Baroque Music (3rd Edition) pdf epub mobi txt 电子书下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:Prentice Hall

作者:Claude Palisca

出品人:

页数:368

译者:

出版时间:1990-12-11

价格:USD 76.20

装帧:Paperback

isbn号码:9780130584960

丛书系列:

图书标签:

巴洛克
音乐学
音乐参考书
音乐
巴洛克音乐
古典音乐
音乐史
音乐理论
西方音乐
音乐欣赏
音乐文化
17世纪音乐
18世纪音乐
音乐教材

下载链接在页面底部

facebook linkedin mastodon messenger pinterest reddit telegram twitter viber vkontakte whatsapp 复制链接

想要找书就要到小哈图书下载中心

qciss.net

立刻按 ctrl+D收藏本页

你会得到大惊喜!!

具体描述

Now includes a chapter on French and English sacred music in the 17th and 18th century.

音乐史上的巴洛克辉煌：一窥《巴洛克音乐（第三版）》之外的音乐世界引言：探索被遮蔽的音乐疆域巴洛克时期（约1600年至1750年）无疑是西方音乐史上一个至关重要的转折点，其复杂精妙的对位法、华丽的装饰性以及深沉的情感表达，至今仍是音乐家和学者研究的焦点。然而，当我们沉浸于巴赫的精妙、亨德尔的宏大或维瓦尔第的活力之时，我们很容易忽略了在其光芒之下，或者在时间长河中被重塑的、同样丰富多彩的音乐景观。本篇简介旨在引导读者走出巴洛克音乐的经典范畴，探索那些与其并存、或紧随其后，或在更早期酝酿的、具有同等重要性的音乐领域。我们将聚焦于那些未被特定“巴洛克”标签完全定义的音乐实践、理论演变以及不同地域的风格差异，为构建一个更全面、更细致的音乐历史图景提供参照。第一部分：中世纪的根基与早期的探索 (公元 500 – 1600 年代初) 在巴洛克音乐的结构和和声体系建立之前，音乐的发展经历了漫长而深刻的演变。忽视早期音乐，就如同试图理解一座宏伟建筑的顶层而对其地基一无所知。 1. 格里高利圣咏与早期记谱法：中世纪的音乐以单音音乐（Monophony）为主导，以格里高利圣咏（Gregorian Chant）为核心。这些庄严的、无伴奏的旋律，是西方音乐最早的、被系统记录下来的遗产。它们体现了对文本的至高无上的尊重，以及对清晰、宁静美学的追求，这与巴洛克时期对情感的激烈渲染形成了鲜明对比。早期记谱法，如纽姆（Neumes）的发展，是音乐从口头传统转向精确记录的关键一步，为后世复调音乐的复杂性奠定了基础。 2. 早期复调的发展与“奥尔加农”的探索：随着九世纪“奥尔加农”（Organum）的出现，音乐开始探索平行或自由的对位。这标志着多声部音乐的开端。随后，巴黎圣母院乐派（Notre Dame School），特别是列奥宁（Léonin）和佩罗坦（Pérotin）的作品，将复调的复杂性推向了一个新的高度，形成了严格的、节奏分明的早期复调结构，这与巴洛克时期成熟的对位技术（如赋格）有着本质的区别。 3. 15 世纪的“新艺术”与人文主义的注入：文艺复兴早期，特别是勃艮第乐派的杜法伊（Dufay）和奥克冈姆（Ockeghem）开创了平滑、精巧的复调织体。他们的音乐注重旋律线的流动性，和声色彩相对柔和。到了16 世纪，约斯坎·德普雷（Josquin des Prez）将人声的表达力推至巅峰，其作品中对文本情绪的细腻捕捉，已经预示了“人声第二”的观念，但其织体依然保持着高度的均质性，区别于巴洛克时期“主导旋律与伴奏”的“巴洛克式片断”（Terraced Dynamics）风格。 4. 宗教改革与对位法的异彩：马丁·路德的宗教改革催生了德语圣咏（Chorale）的兴起，这极大地影响了后来的德语音乐发展，为巴赫的清唱剧和受难曲准备了土壤，但其音乐形式本身，以清晰、易于传唱的合唱为主，是更直接服务于信众的音乐。与之相对，罗马乐派的帕莱斯特里那（Palestrina）则以其“净化”后的、完美平衡的五声部复调，成为对位艺术的典范，其宁静与清晰感，常被视为与巴洛克后期复杂性相对立的美学高峰。第二部分：紧随其后的古典主义的诞生与结构化（约 1730 – 1820 年代）巴洛克风格的终结并非突然，而是逐渐被新的审美思潮所取代。