术语。如果读者期待从中找到任何关于如何缝制一个漂亮的领口或选择合适的纽扣的技巧，那他/她将会大失所望，这本书里只有无尽的思辨和对既定规则的颠覆性质疑。

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我必须坦白，这本书的阅读体验极其不稳定，忽高忽低，让人摸不着头脑。前半部分，它简直是一本关于“全球供应链与可持续时尚的伦理困境”的深度调查报告，数据详实到令人发指，里面列举了从孟加拉到越南的成衣工厂的工人待遇和环境影响评估，读起来像是在看一部严肃的纪录片。我当时想，也许这是现代设计师必须具备的社会责任感吧。但是，当我翻到中间部分，画风突然一百八十度大转弯，它变成了一本关于“异域文化中色彩象征意义的跨文化比较研究”，其中竟然有一大段篇幅在对比西藏的经幡颜色和印加帝国的织物色谱，这与我理解的“女装设计”之间，隔着一片广袤的海洋。我期待的是关于如何运用色彩来烘托女性气质，而不是沉浸于人类学家的田野考察报告。这种内容上的跳跃性，使得我始终无法建立起一个完整的知识体系，阅读的连贯性几乎为零。

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这本《女装设计》……说实话，拿到手的时候，我内心是有点忐忑的。我原本以为这会是一本偏向学院派的、图文并茂的教科书，毕竟“设计”二字摆在那里。然而，真正翻开后，我发现它更像是一本深埋在历史长河中的手稿合集，充满了不加修饰的、原始的创作冲动。它的重点似乎完全不在于教你如何打版或使用最新的CAD软件。相反，作者似乎更沉迷于探索服装作为一种社会符号的变迁。书中用了大量的篇幅去分析文艺复兴时期服饰中权力结构的表达，以及二战后“新风貌”对于女性解放思潮的微妙反作用。我记得其中有一章专门讨论了哥特式建筑对19世纪末期褶皱处理的影响，那简直是跨学科的奇思妙想，让我这个纯粹的服装爱好者都感觉知识的边界被无形地拓宽了。它探讨的更多是“为什么”穿成这样，而不是“怎么做”成这样。对于追求快速技能掌握的读者来说，这本书可能显得晦涩难懂，需要极大的耐心去消化那些历史的尘埃和哲学的思辨。它不是工具书，更像是一场漫长而深刻的文化之旅，偶尔会让你在某个古老的欧洲宫廷与现代都市的T台之间迷失方向。

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说实话，这本书的标题《女装设计》可能具有很强的误导性，如果让我来重新命名，我可能会称之为《服装历史中被边缘化的叙事与未完成的剪影》。它的结构非常松散，仿佛是作者多年来散落在各地的工作笔记的随机汇编。你永远不知道下一页会跳到哪里去：前一页还在热情洋溢地描述上世纪二十年代的香奈儿如何解放女性的腰线，下一页却突然跳跃到中世纪欧洲修女服饰的象征意义及其对现代极简主义的影响。这本书中几乎没有出现任何实用的设计流程图或步骤分解。它更像是一部充满个人情感色彩的“回忆录”，作者似乎在用一种近乎诗意的语言，缅怀那些逝去的、未被主流时尚界充分认可的服装风格。我读到一些关于某个不知名法国裁缝的轶事，那些描述充满了画面感，但对于提升我自身的“设计技能”而言，除了增加一点谈资外，别无他用。它更适合那些对服装史有极高学术兴趣的钻研者，而非寻求实际操作指南的爱好者。

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