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出版者:Greenwood Press Reprint

作者:

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1975-12-19

价格:USD 55.00

装帧:Hardcover

isbn号码:9780837184968

丛书系列:

图书标签:

• 莫扎特
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音乐厅的秘密回响：一部关于巴洛克与古典主义交汇时期的作曲家群像研究 导言：在辉煌的帷幕下 本书旨在深入探索18世纪中叶至末期，欧洲音乐版图上群星闪耀的时代。这是一个艺术思潮剧烈碰撞、风格急剧演进的关键时期，它承接了巴洛克音乐的宏大结构与对位精妙，并孕育了古典主义音乐的清晰、平衡与情感的普适性。我们聚焦于那些在莫扎特的光芒之外，同样以独特声音塑造了那个时代音乐面貌的伟大作曲家们。本书将带领读者穿梭于维也纳的沙龙、德累斯顿的宫廷以及柏林的学术圈，揭示隐藏在耳熟能详的奏鸣曲与协奏曲背后的创作动机、社会影响及其技术创新。 第一部分：维也纳的先声——“前古典”的探索与承接 我们首先将目光投向“敏感风格”（Empfindsamer Stil）的摇篮——德累斯顿与柏林。这个阶段的音乐家们，正试图打破巴赫、亨德尔遗留下来的复杂织体，寻求一种更直接、更具个人情感色彩的表达方式。 第一章：卡尔·菲利普·伊曼努尔·巴赫（C.P.E. Bach）：情感的炼金术士 C.P.E. 巴赫，作为“中提琴”时代的桥梁，其创作哲学是理解古典主义的基石之一。本书将细致分析他的键盘作品，特别是《普鲁士奏鸣曲》与《索那塔斯》。我们考察他如何运用突然的情绪转换、快速的音型变化以及对不协和音的克制使用，来模拟人类内心深处的波动与挣扎。他的音乐拒绝了纯粹的装饰性，转而追求一种内在的“激动性”（Affekt）。 第二章：格鲁克（Gluck）：歌剧的理性回归 克里斯托夫·维利巴尔德·格鲁克，在歌剧改革中扮演了至关重要的角色。本书将深入剖析他的“改革歌剧”，例如《奥尔菲奥与尤丽狄茜》。与当时盛行的“正歌剧”（Opera Seria）中对炫技咏叹调的过度沉迷不同，格鲁克主张“简朴的、强有力的美”，要求音乐服务于戏剧的真实性。我们将对比他在巴黎和维也纳不同时期作品中对宣叙调与咏叹调处理手法的演变，以及他如何利用管弦乐队来加强戏剧冲突而非仅仅是伴奏。 第二部分：多瑙河畔的交响遗产——曼海姆学派的勃兴 在古典主义交响乐的成熟之前，有一个关键的中介力量——曼海姆宫廷乐团。这支被誉为当时欧洲最优秀的乐团，不仅是演奏的典范，更是作曲技法创新的温床。 第三章：斯塔米茨（Stamitz）与“曼海姆轰鸣” 约翰·瓦茨拉夫·斯塔米茨（Jan Václav Stamitz）被认为是现代交响曲结构的关键奠基人之一。本书将重点解析“曼海姆轰鸣”（Mannheim Crescendo）——那种由弱到强，全乐队统一推进的震撼性渐强技巧。我们分析其在交响曲第一乐章中对呈示部、发展部和再现部结构的早期确立，以及他们如何开始系统性地使用管弦乐队的色彩，而非仅仅是音量的叠加。 第四章：坎迪利亚尼（Cannabich）与器乐的“清晰性” 克里斯蒂安·坎迪利亚尼（Christian Cannabich）的贡献在于他将交响乐的情感表达与清晰的形式感完美结合。他的作品展示了主题对比的早期范例，并且他对弦乐内部声部的处理，为后来的维也纳学派提供了清晰的对位模型。通过分析他的协奏曲，我们将看到独奏乐器如何从单纯的炫技工具，转变为与乐队进行平等的对话者。 第三部分：宫廷与教会的守护者——巴洛克余晖下的坚持者 并非所有作曲家都朝着新兴的古典风格疾驰而去。在许多欧洲的宗教和学术中心，一些大师仍在坚守着对位法的严谨与对宗教主题的深刻理解。 第五章：海顿的导师：约瑟夫·约阿希姆·法尔克（Fux）在萨尔茨堡的回响 本书将短暂回顾约翰·约瑟夫·法克斯（Johann Joseph Fux）及其《步入天堂的阶梯》（Gradus ad Parnassum）对音乐理论和对位教学的深远影响。虽然法克斯的作品在当时可能显得“古老”，但正是这种对技术纯度的坚持，为后来的作曲家提供了无可指摘的技艺基础。我们将探讨法克斯的理论如何在地方性的宫廷和教堂音乐中得以延续，并在更注重技巧的领域保持生命力。 第六章：格鲁克之后的歌剧——萨里埃里（Salieri）的平衡艺术 安东尼奥·萨里埃里，常常被简化为一个文学形象，但他在音乐史上的地位是毋庸置疑的。本书将着重分析他在歌剧领域的贡献，特别是在他接手维也纳宫廷乐团后的作品。萨里埃里成功地融合了格鲁克改革后的戏剧严肃性与意大利美声唱法的优雅。他的作品展示了一种对复杂和声与管弦配器的精妙把握，是连接早期古典主义与后期浪漫主义之间重要的技术桥梁。我们将探究他如何处理文本的清晰度与音乐的精致性之间的张力。 第四部分：地区性的创新与最终的交融 18世纪末期，音乐中心开始向维也纳集中，但其他地区仍在发展出独特的音乐语言。 第七章：柏林乐派的“交响诗”前奏 柏林乐派，以克劳塞维茨（C.P.E. Bach的学生）为代表，发展出一种更具抒情色彩的交响曲风格。他们的音乐强调旋律的连续性和色彩的柔和过渡，相较于曼海姆学派的戏剧性，柏林乐派更偏向于内省与抒情。我们考察他们如何将键盘上细腻的情感表达移植到大型乐队编制中，预示了早期浪漫主义对氛围营造的重视。 第八章：协奏曲的独立宣言：费尔德尔（Ferdinand Kuhlau）的室内协奏曲 除了钢琴协奏曲，器乐独奏协奏曲在这一时期也获得了新的独立性。我们将检视一些鲜为人知的大师，如费尔德尔（并非那位长笛家），他们创作的室内协奏曲，这些作品要求独奏者不仅要有精湛的技术，更要具备在小型合奏中维持清晰织体的能力。这标志着器乐独奏作品从“炫技展示”向“个性对话”的转变。 结论：过渡时代的音乐遗产 本书最终总结了这些作曲家们如何共同构建了一个丰富、多元的音乐世界。他们或通过结构上的大胆革新，或通过情感表达的深入挖掘，或通过对传统技艺的坚守与提纯，为19世纪的浪漫主义浪潮奠定了不可动摇的理论与实践基础。他们的作品共同描绘了一幅生动的历史画卷，证明了音乐的伟大并非只属于少数几个巨星，而是一个充满活力、相互激发与借鉴的群体智慧的结晶。对他们的研究，使得我们能够更全面地理解古典主义音乐的形成过程，以及音乐风格演变中那些微妙却至关重要的转折点。