洛可可风格（Rococo）和“情感（Affekten）”理论的简化，促成了对清晰、平衡和清晰形式的追求，这些最终凝结成了古典主义音乐。 1. 洛可可与“优美的风格”（Style Galant）：在巴洛克晚期向古典主义过渡的阶段，“优美的风格”在法国和意大利兴起。这种风格摒弃了巴洛克对位法的复杂性和持续不断的动力，转而追求轻盈、优雅、旋律驱动的特性。音乐变得更具对话性，节奏更加规律化，装饰也更为精巧、而非沉重。这直接导致了主调音乐（Homophony）取代了复调（Polyphony）的主导地位。 2. 奏鸣曲式的确立与形式的逻辑：古典主义的核心在于奏鸣曲式（Sonata Form）的发展和完善。海顿、莫扎特和贝多芬将呈示部、发展部和再现部的结构逻辑推向极致。这种对形式的结构化和清晰的二元对立的追求，与巴洛克时期对“固定情感（Doctrine of Affections）”的持续发展是不同的。古典主义更强调主题的“发展”和“冲突解决”的过程美学。 3. 交响乐与室内乐的成熟：古典主义时期确立了现代管弦乐队的编制基础。交响乐作为宏大叙事的载体，其四个乐章结构（快板、慢板、小步舞曲/谐谑曲、终曲）成为标准范式。室内乐，特别是弦乐四重奏，成为最能体现对话与平衡的艺术形式。相比之下，巴洛克时期的协奏曲（Concerto Grosso 或独奏协奏曲）更多依赖于“合奏团与独奏者”的对比，其结构灵活性不如成熟的古典奏鸣曲式。第三部分：浪漫主义的扩张与情感的解放（约 1800 – 1910 年代）进入19 世纪，音乐的美学焦点彻底转向了个体经验、无限情感和超验世界的探索，这与巴洛克时期对理性、秩序和宗教/世俗权力结构的音乐化表达形成了巨大的反差。 1. 主观叙事与文学的融合：浪漫主义音乐的核心在于“自我表达”。作曲家不再满足于描绘普遍的情感，而是致力于将个人经历、梦想、恐惧和对自然的沉思融入音乐中。标题音乐（Program Music）的兴起，如李斯特的交响诗（Symphonic Poem），直接打破了巴洛克和古典时期对纯器乐的偏爱，将音乐置于明确的文学或哲学叙事之下。 2. 和声的拓展与调性的模糊化：为了表达更复杂的情感，浪漫主义作曲家开始大量使用远关系和弦、不协和音和半音阶，不断挑战传统的大小调调性系统。瓦格纳的《特里斯坦与伊索尔德》中的“特里斯坦和弦”标志着调性语言的极大扩展，而这正是巴洛克音乐在确立和声规则之初所极力避免的。 3. 大型化趋势与对独奏技艺的崇拜：从贝里奥兹到马勒，管弦乐队的规模空前膨胀，音响的力度和广度被推向极限。同时，像帕格尼尼这样的演奏大师，将独奏乐器的技巧推向了超越人声的、近乎魔幻的境界，这是一种对“英雄式”个人能力的赞颂，与巴洛克时期对“合奏精神”的强调形成对照。结论：视野的拓宽《巴洛克音乐（第三版）》为我们提供了理解17世纪早期至18世纪中期音乐成就的宝贵钥匙。然而，音乐史的魅力在于其连续性和多样性。通过审视中世纪的宗教虔诚、文艺复兴的人文主义平衡、古典主义的形式理性，以及浪漫主义的情感爆发，我们得以更好地定位巴洛克风格的独特贡献。它不是音乐史的终点，而是通往后世一切音乐形式的必要桥梁。一部完整的音乐史，需要将目光投向这些同样辉煌的、或在变革中孕育的音乐篇章。

作者简介

目录信息

读后感

评分☆☆☆☆☆

用户评价

评分☆☆☆☆☆

作为一名对音乐史的演变过程充满好奇的学习者，《Baroque Music (3rd Edition)》这本书为我提供了极其宝贵的视角。我深切地体会到，巴洛克音乐并非凭空出现，而是有着清晰的脉络和演进的过程。这本书在梳理这一演进过程时，展现出了非凡的宏观视野和微观分析能力。作者并没有将巴洛克音乐割裂开来，而是将其置于整个西方音乐史的大框架下进行考察，从文艺复兴音乐的遗产，到晚期巴洛克向古典主义的过渡，都做了细致的梳理。我特别欣赏书中对音乐风格变迁的探讨。作者分析了技术性的发展，例如和声理论的进步、乐器制造的革新，是如何推动音乐风格的演变的。同时，也考察了社会文化因素，例如贵族赞助、教会的影响，以及新兴市民阶层的音乐需求，是如何塑造了巴洛克音乐的面貌。书中对不同地域音乐风格的对比分析，也让我印象深刻。例如，意大利音乐的热情奔放，法国音乐的精致典雅，德国音乐的深沉内敛，都在书中得到了生动的展现。我喜欢书中通过对作品的深入剖析，来揭示这些风格差异的根源。这本书让我对巴洛克音乐的理解，不再局限于几个著名的作曲家，而是能够看到一个更广阔、更具动态的音乐图景。

