為什麼設計--原研哉與阿部雅世的對話

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出版者:木馬文化
作者:原研哉 / 阿部雅世
出品人:
页数:256
译者:
出版时间:20091231
价格:NTD300.00
装帧:
isbn号码:9789866488269
丛书系列:INSIGHT
图书标签:
  • 原研哉
  • 设计
  • 日本
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  • 品牌设计
  • 思考
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具体描述

設計是什麼?為什麼設計?

原研哉與阿部雅世,東京與柏林,居住在兩個不同城市的設計者,進行了一場以「設計」為題的討論。本書是兩位作者的精采對談錄,他們結合自身對於設計的想法與實踐,融合彼此對於東西方文化的觀察,在「如何理解設計」、「設計的語言與溝通」、「設計的潮流」、「設計與生活」四個大主軸之下,深入探討設計的根本,以及種種與設計相關的有趣議題。

王志弘:平面設計師

王增榮:國立台北科技大學建築系講師

安郁茜:實踐大學設計學院院長

阮慶岳:元智大學藝術創意系系主任、作家

官政能:實踐大學工業產品設計系所教授兼副校長

徐明松:銘傳大學建築系助理教授、義大利國家建築師

詹徫雄:學學文創副董事長、《數位時代》總編輯

劉 開:平面設計師

蘇耀昌:JRV International創意總監

我與阿部雅世相識是在2004年。在主辦完以「HAPTIC(感覺的覺醒)」?主題的「竹尾紙展(TAKEO PAPER SHOW)」之後,計劃將展會內容整理成書,便與參展作家舉行了幾次座談會。那時,正好從米蘭回來的阿部雅世也被邀請參加了。可以說跟她初次見面的時候,展覽會的事情已經結束了。座談會的成員還有紡織品設計師須藤玲子和我,共三個人。記得那時我們基本上是初次交談。

我們的談話很愉快,給我印象最深的是,她對歐洲和日本的種種直言不諱的評論特別具有說服力,因為這都是從她個人的切身體會出發的。在海外工作的人往往以當地的標準來評價自己,所以我們只能唯唯諾諾地對那種具有異國情調的不同文化的價值觀和感覺表示欽佩。但阿部雅世卻不是這樣。與其說她在國外受到好評,倒不如說她具有在國外才必須要有的那種「自我展示」的主動意識。也就是說,她在不同的文化中,鼓勵著那些沒有好好學習或工作的學生和職員,要作為一名積極主動的日本人在歐洲奔走。

阿部雅世認為,日本和歐洲所共有的問題,以及本世紀、全世界的人們所要面臨的迫切問題都非常清晰。而且,跟她談話多久都覺得沒有盡頭,感覺在那些話題背後隱藏著更多的話題。就像貪心的小孩兒似的,雖然從聖誕老人那兒得到了禮物,但還總惦記著聖誕老人背著的那個巨大的袋子。從那時起,我就默默地期待能與阿部雅世暢所欲言。

本書談話的前半部分在東京,後半部分在柏林。東京篇以我接受採訪的形式開始,柏林篇相反是以我向阿部雅世...MORE>>目錄

序言

東京篇

第一章 如何理解設計

設計的入口∕創造智慧和想像的容器∕裝飾是力量的象徵∕我在進行「精神」的設計∕平面設計的訓練∕連續不間斷∕為什麼在大學教課∕讓人們知道有多少是自己不知道的∕引領價值的轉變 「舒展」不如「褶皺」∕創造存在感的方法/原研究小組的夏季集訓∕採取有成效的方式

第二章 語言與溝通

設計師必須是解釋的專家∕大部分工作是寫企劃書和委託書∕像整齊漂亮的動物毛那樣的設計是最理想的∕沒有經過深思熟慮就不要隨便說什麼「簡單」∕空白就是在改變秩序中產生的空隙∕日本的富有在於充滿變化∕語言的感受性∕對內的語言和對外的語言∕關注視覺導航∕快樂的使用說明書∕努力研究如何能提出有價值的問題∕「體力充沛嗎?」