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我原本是希望这本书能提供一种清晰的、可以应用于实践的“聆听指南”，比如，如何区分他不同时期作品的织体特点，或者对特定变奏曲主题的心理动机进行深层解读。这本书的语言风格是极其正式且疏离的，仿佛作者本人对所描述的对象怀有一种遥远的、学术上的尊敬，而非发自内心的热爱与激情。书中有一段关于某部协奏曲的讨论，我兴奋地翻过去，期待着对那如泣如诉的慢板乐章的剖析。然而，那段落的全部内容，竟然是关于该乐谱在1932年首次重版时，印刷厂在套用第二色油墨时出现的轻微偏位问题，以及这对手稿收藏价值的潜在影响。这种信息处理的优先级，令我感到十分困惑。我甚至怀疑作者是否真正听过他笔下的大部分作品，或者他选择性地“听”了那些最不具音乐性，却最具文献价值的部分。整本书给人一种感觉：它在努力地将一个纯粹的艺术现象，通过社会学、经济学和印刷史的棱镜进行折射，最终呈现出来的，是一个被过度环境化的、略显模糊的图像。这本书更像是供专门研究18世纪后期欧洲纸张成本浮动的学者研读的，对于我这样带着对“音乐魔力”的向往而来的读者来说，它提供的只是一堆坚硬、但彼此松散连接的积木。

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这部厚重的精装本，拿到手里就有一种沉甸甸的仪式感，仿佛预示着一场深入知识腹地的探险即将开启。我原本期待能从中找到一些关于古典音乐史的宏大叙事，或者至少是某个时期某个流派的清晰脉络梳理。然而，翻开第一页，映入眼帘的却是对18世纪欧洲宫廷服饰演变的图解，详尽得令人咋舌，丝绸的纹理、蕾丝的样式，甚至纽扣的材质都被一一标注。接下来的章节，我发现作者似乎对音乐本身的探讨兴趣寥寥，反而将大量的篇幅投入到对某一特定时期萨尔茨堡城市规划的考据上，那些关于街道的宽度、排水系统的设计，以及市政厅建筑材料的来源分析，占据了本书近三分之一的内容。阅读过程中，我时常感到一种强烈的“失焦”感，每一次试图聚焦于核心主题时，都会被一个意想不到的、略显偏门的侧枝吸引走。举个例子，书中有一段花费了极大的笔墨来描述某位赞助人信件的书写工具的演变——从鹅毛笔到早期的蘸水笔，细致入微地分析了墨水的化学成分如何影响了手稿的保存状态。这无疑是一部极其严谨的学术著作，但对于一个渴望快速理解这位伟大作曲家音乐精髓的普通爱好者而言，这更像是一部包罗万象的“18世纪生活百科全书”，只是这位伟大的名字被不经意地置于一个极其广阔的历史背景之中，让人在浩瀚的细节中寻找那清晰的旋律线索，却屡屡碰壁。这本书更像是一面巨大的镜子，映照出那个时代的方方面面，唯独对焦在那位焦点人物的内心世界和艺术创作的内核上，显得有些力不从心，或者说，作者的选择性聚焦令人费解。

