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页数:272

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出版时间:2009-9

价格:38.00元

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isbn号码:9787115207784

丛书系列:

图书标签:

• 动画
• 游戏动画
• 动画设计
• 游戏制作
• 动画制作
• Unity
• Unreal Engine
• Maya
• 3D动画
• 角色动画
• 游戏开发

好的，这里有一份关于《创意写作与叙事技巧精讲》的图书简介，内容详实，旨在吸引对文学创作和故事构建感兴趣的读者。 创意写作与叙事技巧精讲：从灵感到出版的全面指南 引言：唤醒你内在的故事家 在这个信息爆炸的时代，引人入胜的故事比以往任何时候都更具价值。无论是构思一部震撼心灵的小说，撰写一篇逻辑清晰的商业报告，还是设计一次具有情感共鸣的营销活动，掌握叙事的力量都是成功的关键。《创意写作与叙事技巧精讲》并非一本空泛的理论汇编，而是一部为所有渴望提升表达能力和叙事艺术的写作者、内容创作者、市场营销人员以及职场精英量身打造的实用工具书和深度研修手册。 本书将带领读者深入探索人类最古老的艺术形式之一——讲故事的内在机制。我们抛开陈旧的教条，聚焦于如何构建、打磨和呈现能够真正触动人心的内容。我们相信，每一个个体心中都蕴藏着一个待被发掘的故事宇宙，而这本书，就是打开这个宇宙的钥匙。 第一部分：叙事基石——理解故事的结构与灵魂 本部分奠定了所有叙事艺术的理论基础，旨在帮助读者理解一个“好故事”是如何从无到有被构建起来的。 第一章：故事的DNA——核心要素解析 主题（Theme）的深度挖掘： 探讨如何提炼出故事背后深刻、普适的人生哲理，避免流于肤浅的道德说教。如何通过潜文本而非直白说教来传达主题的力量。 人物塑造的立体化： 不仅仅是外貌和背景，更深入到人物的驱动力（Motivation）、内在矛盾（Internal Conflict）和性格弧光（Character Arc）。学习运用“Show, Don't Tell”的原则，让人物的行动自然地揭示其本性。 冲突的层级管理： 区分内部冲突、人际冲突、人与环境的冲突，并学习如何构建一个层层递进、扣人心弦的冲突矩阵，确保故事张力始终保持在高位。 世界观的沉浸式构建： 无论你写的是历史小说还是未来科幻，环境本身就是一种叙事力量。学习如何通过感官细节和逻辑自洽的规则，构建一个让读者愿意投入时间探索的世界。 第二章：结构的力量——经典与创新的框架 三幕剧的现代化应用： 详细解构亚里士多德的经典结构在当代叙事中的演变，重点分析激励事件（Inciting Incident）、中点（Midpoint）和高潮（Climax）的设计艺术。 英雄之旅的变奏： 探索约瑟夫·坎贝尔理论的普适性，并学习如何有意地打破或重组这些经典框架，创造出更具新鲜感的叙事节奏。 非线性叙事的驾驭： 针对闪回、穿插叙事和多视角叙事，提供实用的时间线管理技巧，确保复杂结构下的信息传递清晰不混乱。 第二部分：文字的魔术——风格、声音与节奏的精修 有了坚实的结构，下一步就是锤炼“语言”这把雕刻刀。本部分专注于写作的文体层面，力求提升文本的质感和可读性。 第三章：寻找你的“声音”（Voice） 独特叙事视角的选择： 深入分析第一人称、第三人称限制与全知视角的优劣，以及如何为特定故事选择最恰当的“眼睛”来观察世界。 句法与节奏的音乐性： 探讨长短句的交替使用如何影响读者的呼吸和情绪。如何通过句式变化来模拟紧张、舒缓或压抑的氛围。 风格的匹配性： 学习如何让你的写作风格与故事内容、目标读者产生完美的共振。从极简主义到华丽辞藻，每一种风格背后的哲学考量。 第四章：描绘与感官的调动 “感觉即记忆”： 如何运用视觉、听觉、嗅觉、味觉和触觉五感，将抽象的场景转化为读者可以“体验”到的画面。 意象与象征的巧妙植入： 避免过度隐喻，专注于使用自然、有力的意象来深化主题，让象征意义在不经意间浮现。 对话的艺术： 优秀对话的三个标准：推动情节、揭示人物性格、信息传达。如何写出既真实又具有文学性的角色对白。 第三部分：叙事在不同领域的实战应用 本书的价值在于其实用性，我们将叙事理论延伸到当下内容创作的各个前沿领域。 第五章：长篇叙事的马拉松 大纲的灵活性： 探究“规划者”（Plotter）与“探索者”（Pantser）的平衡点。如何制定一个既有方向又不扼杀灵感的动态大纲。 “第二幕综合症”的攻克： 针对中段故事松散的问题，提供场景串联、子情节交叉和危机升级的实用策略。 收尾的艺术： 如何确保高潮既出人意料又在情理之中，以及完美的“余韵”——收尾段落的情感回响。 第六章：微型叙事与数字时代的适应 短篇的精准打击： 学习如何在极短的篇幅内迅速建立人物和背景，并实现强有力的主题收束。 非虚构叙事的力量： 将叙事技巧应用于个人回忆录、深度报道和商业案例研究中，用故事化的方式包装事实，增强说服力。 跨媒介的故事思维： 讨论故事元素如何从文字转化为视觉、音频甚至互动体验，为多媒体内容创作者提供叙事基础。 第四部分：从草稿到成品——编辑、反馈与完善 写作只是创作过程的一半，另一半在于批判性的自我审视和打磨。 第七章：自我编辑的冷眼 识别叙事漏洞： 如何系统性地检查逻辑断裂、人物动机不一致和信息不对称等问题。 删减的勇气： 掌握“为读者服务”的原则，残酷地删去那些“你喜欢但对故事无益”的段落。 不同阶段的重写侧重： 初稿侧重结构，二稿侧重人物，三稿侧重语言的打磨流程。 第八章：有效反馈的获取与应用 寻找合适的试读者： 如何构建一个高质量的反馈小组，并提出具体的问题引导他们给出有价值的意见。 区分意见的价值： 学习分辨哪些反馈指向了真正的叙事问题，哪些只是个人偏好，并据此调整策略。 结语：叙事，永不止境的探索 《创意写作与叙事技巧精讲》为你提供了工具，但最终的创作旅程需要你亲自去走。本书的目标是让你从一个被动的故事接收者，成长为一个能够主动、有意识地操控叙事要素的故事建筑师。拿起笔，开始构建你的世界吧。 本书特色： 案例驱动： 广泛引用文学史、电影剧本和现代热门内容中的经典片段进行剖析，理论结合实践。 操作性强： 每章末尾设有“构建练习”和“自我诊断清单”，便于读者立即应用所学知识。 跨界视野： 内容不仅面向小说家，也深度覆盖商业写作、品牌故事和演讲技巧等应用领域。