第三章 設計的潮流

技術驅動和採取什麼樣的立場∕日本是如何宣傳的∕迅速發展的米蘭沙龍展覽會∕所謂Salone方法∕用來自日本的纖細,嘗試說服世界∕對欲望形式的美化∕於「經濟」之後到來的事物

第四章 設計與生活

從百貨來看日本和歐洲∕廚房是設計的集合∕生活和家用電器格格不入∕「日本車」和組合廚房用品∕建設家庭是一種試驗∕如何在現代中生活∕同潤會建造的公寓明明是集體公寓的好典型∕不要看你擁有什麼,要看你能分享什麼∕創造未知的「和」∕進屋必須脫鞋,這是不能妥協的一點∕最近100年,日本沒有形成居住方式的規範∕何?

好的,以下是根据您的要求撰写的图书简介,内容不涉及您提供的书名及其作者和主题: 纸上风景:探寻中国古典园林中的诗意栖居 一部深入中国古典园林精神内核的文化考察 在中国广袤的历史长河中,园林不仅是供人游憩的物质空间,更是文人墨客寄托情怀、构建理想精神世界的独特载体。本书《纸上风景:探寻中国古典园林中的诗意栖居》,旨在带领读者穿越时空,深入考察中国古典园林从萌芽、发展到成熟的漫长历程,重点剖析其背后蕴含的哲学思想、美学原则以及对中国人精神生活产生的深远影响。 本书并非一部简单的园林建筑图鉴,而是试图以一种人文关怀的视角,去解读这些由砖石、水体、植物和空间共同构筑的“微缩宇宙”。我们相信,理解园林,便是理解中国人处理人与自然关系的方式。 第一部分:源起与奠基——从郊野到文人雅集 中国园林的发展,深深植根于古代哲学思想,特别是道家“天人合一”的理念和儒家“修身养性”的追求。本部分将追溯园林的早期形态,从记录在《诗经》中的古代苑囿,到魏晋时期士大夫们开始在私人宅邸中营造山水意境的初步尝试。 我们将详细阐述“借景”、“对景”等早期空间处理手法,这些手法并非单纯的景观设计技巧,而是一种高度提炼的审美活动。例如,在江南水乡,园林如何通过有限的池塘和曲折的廊道,模拟出广阔山川的意境,这其中体现了古人“于无声处听惊雷”的哲学深度。东晋大诗人陶渊明笔下的“采菊东篱下,悠然见南山”,成为了无数后世园林追求的终极精神境界。我们考察了当时的文人生活状态,揭示他们为何需要这样一个与外界喧嚣隔绝的“精神庇护所”。 第二部分:盛景与体系——宋代园林的集大成 宋代是中国古典园林发展的高峰期,无论从理论构建还是实际营造上,都达到了前所未有的高度。这一时期,不仅有皇家园林的恢宏气象,更有大量私家园林的精致典雅,它们共同构建了中国园林的黄金标准。 本书重点分析了宋代园林理论的成熟,如对叠石艺术的极致追求。我们不仅描述了技艺,更深入探讨了“假山”的文化意义——它不再是自然的简单复制,而是艺术家对自然力量和形态的抽象表达。我们考察了当时著名的园林家和艺术家,如米芾、朱熹等人对造园思想的贡献。他们的理论,将园林从单纯的娱乐场所,提升到了哲学思辨的层面。 此外,我们详尽对比了北方宫苑与南方私家园林在功能和审美上的差异。北方的园林更注重权力与礼制的体现,空间布局往往开阔宏大;而南方的园林则强调曲径通幽、内敛含蓄,每一处转折都暗藏玄机,引导观者进入沉思。 第三部分:精微与意象——明清园林的集大成与地域性 明清时期,园林艺术进入了成熟阶段,地域风格和个性化表达愈发鲜明。本部分聚焦于以苏州园林为代表的“文人园”的精微之处。 苏州园林,如拙政园、留园,被誉为“咫尺之内再造山林”的典范。我们将拆解这些园林中对“意象”的营造:一扇窗框如何框定了一幅山水画卷?一处漏窗如何将园外的景致纳入园内叙事?我们探讨了植物在园林中的象征意义,松竹梅的品格,以及不同花卉在特定季节所承载的情感负载。 本章还将探讨清代皇家园林,如颐和园的宏大规模与功能复合性。皇家园林在继承传统的同时,融入了更多的帝王气概与异域元素,形成了与文人园截然不同的磅礴气势。我们分析了这种“大”与“小”、“公”与“私”之间微妙的张力,以及它们如何共同丰富了中国园林的艺术谱系。 第四部分:园林之外——诗意栖居的现代回响 园林艺术并非静止的历史遗迹,它的精神内核依然影响着当代生活。在这一部分,我们将超越对具体园林的描述,转向对“诗意栖居”这一概念的现代阐释。 古典园林教导我们如何在有限的空间中寻求无限的精神自由,如何在日常生活中发现美和韵律。现代城市生活的高压与疏离感,反而凸显了回归自然、寻求心灵栖息地的迫切需求。本书将探讨当代建筑师和景观设计师如何从古典园林中汲取灵感,如何在现代材料和技术条件下,重塑具有东方神韵的居住环境。 最终,本书意图揭示:中国古典园林是古代知识分子用物质形式写就的一部审美哲学著作。它不仅是关于“看”的艺术,更是关于“生活”的艺术。通过重温这些山水意境,我们得以重新校准自身与自然、与历史、与自我的关系,寻回那份渐行渐远的宁静与从容。 本书适合对中国传统文化、园林艺术、古典美学、以及寻求深度生活哲学的读者阅读。

