具体描述
适用范围涵括了演出所涉及到的舞台、影视等相关专业的规范术语和艺术词汇概念的详释。内容包括剧场的舞台管理、舞台设备、舞台装置、舞台灯光、舞台音响、舞台服装、舞台化妆、常用工具等方面术语和定义的诠释以及汉英、英汉索引，包括附录各部分，排列以A-Z为顺序
本书的撰写邀请了与演出相关的各专业专家学者，以严肃认真的态度为舞台艺术的实践、研究与演出艺术教学作了一件有意义的夯实基础工作，为演出创作和文化交流提供了实用、共通的专业参考信息，促进艺术理论与实践相结合的发展。
舞台之光：戏剧设计与制作的实践指南 内容简介 本书并非一部聚焦于特定舞台应用技术术语的工具书，而是一本深入探讨戏剧设计、制作与表演实践的综合性手册。它旨在为舞台艺术领域的从业者、学生以及对戏剧幕后工作充满好奇的爱好者提供一个全面而实用的视角，涵盖从概念构思到最终呈现的每一个关键环节。 全书分为七个主要部分，结构清晰，层层递进，力求在理论深度与实操指导之间找到最佳平衡点。 --- 第一部分：剧场空间的哲学与物理 本部分着重探讨剧场作为一种特殊空间形态的本质。我们不讨论某一个软件或某个硬件的特定术语，而是深入解析剧场空间如何影响和塑造观众体验的深层机制。 1. 空间叙事学： 剧场空间不仅仅是表演的容器，它本身就是叙事的一部分。本章分析了不同类型的剧场形制（如：镜框式、伸展式、中央式、黑盒剧场）如何引导观众的注意力流向，并探讨了“舞台”与“观众席”之间这种独特社会契约的形成过程。重点解析了空间对情感距离的控制——如何通过景框的远近、灯光的聚焦，微妙地调整观众与角色间的心理距离。 2. 结构与安全的基础认知： 这一章避开复杂的工程术语，转而关注支撑起整个艺术愿景的物理框架。它阐述了剧场建筑在承载重量、消防安全和无障碍设计方面的基本原则。内容包括对桁架（Truss）承重概念的直观理解，以及舞台地面材料选择对声音反射的影响，旨在培养创作者对剧场基础设施的敬畏之心和安全意识，而非仅仅将其视为背景。 3. 历史的回响： 简要回顾了从古希腊露天剧场到伊丽莎白一世剧场再到现代大型剧院的演变历程，展示了技术和美学观念是如何相互驱动、共同进步的。 --- 第二部分：灯光：视觉语言的构建 本部分聚焦于灯光设计作为一种非语言表达媒介的力量，强调其在氛围营造和叙事推动中的核心作用。我们侧重于设计理念而非设备操作手册。 1. 光的元素与情感投射： 深入剖析光线的四个基本元素——强度、色彩、方向和运动。每一元素如何对应特定的心理感受？例如，低强度、高对比度的侧光如何营造悬念和疏离感；而柔和的、低色温的正面散射光如何建立亲密与信任。 2. 场景的定调与过渡： 探讨如何使用灯光“洗刷”（Washing）场景以确立时间、天气和地理位置，以及如何设计复杂的“淡出/淡入”（Fade）和“交叉淡入”（Crossfade）来平滑地引导观众的情绪跨越，确保场景转换的流畅性与意义。 3. 聚焦与隔离： 讨论如何运用光束的锐利度和聚光灯（Spotlight）的精准性，将观众的注意力从纷繁复杂的舞台上瞬间抽离，集中于某个关键的动作或面部表情上。这是一种“视觉上的独白”。 --- 第三部分：声景：听觉世界的塑造 声音设计远不止于播放背景音乐或音效。本部分探索如何构建一个完整、有层次感的听觉环境，以增强观众的沉浸感和真实感。 1. 环境音（Ambiance）的层次构建： 解释如何通过多层环境音效（如：远处的交通声、近处的脚步声、室内特定的回响）来建立一个可信的物理环境。成功的音景设计往往是“听不见”的，但一旦缺失，观众便会立刻察觉到环境的空洞。 