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我拿到这本书的时候，以为它会像一本武功秘籍，揭示那些让游戏画面跃然纸上的秘密。我满怀期待地翻阅，希望找到关于色彩理论、光影运用、透视法则如何在游戏场景中得到最巧妙的体现。我渴望知道如何通过构图来引导玩家的视线，如何利用色彩情绪来烘托游戏的氛围，以及如何通过光照的细节来赋予游戏世界生命力。然而，这本书的内容似乎更多地侧重于一些更基础的艺术理论，比如素描、色彩学概论，甚至是一些关于人体比例的讨论。这些内容固然重要，但对于我这个已经具备一定美术基础，并且迫切希望将其应用于游戏设计中的人来说，感觉像是在学习婴儿学步。我期待的是更具体的、与游戏开发直接相关的技术指导，比如如何制作出令人惊艳的纹理贴图，如何优化模型以适应不同平台的性能要求，或者如何利用游戏引擎的内置工具来快速迭代视觉效果。书中关于“像素艺术”和“矢量图形”的介绍，虽然具有一定的历史意义，但与当前主流的 3D 游戏制作理念似乎有些脱节。我希望看到更多关于 PBR 材质、法线贴图、置换贴图等现代渲染技术的详细解析，以及如何在 Unity 或 Unreal Engine 中实现这些技术。

