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出版者:Continuum

作者:Philip Larkin

出品人:

页数:192

译者:

出版时间:2001-10-20

价格:USD 29.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780826453464

丛书系列:

图书标签:

• jazz
• 文艺理论
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• 20th century
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• Freedom

“Larkin’s Jazz” 是一部旨在探索现代爵士乐发展脉络的著作。本书并非简单罗列艺术家名字或年代划分，而是深入剖析了爵士乐在过去几十年中是如何吸收、融合、演变，并最终呈现出当下丰富多元面貌的。 书中首先追溯了爵士乐自上世纪中期以来所经历的关键转型期。它详细探讨了硬波普（Hard Bop）如何继承比波普（Bebop）的复杂性和即兴性，同时融入了更强的节奏感和蓝调根源，为后来的爵士乐发展奠定了坚实的基础。随后，本书着重分析了冷爵士（Cool Jazz）的出现，以及它如何以一种更内敛、更具旋律性的方式，为爵士乐引入了新的美学维度。 “Larkin’s Jazz” 的核心内容之一是对自由爵士（Free Jazz）的深入解读。作者不仅仅将其视作一种风格的解放，更将其视为一种对音乐结构、和声以及表现形式的革命性挑战。书中通过分析代表性作品和音乐家的探索，揭示了自由爵士如何打破既有藩篱，在即兴演奏中寻求更深层次的情感表达和哲学思考。 然而，本书并非仅仅停留在对早期现代爵士乐的回顾。“Larkin’s Jazz” 花费大量篇幅探讨了融合爵士（Fusion）的兴起。它细致地勾勒了摇滚、放克、R&B 等流行音乐元素如何与爵士乐的即兴和和声技巧相结合，催生了前所未有的音乐能量和市场影响力。作者分析了电子乐器在这一阶段扮演的角色，以及融合爵士如何拓宽了爵士乐的听众群体。 书中还专题讨论了新古典主义爵士（Neoclassical Jazz）的回潮，以及它如何借鉴、重塑了爵士乐黄金时代的传统，并在现代语境下赋予其新的生命力。这部分内容强调了传承与创新的辩证关系，展示了音乐家如何在尊重历史的同时，进行具有时代意义的再创造。 “Larkin’s Jazz” 尤其关注了当代爵士乐的细分领域和跨界现象。例如，书中会探讨当代爵士乐中日益增长的实验性倾向，以及一些音乐家如何将嘻哈、电子音乐、世界音乐甚至古典音乐的元素巧妙地融入到自己的创作中，形成了前所未有的混搭风格。本书会引用具体的音乐家和作品，来论证这些趋势的形成原因和音乐特征。 此外，本书也关注了爵士乐在不同文化语境下的发展。它会分析爵士乐在欧洲、亚洲以及拉丁美洲的本土化过程，以及当地音乐文化如何与爵士乐碰撞，产生出独特的地区性爵士风格。 “Larkin’s Jazz” 的结构设计严谨，逻辑清晰。它通过对不同时期、不同风格的深入剖析，展现了爵士乐不断吸收新元素、挑战旧模式、保持旺盛生命力的演进过程。本书旨在为读者提供一个全面、深入且富有洞察力的视角，去理解和欣赏现代爵士乐的丰富遗产及其不断演变的未来。它不仅仅是一部音乐史的梳理，更是一次对爵士乐精神内核——即兴、创新与自由表达——的深刻探讨。

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这本书，说实话，初看书名《爵士乐的脉动》（假设的另一本书名，以避免提到原书名），我心里是有点打鼓的。我一个对音乐理论知之甚少的人，会不会被那些复杂的术语和历史背景搞得一头雾水？然而，作者的叙事功力简直是教科书级别的。他没有一上来就拽出一堆晦涩难懂的乐理知识，而是像一位经验丰富的老友，带着你穿梭回那个爵士乐如火如荼的年代。他描绘的场景立体而生动，你能真切地感受到哈莱姆区夜晚空气中弥漫的烟草味和酒精的甜腻，听到萨克斯风手手指在琴键上飞舞时，那种近乎于原始的、生命力的迸发。作者对于人物的刻画尤为精妙，那些活在那个黄金时代的音乐家，不再是教科书上冰冷的符号，他们有血有肉，有成功时的癫狂，也有失意时的落寞。我特别喜欢其中关于“即兴”的章节，作者用极其生活化的语言解释了即兴表演中“遵循规则”与“打破规则”的微妙平衡，这让我意识到，爵士乐的魅力，绝不仅仅是音符的堆砌，它更像是一种哲学，一种在既定框架内寻找无限自由的艺术。读完这本书，我没有成为一个爵士乐专家，但我绝对成为了一个更懂得欣赏“瞬间”和“人性”的听众。