2. 对白清晰度的艺术： 讨论在复杂的声场中，如何通过麦克风的选择、摆放位置以及混音技巧，确保演员的台词能够清晰地穿透音乐和音效，直达观众耳中，这关乎于舞台上的“声音可达性”。 3. 声音的象征性运用： 探讨声音如何被用作角色的内心独白、记忆闪回或是预示危险的符号。例如，一个重复出现的、扭曲的音乐片段，可以成为角色心理状态的听觉具象化。 --- 第四部分：舞美：构建三维的梦境 这一部分着重于实体布景的设计理念、材料选择和机械联动性，而非仅关注某个特定部件的名称。 1. 空间与意象的转化： 探讨布景如何实现多重功能性。一个看似简单的“墙”或“桌子”，如何通过其材质、高度和可移动性，瞬间转化为叙事中的不同意象——从冰冷的监狱到温暖的家。 2. 机械设计与运动美学： 介绍舞台机械装置（如：转台、升降台）在设计中的作用。关键在于理解机械运动本身所蕴含的戏剧性。一个缓慢而平稳的上升，其情感张力远胜于突兀的弹出。这部分强调的是运动的“节奏感”而非“技术参数”。 3. 材料的触觉与视觉反馈： 讨论不同材料（木材的粗糙、金属的冰冷、薄纱的轻盈）如何通过视觉和触觉（即使观众无法触碰，也能“感觉”到）来强化角色的处境和场景的情绪基调。 --- 第五部分：服装与化妆：角色的外衣 服装和化妆是设计师与演员沟通角色的最直接方式。本章侧重于如何通过视觉符号来快速传递人物背景、社会地位和内心冲突。 1. 符号化的色彩与剪裁： 分析不同时代、不同文化背景下的服装色彩心理学。例如，在特定语境下，单色的服装如何象征权威、压抑或纯粹。剪裁的松紧、线条的硬朗与柔和，直接反映了个体的自由度或束缚感。 2. 老化与风格化的技术： 探讨化妆设计如何超越简单的“变老”，而是服务于风格化的叙事。如何利用造型来强调角色的怪癖、疲惫或病态，使观众在初见时便能捕捉到隐藏在表皮之下的故事线索。 --- 第六部分：技术整合与流程管理 本部分将视角从艺术创作拉回到实际的制作管理层面，强调艺术愿景的落地需要高效的沟通和组织。 1. 从蓝图到舞台的翻译： 讨论设计师的图纸（平面图、立面图、灯光图纸）如何被制作部门准确无误地“翻译”成实物。强调清晰的标注、比例的统一和沟通的迭代在避免现场返工中的决定性作用。 2. 技术排练的结构化推进： 详细阐述技术彩排（Tech Rehearsal）的逻辑流程——如何高效地测试灯光、音效、机械和场景转换，确保每一个技术指令都能在预定时间点精确执行，从而避免耗费宝贵的表演排练时间。 --- 第七部分：观众的参与与临场维护 最后一部分关注于演出的生命周期，以及如何维护舞台的持续“有效性”。 1. 舞台“魔术”的维护： 探讨在演出进行中，如何快速、隐蔽地解决突发的技术小故障（如：某个灯泡烧坏、一个小道具需要更换），保持观众的“在场感”不被打破。 2. 观众的共鸣与反馈： 简要讨论剧场体验的互动性。演出不是一次性的事件，而是创作者与现场观众共同完成的动态过程。理解观众的呼吸、笑声和沉默，是衡量设计成败的最终标尺。 --- 本书旨在提供一套结构化的思维框架，帮助所有剧场工作者提升其设计语言的丰富性、制作流程的专业性，以及最终呈现的艺术感染力。它关注的是“为什么”这样做，而非仅仅是“如何”操作特定设备的命名。
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评分还不错 实用 买不到了
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