An Actor's Work

An Actor's Work pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

出版者:Routledge
作者:Konstantin Stanislavski
出品人:
页数:708
译者:Benedetti, Jean
出版时间:2009-08-18
价格:USD 27.95
装帧:Paperback
isbn号码:9780415551205
丛书系列:
图书标签:
  • technique
  • psycho-physical
  • 表演
  • 戏剧
  • 演员
  • 斯坦尼斯拉夫斯基
  • 戏剧理论
  • 表演技巧
  • 方法演技
  • 戏剧艺术
  • 舞台艺术
  • 表演指导
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具体描述

Stanislavski's 'system' has dominated actor-training in the West since his writings were first translated into English in the 1920s and 30s. His systematic attempt to outline a psycho-physical technique for acting single-handedly revolutionized standards of acting in the theatre. Until now, readers and students have had to contend with inaccurate, misleading and difficult-to-read English-language versions. Some of the mistranslations have resulted in profound distortions in the way his system has been interpreted and taught. At last, Jean Benedetti has succeeded in translating Stanislavski's huge manual into a lively, fascinating and accurate text in English. He has remained faithful to the author's original intentions, putting the two books previously known as An Actor Prepares and Building A Character back together into one volume, and in a colloquial and readable style for today's actors. The result is a major contribution to the theatre, and a service to one of the great innovators of the twentieth century.