评分☆☆☆☆☆

作为一位致力于巴洛克音乐表演的演奏家，我在寻找一本能够提供深入实践指导和理论支持的参考书时，《Baroque Music (3rd Edition)》展现出了非凡的价值。这本书的内容对我来说，不仅仅是知识的积累，更是对艺术实践的启发。我被书中对巴洛克时期演奏技法和装饰音的详细讲解所吸引。作者不仅列举了当时文献中记载的各种装饰音，还结合不同乐器的特点，分析了其演奏的可能性和审美效果。这对于我在解读和演绎巴洛克作品时，提供了宝贵的指导。书中对数字低音演奏的阐释尤其深入，详细解释了和弦的构成、声部的编写原则，以及即兴演奏的自由度，这对于我准确把握乐曲的整体织体和进行个性化的演奏非常有帮助。此外，本书对巴洛克时期音乐表演实践的描绘，例如对乐队编制、音色特点、以及演出场地的介绍，都让我对当时的音乐氛围有了更直观的感受。我尤其欣赏书中对不同作曲家作品的演奏风格和诠释方式的探讨。例如，在处理巴赫的奏鸣曲时，如何体现其对位法的严谨；在演绎亨德尔的清唱剧时，如何表现其宏伟的气势；在演奏维瓦尔第的协奏曲时，如何展现其炫技性的技巧，书中都提供了许多值得借鉴的思路。这本书不仅提升了我对巴洛克音乐的理论认知，更直接地指导了我的演奏实践，让我的演奏更加符合历史语境，富有表现力。

评分☆☆☆☆☆

我是一名正在攻读音乐史专业的学生，在寻找一本能够系统性梳理巴洛克音乐发展的权威教材时，《Baroque Music (3rd Edition)》成为了我的首选。这本书的学术严谨性和内容深度给我留下了深刻的印象。作者在史料考证方面做得非常扎实，引用了大量的原始文献和学术研究成果，保证了信息的准确性和可靠性。书中对巴洛克音乐的各个阶段，从早期到晚期，都进行了清晰的划分和细致的论述，让我对这一漫长而富有变革的时期有了整体的把握。我尤其欣赏作者在处理复杂的音乐风格演变时的能力。书中不仅介绍了各时期代表性的作曲家及其作品，还着重分析了他们之间音乐语言的传承与创新，以及不同地域音乐风格的特点。例如，对意大利歌剧的起源和发展、法国键盘音乐的精致典雅、以及德意志音乐在复调技法上的精湛造诣，都进行了深入的探讨。书中对音乐体裁的分类和分析也十分详尽，无论是奏鸣曲、协奏曲、赋格、清唱剧还是歌剧，都提供了清晰的定义、结构特点和发展脉络。此外，作者在解释一些关键音乐术语和概念时，也力求做到既准确又易懂，这对于我们这些正在学习的学子来说至关重要。本书的参考文献列表非常完备，为我进一步深入研究提供了宝贵的线索。总的来说，《Baroque Music (3rd Edition)》不仅为我构建了扎实的巴洛克音乐知识框架，更为我日后的学术研究奠定了坚实的基础。

评分☆☆☆☆☆

在接触《Baroque Music (3rd Edition)》这本书之前，我对巴洛克音乐的印象主要停留在“华丽”和“复杂”这两个词汇上。然而，这本书以其深刻的洞察力和细腻的笔触，彻底颠覆了我之前的认知，让我看到了巴洛克音乐更为广阔和深刻的一面。我非常欣赏作者将音乐研究与历史、哲学、甚至心理学相结合的视角。书中对于巴洛克时期“生命短暂，及时行乐”的哲学思想如何渗透到音乐创作中的分析，让我对巴洛克音乐的悲伤、忧郁以及对生命的热情有了更深的体会。我尤其喜欢书中对一些具象音乐的解读，例如书中对于亨德尔《弥赛亚》中“哈利路亚”合唱的分析，不仅仅是其音乐上的辉煌，更是其所蕴含的精神力量和宗教情感的升华。作者还深入探讨了巴洛克音乐的“对位法”和“数字低音”等核心技术，但他的解释方式却非常生动和形象，让我这个非专业人士也能大致领略其中的奥妙。书中还穿插了大量关于作曲家们鲜为人知的故事和趣闻，这让阅读过程充满了乐趣，也让我对这些伟大的音乐家们有了更亲近的感受。这本书让我意识到，巴洛克音乐并非仅仅是历史的遗物，而是依然能够触动我们现代人内心深处的情感，并引发我们对生命、艺术和人性的深刻思考。