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说实话，拿到这本书时，我对作者那份近乎偏执的考证精神深感敬佩，那些脚注和参考文献列表，几乎占据了每页底部四分之一的空间，其浩瀚程度令人望而生畏。我一直在寻找能帮助我理解如何欣赏那些被认为极其复杂的对位法结构的段落，期待能有一位“向导”来点亮我心中的迷雾。这本书确实提供了大量历史背景资料，比如维也纳当时不同剧院的观众构成、票价体系的演变，甚至还有关于当时乐评人撰写文章的字体偏好等信息。这些细节无疑丰富了历史的肌理，但对于我这个“学音乐”而不是“学历史”的人来说，它们更像是噪音。我花费了整整一个下午来试图理解其中一章关于“沙龙文化对作品首演的影响”的论述，结果发现，作者的大部分论证都建立在一份他找到的、关于某次沙龙活动的采购清单上——里面详细记录了当天提供的酒水种类和甜点数量。我试图从中推导出音乐是如何在那种社交氛围中被塑造的，但作者并未给出明确的桥梁。这使得阅读体验变成了一场持续的“意淫”，我必须不断地在脑中进行大量的二次加工和推断，才能将那些冰冷的、社会学的、经济学的资料，强行与我希望了解的音乐创新强行联系起来。这本书无疑是文献学的杰作，但它更像是在为一位伟大的雕塑家立传，却只描述了雕刻工具的产地、大理石的矿脉，以及工匠每天的伙食，唯独对雕塑本身的美学价值保持了一种审慎到近乎回避的态度。

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我不得不承认，这本书的装帧设计是极具品味的，那种低调的哑光封面，配上烫金的书名，散发着一种低调的奢华感，很适合摆在书房里，彰显主人对“严肃阅读”的追求。然而，阅读体验却像是在一个极其复杂的迷宫中穿行，里面布满了精美的壁画，但没有一张地图能指引你出去。我的主要兴趣点在于分析特定奏鸣曲中使用的和声语言的创新性，尤其是在他的晚期作品中，如何突破了既有的结构限制。我原以为这本书会提供一个深入的音乐理论分析框架，或者至少是与当代音乐评论的对话。结果，书中的“音乐分析”部分，更像是对某个乐章中出现的和弦进行了一个简单的罗列，随后便笔锋一转，开始讨论当时的乐器制造工艺的进步，例如钢琴踏板的早期设计，以及如何影响了演奏家对力度（forte/piano）的控制。这种信息流的跳跃性，让我的思维难以保持连贯的深度。我尝试去理解作者对“天才”这一概念的解构，但发现他更热衷于分析家族成员的财务往来记录，以及处理遗产时的法律文书细节。整本书读下来，我感觉自己更像是一个考古学家，挖掘出了大量关于某个历史侧面的详实数据，但对于那个“被挖掘者”的艺术灵魂，却始终隔着一层厚厚的、由琐碎事实堆砌而成的玻璃墙。这不是一本能让你在听音乐时，立刻在脑海中浮现出清晰乐谱的指南，更像是一份详尽到近乎苛刻的、关于他生活周遭环境的社会学田野调查报告。

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这本书的排版设计非常古典，字体选择和页边距的处理，都模仿了十九世纪早期的学术著作，给人一种穿越时空的厚重感，这方面做得无可挑剔。然而，当我开始深入阅读时，我发现自己陷入了一种持续的“信息过载”状态，但这些信息大多是外围的、辅助性的。我迫切想知道的是，当他创作那些突破性的交响曲时，他的内部创作驱动力究竟是什么？他是否曾有过自我怀疑的时刻，或者他如何平衡艺术的纯粹性与宫廷对“可听性”的要求？这本书对此的回答，似乎是通过分析他与其出版商之间关于版税支付延迟的往来信件来实现的。作者将商业纠纷的细节描述得如同侦探小说般引人入胜，生怕遗漏了任何一个“拖欠”的日期或“拒绝”的措辞。这种对商业运作的详尽描摹，虽然展现了那个时代艺术家生存的艰辛，却牺牲了对艺术创作过程本身的探索。我读完后，对这位作曲家在税务和合同谈判方面的精明程度了如指掌，但在音乐上的突破点，却依然停留在云里雾里。这本书与其说是一部“指南”（Handbook），不如说是一部关于“围绕着某位伟大音乐家所产生的周边经济和行政活动的详尽档案汇编”。它提供了海量的、关于“如何运作”的知识，却几乎没有触及“如何创作”的灵魂深处。

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