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页数:121

译者:孙菲 注释

出版时间:2009-10

价格:19.80元

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isbn号码:9787115211743

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《时光的拓印者：胶片摄影的艺术与技艺》 内容简介 本书深入探索了胶片摄影这一经典而迷人的艺术形式，旨在为所有对光影、化学显影以及影像的物理质感抱有热忱的爱好者提供一份详尽的指南与灵感的源泉。我们暂别数码处理的即时性与无限可能，回归到光线与化学反应交织而成的真实世界，重温那些需要耐心、精确和深刻理解的摄影哲学。 第一部分：胶片世界的回归与哲学基石 本章首先勾勒出胶片摄影在当代数字浪潮中的独特地位与不朽魅力。我们探讨了为什么许多顶尖的摄影师和艺术创作者依然钟情于胶片——那种独有的颗粒感、宽容度下微妙的影调过渡，以及冲洗过程中不可预测却又充满惊喜的化学反应所带来的“手工感”。 胶片的物理与化学基础： 详细解析了不同类型胶片（黑白、彩色反转片、彩色负片）的结构，包括基质、卤化银晶体与染料偶合剂的工作原理。深入讲解了“感光度”（ISO）是如何被物理结构决定的，以及它与颗粒（Grain）的直接关系。 器材的精髓： 聚焦于机械相机的设计哲学。我们不讨论电子取景器或自动对焦的便捷性，而是深入机械快门精确度、光圈叶片的几何形状对焦外成像（Bokeh）的影响，以及测光表的原理与校准。特别收录了对经典旁轴、中画幅和大幅面相机系统的介绍，强调“手动控制”带来的创作张力。 镜头的光学魔力： 分析不同光学设计（如复古的普拉纳结构、现代的现代高斯结构）如何塑造画面。重点讨论了焦距对透视感的影响，以及老式镜头在色彩渲染和锐度上的独特“个性”。 第二部分：实战：从曝光到显影的全流程掌控 本部分是本书的实践核心，详细指导读者如何像一位严谨的工匠一样掌控每一个环节。 精确的现场曝光： 教授如何利用入射光测光与反射光测光的区别，以及在复杂光照条件下（如逆光、舞台照明）运用“曝光包围法”进行精确计算。探讨“区域曝光法”（Zone System）在胶片摄影中的应用，如何预见并控制最终的影调范围。 胶片装载与片基处理： 讲解如何在黑暗中正确装载135和120胶卷，以及面对“曝光不足”或“过度曝光”时的处理策略（Push/Pull Processing的基础概念）。 黑白暗房的炼金术： 这是本书最详尽的部分。从药水配比（显影剂、停影剂、定影剂、湿润剂）的科学性开始，详细介绍了不同显影液（如D-76、Rodinal、HC-110）对颗粒、对比度和锐度的独特影响。实操指南涵盖了摇晃技巧、显影时间控制、温度恒定化管理，以及最终的充分水洗步骤。 彩色负片与反转片的处理基础（C-41与E-6）： 尽管多数人会送洗，但理解其原理至关重要。本章概述了彩色显影的三个主要染色过程，并介绍了家庭或小型实验室中，如何进行简单的冲洗流程监控，以确保色彩的准确性。 第三部分：印放的艺术：光影的二次创作 冲洗出底片只是第一步，将底片上的潜在影像转化为可见的、有温度的印相，才是胶片摄影的最终仪式。 放大机的构造与操作： 详细介绍不同类型的放大机（摇摆式、扩散式）的优劣，以及高质量的放大镜头的选择。讲解如何对准、对焦，并校正因底片弯曲或机器倾斜带来的失真。 相纸的选择与特性： 区分RC相纸（树脂涂层）和FB相纸（钡盐底纸）在质感、吸水性和保存性上的差异。深入解析不同对比度相纸的灰阶表现。 精细控制技术： 掌握控制印相效果的关键技巧——“加光”（Dodging）和“减光”（Burning）。通过实物图解，展示如何使用手动工具精确地对画面中的特定区域进行曝光增减，以重塑或强化摄影师的视觉意图。 湿法处理与最终定影： 强调了印相后的充分水洗和使用后定影剂（如硫代硫酸钠缓冲液）的重要性，以确保印相作品的长期稳定性与档案价值。 第四部分：保存与传承 本书最后关注胶片摄影的持久性。我们讨论了底片的科学存储方法——湿度控制、温度要求、档案级文件夹的选择，以及如何有效整理和编目你的物理影像档案，确保这些珍贵的负片和印相能够跨越时间的考验，成为留给后世的“时光拓印”。 读者对象： 本书面向所有对摄影历史、机械操作、化学工艺及传统艺术表达方式感兴趣的摄影爱好者、学生，以及渴望从数码的即时反馈中抽离，寻求更深层次创作满足感的资深摄影人。无需拥有最昂贵的设备，但需要拥有一颗对光与影的敬畏之心。