《幕后之影:舞台灯光背后的故事》 一卷关于光影、情绪与技术交织的戏剧史诗 这是一部深入探究戏剧艺术核心——舞台灯光设计——的重量级著作。它并非仅仅是一本技术手册,而是一部跨越百年舞台变迁的编年史,一曲对光线如何塑造叙事、引导观众心绪的赞歌。作者以其数十年的资深经验,带领读者穿梭于历史的剧院深处,揭示了“看不见的人”——灯光设计师——如何成为导演和演员不可或缺的艺术伙伴。 全书共分为六个主要部分,结构严谨,内容涵盖了从理论基础到前沿实践的方方面面。 --- 第一部分:光影的起源与先驱者的足迹 (The Genesis of Illumination) 本部分追溯了戏剧照明从早期的火把、油灯,到煤气灯时代,直至电力革命的里程碑式跨越。重点剖析了阿道夫·阿佩尔(Adolphe Appia)和爱德华·戈登·克雷格(Edward Gordon Craig)等现代舞台艺术先驱如何将“光”提升为一种独立的表现媒介,而非仅仅是“照明工具”。 油灯时代的局限与创新: 探讨了早期灯光设计师如何利用反射板和颜色滤镜来模拟自然光,以及这种技术限制如何反过来激发了早期对空间氛围的独特理解。 电力革命的冲击: 详细记录了电灯的引入如何解放了艺术家的想象力,使得亮度控制、色彩精确度和动态效果成为可能。特别分析了早期电动调光台的结构及其对戏剧节奏的革命性影响。 理论基石的建立: 深入解读了阿佩尔对“立体空间”和“光之建筑”的哲学思考,阐明了光线如何不再只是为了“看见”,而是为了“感受”。 --- 第二部分:光线的物理、心理与美学 (The Physics, Psychology, and Aesthetics of Lumens) 这一部分是本书的技术与艺术交汇的核心。它以严谨的科学视角解析了光线的物理特性(色温、显色指数、光束角度),并将其与观众的心理反应紧密关联。 色彩的语言: 摒弃了简单的“红代表愤怒,蓝代表悲伤”的教条,转而分析特定光谱如何影响人眼对饱和度和亮度的感知。书中包含大量案例研究,分析了如何通过微妙的色彩饱和度变化来暗示角色的内心转变或环境的心理压力。 投射与塑造: 详尽描述了不同类型灯具(如聚光灯、泛光灯、Profile/Ellipsoidal灯)投射出的光束形态,以及如何利用“硬边”和“柔边”来精确塑造舞台上的三维空间,使演员的身体动作具有雕塑感。 时间感与光: 探讨了如何通过光线的变化速率、闪烁频率和逐渐淡入淡出(Fade time)来构建或打破时间的流逝感,无论是模拟清晨的苏醒还是爆炸的瞬间。 --- 第三部分:设计流程的解构 (Deconstructing the Design Process) 本章将带领读者进入一个灯光设计师的工作室,完整展现从接到剧本到首演之夜的每一个关键步骤。 剧本分析与概念发展: 强调灯光设计并非在布景完成后才开始的工作。设计师如何通过分析文本中的环境描述、情感张力点和导演的视觉愿景,提炼出核心的“光语汇”。书中展示了如何绘制情绪板(Mood Board)和初步的照明草图。 绘制蓝图: 详述了灯光平面图、灯位图、电路图和调光图表的专业绘制标准。详细解释了如何计算灯具数量、选择合适的功率,以及确保设备兼容性的复杂工作。 从挂灯到编程: 描述了现场挂灯(Hanging)、聚焦(Focusing)的精确性要求,以及现代数字调光台(Console)的编程逻辑。重点分析了“Cue Stacks”和“Chase”序列的构建艺术,以实现复杂的时间序列效果。 --- 第四部分:媒介融合与技术前沿 (Convergence and the Digital Frontier) 本部分关注20世纪末至今,数字化技术对舞台照明带来的颠覆性影响。 从白炽灯到LED: 对比了传统灯具与现代LED灯具在色彩灵活性、能耗和散热管理方面的优劣。着重分析了RGBW/RGBA系统如何为设计师提供了前所未有的色域。 媒体服务器与内容映射: 深入探讨了投影映射(Projection Mapping)与舞台照明的结合,特别是如何利用媒体服务器(如Disguise或Resolume)来同步、控制视频内容和灯光程序,创造出多维度的视觉环境。 DMX与网络协议: 解释了DMX512协议的工作原理,并展望了Art-Net和sACN等IP基协议在大型剧场网络中的应用与挑战,特别是如何确保高可靠性的数据传输。 --- 第五部分:风格的演变与流派的印记 (Stylistic Evolution Across Genres) 本书通过对不同戏剧流派的灯光案例分析,展示了“风格”是如何通过光线来实现的。 古典悲剧的光与暗: 分析了如何使用高对比度的伦勃朗光(Rembrandt Lighting)和强烈的侧逆光来强调人物的宿命感和英雄主义的孤独。 歌剧与大型演出的“密度”: 探讨了在需要覆盖巨大空间的歌剧舞台上,如何维持色彩的一致性和舞台深度的幻觉,通常依赖于大量的“工作光”(Working Light)和精细的分区控制。 当代戏剧的极简主义: 研究了在极简舞台设计中,一束精准的追光或一片单色的环境光如何承担起所有叙事功能,并将焦点完全集中于演员的微表情。 音乐剧的节奏与宏大: 剖析了音乐剧如何利用高速变化的换景灯光和动感的“光束流”(Beam effects)来匹配音乐的复杂节奏和史诗般的场面。 --- 第六部分:设计师的伦理与遗产 (Ethics and the Designer's Legacy) 最后一部分回归到艺术家的责任感和职业精神。 安全与可持续性: 讨论了剧场电气安全规范的重要性,以及现代剧团如何致力于降低能耗和减少灯光设备的碳足迹。 合作的艺术: 强调灯光设计师在剧团中的“隐形领导力”,如何与导演、舞美设计师、服装设计师和音响设计师进行高效、互信的沟通,确保最终的视觉呈现是一个统一的整体。 记录与传承: 指导年轻设计师如何系统地归档自己的设计工作——从草图到最终的Patch List——以确保作品能够在未来被准确重现或分析。 《幕后之影》 不仅是为舞台技术人员准备的宝贵参考,更是为所有热爱戏剧、渴望理解视觉叙事深层机制的艺术爱好者,提供了一扇通往舞台心脏地带的秘密通道。它揭示了,最伟大的舞台光,往往是那些让观众忘记了“灯光”存在的瞬间。

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读后感

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用户评价

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从实用性的角度来看,这本书提供了一种完全颠覆性的思维框架,而不是一套可复制的步骤清单。它更像是一位经验丰富的大师,坐在你身边,不是告诉你该怎么做,而是通过讲述他自己或他所观察到的种种案例——那些关于天赋的消逝与重塑、关于舞台的诱惑与陷阱——来让你自己去领悟。书中对“非语言沟通”力量的剖析达到了令人发指的程度,它深入挖掘了眼神、呼吸、甚至是沉默所蕴含的巨大能量。我印象最深的是其中关于“自我消融”的章节,它描述了演员如何在一场伟大的演出中,彻底将自我与角色融为一体,那种近乎宗教体验般的狂喜与危险并存的状态。这种描述极其细腻且富有画面感,让我清晰地感受到了那种将所有个人杂念屏蔽,只为服务于角色的极端专注力。这本书对初学者或许会有些难度,因为它要求读者已经具备一定的实践基础,才能完全理解其中那些看似玄妙的描述背后的坚实根基。它更像是一本为已经踏上旅途的同行者准备的深度对话录。