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这本厚重的书籍，封面设计相当吸引人，仿佛隐藏着通往游戏世界幕后的神秘钥匙。我迫切地希望在其中找到关于游戏物理引擎的原理，以及如何利用这些原理来创造出逼真的碰撞反馈和动态效果。我梦想着能够掌握如何让游戏中的物体遵循现实世界的物理规律，比如重力、惯性、摩擦力等等，从而让玩家感受到身临其境的操控体验。我期望书中能有详细的讲解，关于如何设置和调整物理参数，如何处理复杂的碰撞体，以及如何避免常见的物理Bug。然而，当我深入阅读后，我发现这本书的内容更多地集中在游戏的叙事结构、角色塑造以及剧情分支的设计上。它探讨的是如何构建一个引人入胜的故事，如何让玩家在游戏中做出选择并承担后果，从而获得更深度的沉浸式体验。虽然这对于游戏的整体体验至关重要，但与我所期望的“硬核”技术实现，尤其是关于物理引擎的微观操作，相去甚远。我希望书中能有更多关于游戏音效设计与制作的细节，如何通过声音来烘托气氛，如何设计出令人难忘的音效。

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这本书的厚度让人产生了一种“内容爆炸”的预期，我以为里面会装满那些让游戏世界变得生动逼真的“黑科技”。我迫不及待地翻阅，希望能找到关于角色动作设计、表情捕捉、以及如何利用动画剪辑来讲述精彩故事的秘诀。我希望看到如何让游戏角色摆脱僵硬，拥有流畅自然的肢体语言，如何通过微小的表情变化来传递丰富的情感。我期待的是关于关键帧动画的精细调整，关于缓入缓出的科学应用，甚至是如何利用程序化动画来生成动态的、不可预测的丰富内容。然而，这本书的内容似乎更多地停留在游戏开发流程的宏观层面，探讨的是游戏类型的选择、玩法机制的设计，以及如何构建一个引人入胜的故事线。虽然这些内容对于整个游戏项目的成功至关重要，但对于我这个热衷于“视觉表演”的动画爱好者来说，似乎偏离了我的核心兴趣。我希望书中能有更多关于 2D 动画的原理在 3D 游戏中的应用，比如如何运用卡通渲染技术来呈现独特的视觉风格，或者如何通过动画来增强游戏的互动性和反馈感。

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一本厚实的书，封面色彩斑斓，印刷精美，当我迫不及待翻开它时，我以为我将进入一个关于游戏画面如何变得栩栩如生的奇妙世界，想象着那些炫酷的角色模型是如何一步步被雕琢，那些令人惊叹的场景是如何被渲染得如同真实一般。然而，我发现这本书的内容似乎更多地聚焦于游戏开发流程的早期阶段，那些关于游戏概念的构思、世界观的搭建、以及剧本的创作，对我这个只想看到具体技术细节的读者来说，显得有些过于宏观。我期待的是如何使用 Maya、Blender 或者 Unity 来实现那些视觉上的震撼，比如粒子效果的控制、材质的精细调整，甚至是 VR/AR 技术的实际应用。这本书中虽然也提到了这些，但讲解得相对浅尝辄止，更像是概念性的介绍，而非深入的教程。我需要的是手把手的指导，具体的参数设置，甚至是一些代码的示例，来帮助我理解如何将脑海中的奇思妙想转化为游戏中的实际视觉元素。或许对于游戏策划或者初创团队的成员来说，这本书的价值在于它提供了一个更全面的视角，但对于我这样一个渴望掌握具体“魔法”的数字艺术家而言，总觉得少了点什么。我希望书中能有更多关于角色绑定、骨骼动画、动作捕捉技术在游戏中的应用案例，以及如何通过后期合成来增强画面的表现力。

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我抱着对游戏视觉艺术的无限憧憬打开了这本书，想象着自己能够从中汲取养分，创造出令人惊叹的游戏画面。我期待着能够深入了解游戏关卡设计中的视觉引导技巧，如何通过场景的布局、色彩的搭配以及元素的放置来自然地指引玩家的探索路径。我希望能学习到如何营造出不同风格的游戏世界，无论是写实的科幻场景，还是奇幻的东方意境，都能够信手拈来。我渴望找到关于动态模糊、景深效果、以及其他后期处理技术在游戏画面增强中的应用方法，让游戏画面更具电影感。然而，我翻阅了多页，发现本书的内容更多地聚焦于游戏美术的整体规划和项目管理，比如如何组建美术团队，如何进行美术资源的评估和预算，以及如何与程序员和策划人员进行有效沟通。虽然这些是游戏开发中不可或缺的环节，但对于我这个只想沉浸在数字颜料和三维建模的“工匠”来说，感觉像是被拉到了一个更遥远的管理层。我希望书中能有更多关于游戏 UI/UX 设计的案例分析，如何设计出既美观又实用的用户界面，如何通过交互动画来提升用户体验。

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