作者简介

日本平面设计大师原研哉先生,日本设计中心代表,武藏野美术大学教授,无印良品咨询委员会委员。他以一双无视外部世界飞速发展变化的眼睛面对“日常生活”,以谦虚但同时尖锐的目光寻找其设计被需要的所在,并将自己精确地安置在他的意图能够被赋予生命的地方。当我们的日常生活正在越来越陷入自身窠臼之时,他敏锐地感知到了设计的征候和迹象,并且自觉自主地挑战其中的未知领域。他的设计作品显现出来的不落陈规的清新,在于他找到了设计被需求的空间并在其中进行设计。在这样的态度下,他拓展了设计的视野和范畴,在他所经历之处,崭新的地平线不停地被发现和拓展。

目录信息

读后感

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断断续续的读完了《为什么设计》,单单是从书名来看,以为会是一些枯燥的理论,但真的读起来还是蛮有意思的,通过两个人的对话形式,来展开个人的设计观,单就这个想法,已经有些意思了,类似的探讨设计的书籍很少。 第一感觉,设计不应仅仅作为商业的附加,而更应该是包含商...  

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我的博客原文:http://www.justinyan.me/post/1798 日文中译本读起来总是令人觉得流畅而素雅,原研哉关于设计的看法总是遥远而发人深省。 这本书是原研哉与阿部雅世的对话。看过原研哉的《白》、《再设计》、《设计中的设计》,其在日本享有盛名,而阿部雅世的名字却是第一次...  

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断断续续将近1个月,快接近尾声才发觉在【欧洲生活文化与欧洲设计的关系】章节里驻足了好多次。 阿部是始终怀揣着“怀”日情节而演绎自己的设计“回归学”,也就是棍棒理论里的“容器”学,他的设计哲学在回归历史、回归家庭中,需求一份沉淀和传承,而这些,恰恰是时代快速发...  

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断断续续将近1个月,快接近尾声才发觉在【欧洲生活文化与欧洲设计的关系】章节里驻足了好多次。 阿部是始终怀揣着“怀”日情节而演绎自己的设计“回归学”,也就是棍棒理论里的“容器”学,他的设计哲学在回归历史、回归家庭中,需求一份沉淀和传承,而这些,恰恰是时代快速发...  