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这部作品的结构处理得极其巧妙,它并非线性叙事,而是像一个复杂的音乐赋格曲,不同的主题和观点在不同的章节中反复出现、交织、变奏,最终汇集成一个宏大的整体。作者似乎故意打破了传统论著的逻辑链条,转而采用一种意象驱动的方式来推进思想。例如,一个关于灯光设计的小插曲,可能最终会引申出对“记忆”本质的深刻探讨。这种跳跃性要求读者保持高度的专注力,去主动连接那些看似无关的节点。书中对“时间”在舞台上被压缩和拉伸的现象分析,尤其精妙,它揭示了表演艺术如何与物理现实抗衡。我发现自己经常需要回翻前几页,去重新审视一个似乎被轻轻带过的比喻,因为作者习惯将最重要的洞察藏在那些看似不经意的角落里。这是一本需要被“发现”而非“阅读”的书籍,它奖励那些愿意投入时间去梳理其内部复杂联系的读者。总而言之,它提供了一种全新的、近乎密宗的艺术观照方式。

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这本书的语言风格简直是一场华丽的文字盛宴,充满了古典的韵律感和一种近乎诗歌的密集感。它不是那种让你一口气读完的轻松读物,更像是一块需要反复咀嚼的陈年佳酿。作者似乎毫不吝啬地将他毕生对戏剧艺术的理解倾注于每一个句子的结构中,使得那些关于角色构建的论述,读起来都带着一种仪式般的庄重感。我常常需要停下来,细细品味那些长句中精妙的从句嵌套和词语的选用,它们之间的张力构建出一种独特的阅读体验。这种文风本身就是一种表演,一种对语言潜能的极致挖掘。书中对“内心独白”和“外部呈现”之间永恒拉锯战的探讨,非常引人入胜。它没有提供简单的答案,而是通过不断地抛出更复杂、更具挑战性的问题,来推动读者的思考。对于那些寻求简单“秘诀”的读者来说,这本书可能会显得有些晦涩,但对于热爱语言艺术,并愿意投入心力去探寻文本深层结构的人来说,这无疑是一座宝库。它让我意识到,艺术的深度往往隐藏在形式的复杂性之中。

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这本书最让我感到震撼的,是它对“脆弱性”的颂扬。在充斥着力量与自信的表演领域,作者却坚定地指出,真正的艺术力量源于敢于暴露自己的弱点和不完美。书中对那些看似失败的、不被公众记住的表演的分析,比对那些辉煌成功的案例更具启发性。它教会我,观众真正想看到的,不是一个完美的雕塑,而是一个在呼吸、会犯错、会流血的人。作者通过一系列跨越时代的对比,展示了艺术如何应对社会变迁中对“真实”定义的变化。这种历史的纵深感让全书的论述显得格外扎实可靠。我特别喜欢其中关于“休息”的章节,它探讨了排练与真正生命力之间的微妙关系,强调了非工作状态下积累的重要性。整本书的基调是沉静而深刻的,它没有廉价的煽情,只是以一种近乎科学观察者的冷静,揭示了人类情感表达的复杂机制。读完之后,我感觉自己对周围人群的细微表情和情绪波动更加敏感了。

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这部作品的叙事节奏仿佛一场精心编排的舞蹈,时而轻盈如羽毛般拂过心头,时而沉重如磐石般压在胸口。它没有那种直白的、教科书式的指导,更多的是一种内在的、通过角色命运的起伏所传递出的对“真实”的追问。我尤其欣赏作者在构建那些微小、转瞬即逝的情感瞬间时的那种精准度,就好像他能捕捉到我们所有人都在无意识中经历,却从未能用语言精确描述的那些微妙心绪。读着读着,我感觉自己不是在阅读一个故事,而是在经历一场漫长而深刻的自我审视。那些关于舞台上下的光影交错,关于幕布拉开前后的心理真空,都被描绘得入木三分。它挑战了我们对“表演”的固有认知——它不仅仅是模仿,更是一种深层次的、近乎形而上的存在状态的探寻。那些细致入微的肢体语言描述,让人仿佛能闻到汗水和旧木头的味道,感受到灯光炙烤下的皮肤的灼热。这本书成功地将表演的技艺提升到了一种哲学思辨的高度,让人在合上书页之后,依然久久地沉浸在那种对“如何成为一个更真实的人”的思考之中,这远超出了任何单纯的技巧指南所能达到的深度。

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Writing is a bit dated, still Konstantin Stanislavski is the tycoon of modern theater.

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