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这本书的语言风格非常具有现代感和亲和力，完全没有老派摄影大师那种高高在上的姿态。它大量使用了网络用语和年轻人喜欢的表达方式，读起来毫不费力，甚至带着点幽默感。比如，当解释“噪点”时，作者戏称之为“相机的体毛”，瞬间让人会心一笑，记忆点也加深了。更重要的是，它对不同场景下相机的“脾气秉性”分析得入木三分。它会告诉你，在阴天，你的相机可能会“心情低落”，你需要手动提高曝光补偿来“哄哄它”；在拍快速移动的宠物时，连拍模式下“追踪对焦”的设置需要如何根据宠物的速度灵活调整。这种将器材“人格化”的比喻，让我感觉自己不再是单纯地操作冰冷的机器，而是和它建立了一种默契的伙伴关系。这种情感上的连接，使得学习过程不再是任务，而更像是一场充满探索乐趣的冒险，这也是我最喜欢这本书的地方——它赋予了技术学习一种温度。

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说实话，我之前买过好几本摄影入门书，但大多都是摄影器材的“使用说明书”，介绍完各个按钮的功能就戛然而止了。但这本《好好玩》的视角明显更独特，它更关注的是“创作意图”而非单纯的“器材操作”。我特别欣赏它关于“如何用构图讲故事”那一章。作者没有拘泥于传统的“三分法”或“黄金分割”，而是探讨了视觉引导线、前景的运用，以及如何通过打破常规来制造视觉冲击力。有一次，我在拍一个老建筑的细节，总觉得照片太平淡，翻开书看到关于“负空间”的讲解，豁然开朗。我试着把主体放在画面的一个角落，留出大片的空白区域，那种孤独感和历史的厚重感立刻就出来了。这本书的排版设计也极其考究，大量的对比图是精髓——一张是错误的或平庸的拍法，紧接着就是应用了书中技巧后的优秀范例，这种“Before & After”的直观对比，比任何文字描述都更有说服力。它成功地将枯燥的理论转化成了富有启发性的视觉对话，让我对“按下快门”这件事有了更深层次的理解，不再是简单的记录，而是有目的的创造。

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最让我感到惊喜的是，这本书的第三部分拓展了关于“摄影眼”的培养，这通常是那些只讲技术参数的书籍会忽略的部分。作者并没有直接给出“看什么”的答案，而是提供了一套观察世界的“方法论”。书中引用了许多不同领域艺术家的作品——不仅仅是摄影师，还有画家、建筑师，来阐述光线、形状、纹理的共通性。这对我来说是一个巨大的突破，它让我意识到，好的照片不仅仅是曝光准确、对焦清晰，更是对“瞬间的提炼”和“情感的表达”。书中有一个关于“如何捕捉人与环境的关系”的练习，引导我停下来，不要急于拍摄，而是观察三分钟，寻找那个“决定性的瞬间”出现前的宁静。通过这种引导，我开始有意识地去寻找画面中的“故事线索”。这本书的价值已经超越了一本单反相机的使用指南，它更像是一本关于如何更有意识地去看待我们所处世界的“视觉哲学入门读本”。它让我从一个单纯的技术学习者，开始向一个更有思想的创作者转变。

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这本书拿到手里，立刻就被它那种深入浅出的讲解方式给吸引住了。我一直觉得数码单反这玩意儿太高深了，各种参数看得我头晕眼花，什么光圈、快门、ISO，感觉像是外星语。但这本书完全不一样，它不是那种冷冰冰的教科书，更像是身边一个超级懂摄影、又特别耐心的朋友在手把手地教你。比如，讲到景深的时候，作者没有直接抛一堆复杂的数学公式，而是用“背景虚化像奶油一样化开”这种生动的比喻，瞬间我就明白了那种艺术效果是怎么来的，以及我该如何通过调整光圈来实现它。更棒的是，它非常注重实战。书里安排了好多“户外实拍挑战”，比如“如何捕捉清晨的薄雾”、“夜景中霓虹灯的光轨效果怎么做”。这些任务不是死板的练习，而是引导你去观察生活中的光影变化，让你在实践中巩固学到的知识。我按照书里的建议，带着我的老单反去了趟公园，以前拍出来的照片总是灰蒙蒙的，这次尝试用“包围曝光”来应对强烈的阳光对比，效果立竿见影，那种层次感一下子就出来了。这本书真正做到了把复杂的技术转化为可操作的乐趣，让我从一个只会“自动档”的新手，开始有点敢于触碰那些更专业的“M档”了。

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我对后期处理的部分特别满意，因为很多入门书对后期都是一带而过，或者推荐一些复杂的专业软件。但这本书很贴心地选择了目前最主流、上手难度相对较低的后期软件（比如某个流行的移动端修图App），并详细讲解了如何进行“非破坏性”的色彩调整和细节优化。它强调的理念是“后期是为了完善前期拍摄的意图，而不是弥补拍摄的失误”。我以前总觉得后期是“作弊”，但看完这一章，我明白了，精细的白平衡校正、微妙的暗角引导，都是让照片“更接近我当时看到的那个瞬间”的重要步骤。书里还专门开辟了一个模块讲解“人像肤色的自然处理”，避免了那种过度磨皮导致“塑料感”的问题，教导我们如何保留皮肤纹理的同时，让人物看起来更健康、更有质感。这种对细节的关注，体现了作者对摄影全流程的尊重，让读者从按下快门到最终成品输出，都有清晰、可靠的指引，极大地提升了整体作品的专业度。

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