用户评价

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这本书的叙事节奏处理得相当高明,它没有采用那种教科书式的理论堆砌,而是通过一种对话的形式,让抽象的理念变得触手可及。我尤其欣赏作者们对于“不确定性”的探讨,他们似乎并不急于给出确定无疑的结论,反而更倾向于打开更多的可能性。这对于我们这些在信息爆炸时代寻求确定性的读者来说,无疑是一种挑战,但更是一种解放。它让我意识到,设计过程本身就是一个不断试错、不断修正的过程,而不是一个线性的、完美的规划。这种开放性的讨论,使得即便是初涉设计领域的新人,也能从中获得启发,而资深从业者则能从中找到久违的共鸣点。文字的流动性极佳,仿佛能听见两位大师在深夜书房里,就一个极小的细节进行着长达数小时的辩论,那种思想的火花碰撞出的温度感,是冷冰冰的文字所难以传达的。

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这本书最让我感到震撼的一点,是它对“透明度”的理解,这远超出了字面意义上的清晰可见。它探讨的是信息、意图乃至设计师的“在场感”应该如何被处理。有些设计是刻意隐藏,有些则是坦诚相待。作者们通过一系列精妙的案例阐述,展示了这种透明度如何影响用户对品牌的信任度和产品的使用体验。这不仅仅是关于视觉上的“看不见”或“看得清”,更是关于设计者是否在与使用者进行一场诚实的交流。读完这部分内容,我立刻回想起自己最近购买的几件产品,那些让我感到困惑或愉悦的瞬间,背后似乎都有这种“信息透明度”在起作用。这种深层次的洞察,无疑提升了这本书的格局,使其从一本设计指南跃升为一本关于沟通与信任的哲学读物。

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这本书的封面设计简直是一场视觉的洗礼,那种克制的、近乎禅意的留白,让人在翻开之前就已经感受到一种对“本质”的追寻。它不像市面上那些充斥着花哨图样的设计书籍,而是用最简洁的元素,却蕴含着最深沉的思考。每一次目光的触及,似乎都能捕捉到光影的微妙变化,那是对“物”本身的尊重。我常常在想,优秀的设计究竟是从哪里流淌出来的?是天才的一时灵感,还是长期训练出的敏锐洞察力?这本书没有给我一个标准答案,但它却用一种近乎散文诗的笔调,引导我深入思考设计背后的哲学基础。那些看似不经意的排版调整,那些字体选择的细微差异,在作者的娓娓道来中,都成了解构世界、重建认知的路径。读着读着,我仿佛不再是单纯地在“看”设计,而是在“体验”设计如何渗透进我们的日常生活,如何无声地塑造我们的感知和行为模式。这种体验是宁静而深刻的,它让人愿意慢下来,去重新审视那些平日里被我们匆匆略过的日常物件。

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阅读过程中,我被书中那种对“材料”与“感知”之间关系的深度挖掘所深深吸引。它不再仅仅关注设计的结果——那个最终呈现出来的产品,而是将焦点放在了触觉、视觉乃至嗅觉是如何与设计对象产生连接的。这种细腻的观察力,让我开始反思自己与身边物品的关系。我们常常过度依赖视觉信息,却忽略了指尖传递给大脑的讯号。书中对不同材质的纹理、温度、重量的描述,充满了感官的张力,简直像是在为我的手指和眼睛做一场深度SPA。它教会我,好的设计应该是一场多维度的感官盛宴,而不是单一的视觉展示。每一次翻页,都像是进行了一次冥想,梳理着那些被现代生活压抑的、对真实触感的渴望。这种对“具身认知”的重视,是现代设计理论中常常被忽略的宝贵财富。

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从语言风格上来说,这本书的行文是极其内敛而有节制的,如同它所推崇的设计美学一样。没有夸张的形容词,没有故作高深的术语,一切都以一种极其克制和精准的词汇来表达。然而,这份克制之下,却涌动着一股强大的思想洪流。它不是那种快餐式的“如何做”,而是慢炖的“为什么如此”。它迫使读者进行深层次的自我反思:我的设计初衷是什么?我想要通过这个作品传递什么样的“空气感”?这种对“氛围营造”的重视,是当代许多追求效率的设计实践中缺失的一环。这本书更像是一位老朋友在低声耳语,分享着多年积累的智慧,让人在平静的阅读中,收获了重塑世界观的力量,久久不能平静。

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启蒙书

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说真的 聊天也能卖钱 这…

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I don't want to read through

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谢谢益文书局的免费阅读,用了半个下午匆匆咀嚼完。

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两位日本设计师,一位常驻东京,一位旅居欧洲。听他们谈论生活,对设计的看法,日本和欧洲文化的碰撞,和对当今社会追求经济经济的反思,对自己的生活很有启发呢。

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