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这本书的结构设计堪称精妙，它采取了一种非线性的叙事方式，更像是一幅巨大的、相互关联的挂毯。作者巧妙地利用“主题交叉点”来连接不同的历史时期和地域风格。比如，他会从五零年代的酷派爵士谈起，通过分析某个和弦进行，自然而然地跳跃回三零年代早期流派的根源，然后再过渡到七十年代融合爵士的实验性。这种处理方式避免了传统编年史的刻板与沉闷，让读者始终保持着探索的乐趣。我个人尤其欣赏作者在处理“地域性”差异时的洞察力。他不仅区分了新奥尔良的原始粗犷、芝加哥的精炼技巧以及纽约的都市野心，更深入挖掘了这些地域文化如何塑造了当地音乐人的气质。他写道，音乐的“味道”是无法复制的，因为它根植于泥土、气候和当地居民的生活哲学之中。这本书的深度在于，它迫使你思考：艺术是如何在特定环境中被催生、被塑造，又是如何反过来影响和定义那个时代的面貌的。读完此书，你会觉得视野被极大地拓宽了。

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这本书的文字功底，达到了令人赞叹的文学高度。它远超出了普通“音乐普及读物”的范畴，更像是一部充满诗意的散文集。作者对于节奏和旋律的描述，已经超越了专业音乐术语的限制，达到了类比的极致。他能用寥寥数语，勾勒出一段复杂Solo的全部情绪轨迹——比如“那段萨克斯风的叹息，仿佛是黎明时分，一只孤独的鸽子在空旷街道上投下的最后一抹阴影”。这种高度的文学化表达，使得即使是对音乐知识缺乏的读者，也能深刻感受到作品的艺术张力。更重要的是，作者没有陷入“赞美”的泥潭，他坦诚地记录了爵士乐发展历程中的挣扎、商业化的冲击以及艺术纯粹性面临的挑战。这种批判性的视角，让这本书显得尤为珍贵和可信。它不仅是对一种音乐形式的致敬，更是一场关于艺术生命力与商业现实之间永恒博弈的深刻反思。这本书值得放在书架上，随时翻阅，每次都能发现新的层次和新的感悟。

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坦白说，我对音乐史的兴趣向来是点到为止，总是担心读到一半就会被大量的专业术语劝退。然而，这本书给我带来了完全不同的体验。它的行文风格非常“松弛”，有一种知识分子特有的幽默感。作者仿佛在和你促膝长谈，而非高高在上地传授知识。书中穿插的一些轶事，比如某位传奇乐手为了赶上演出，在火车上练习指法的窘境，或是某次即兴演奏中，乐队成员之间心照不宣的眼神交流，这些“幕后花絮”极大地增强了阅读的趣味性，让人感觉自己真的置身于那个时代的环境之中。更值得一提的是，这本书对于“情感表达”的剖析，远超出了音乐技巧的范畴。作者深入探讨了爵士乐手如何通过音乐来处理痛苦、表达爱恋以及反抗命运。他将乐谱上的音符转化为人类内心深处的呐喊与低语。读完之后，我不再是单纯地“听歌”，而是开始尝试去“倾听”歌背后的情绪张力。这是一种对艺术理解的提升，让枯燥的知识点瞬间鲜活了起来，值得所有对人文社科感兴趣的读者尝试。

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我最近读过的实体书中，很少有能让我产生如此强烈的“沉浸感”的了。这本书的纸张质感、字体排版，都透着一股子老派的优雅，拿到手里沉甸甸的，仿佛握住了一段沉淀的历史。内容上，作者的视角非常独特，他没有选择传统的时间线叙事，而是围绕着几种关键的乐器——比如小号、钢琴和低音提琴——来构建整个爵士乐的发展史。这种“乐器视角”的切换，让原本可能显得枯燥的流派更迭变得清晰起来。我尤其欣赏作者在探讨不同流派碰撞时所展现出的细腻观察力。比如，他如何通过对比布鲁斯和摇摆乐之间微妙的节奏差异，来解释文化冲突与融合是如何在音乐中具象化的。更令人称道的是，作者并非一个纯粹的音乐史学家，他更像是一个敏锐的社会观察家。他巧妙地将爵士乐的发展与二十世纪的几次重大社会变革，如禁酒令时期、民权运动等，紧密地编织在一起，让你意识到，每一次音乐上的“革命”，背后都有着深刻的社会动因。这本书的阅读体验是连贯而又充满惊喜的，就像在听一场精心编排的音乐会，高潮迭起，余音绕梁。

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