评分☆☆☆☆☆

作为一位长久以来对巴洛克音乐充满好奇的音乐爱好者，终于有机会拜读了《Baroque Music (3rd Edition)》。这本书简直像是一扇通往那个辉煌时代的金钥匙，它不仅仅是一本教材，更像是一次沉浸式的历史与艺术之旅。翻开第一页，我便被其编排的逻辑性所折服。作者并没有直接抛出复杂的音乐理论，而是循序渐进地引导读者进入巴洛克世界。从音乐的宏观背景，例如当时的社会、宗教、政治环境如何深刻影响了音乐的创作和发展，到音乐家们的生活和创作心路，都做了详尽的描绘。我特别喜欢书中对巴洛克时期重要作曲家们的介绍，不仅仅是列举他们的作品，而是深入分析了他们各自的风格特点、创新之处以及对后世音乐产生的深远影响。比如，对巴赫的赋格技巧、亨德尔的歌剧艺术、维瓦尔第的小提琴协奏曲，书中都提供了令人耳目一新的解读。更重要的是，这本书不仅仅停留在理论层面，它还巧妙地融入了对音乐作品本身的分析。通过详细的乐谱分析和听觉引导，我得以更深入地理解巴洛克音乐的旋律、和声、节奏和曲式结构。书中对数字低音的解释尤为清晰，这对于许多初学者来说可能是个难点，但通过本书的阐释，我感到豁然开朗。此外，书中还涉及了巴洛克时期乐器、演奏技法以及音乐表演实践等多个方面，这让我对那个时代的音乐有了更全面的认识。总而言之，这本书为我打开了一个全新的音乐维度，让我对巴洛克音乐的理解达到了前所未有的深度。

评分☆☆☆☆☆

作为一名希望拓宽音乐视野的音乐学院学生，我在寻找一本既能提供扎实理论基础，又能激发艺术灵感的巴洛克音乐著作时，《Baroque Music (3rd Edition)》给予了我极大的惊喜。这本书的内容设计非常精巧，它不仅仅是罗列事实和理论，更注重引导读者进行独立思考和深入理解。我喜欢书中对音乐文献的解读和分析。作者不仅引用了当时的音乐评论和理论著作，还对这些文献进行了批判性的分析，让我能够更全面地了解巴洛克时期音乐理论的发展和演变。书中对作曲家创作手稿的解读，以及对作品早期版本和最终版本的比较分析，都为我理解作曲家的创作过程提供了宝贵的视角。我尤其欣赏书中对巴洛克音乐“表现力”的探讨。作者通过分析不同作曲家在处理旋律、和声、节奏等方面的独特手法，展示了巴洛克音乐是如何达到如此强大的情感冲击力的。例如，书中对蒙特威尔第音乐中“情感的强度”的分析，以及对普塞尔音乐中“戏剧性的张力”的阐释，都让我受益匪浅。此外，本书还触及了一些关于巴洛克音乐表演实践的争议性话题，例如即兴演奏的界限、装饰音的使用规则等，这激发了我对这些问题的进一步思考。这本书为我打开了一个更为广阔的学术视野，让我认识到巴洛克音乐研究的深度和复杂性。

评分☆☆☆☆☆

我一直对巴洛克时期音乐的独特魅力感到着迷，而《Baroque Music (3rd Edition)》这本书，则将这种着迷升华为一种深刻的理解。我必须说，这本书的编排方式非常现代化，它并没有将所有的理论知识一股脑地抛给读者，而是通过精心设计的章节和内容，让学习过程变得既有条理又富有启发性。我特别喜欢书中对巴洛克时期音乐“情感的理性化”这一概念的阐述。作者并没有回避巴洛克音乐中强烈的戏剧性和情感张力，而是深入分析了作曲家们是如何通过严谨的音乐结构和技法来组织和表达这些情感的。这种对“理性”与“情感”辩证关系的探讨，让我对巴洛克音乐的理解更加深刻。书中对音乐表演实践的描绘，也让我对那个时代的音乐有了更生动的感受。例如，对当时演唱方式、乐器音色、以及演出场地等方面的介绍，都让我能够想象出巴洛克音乐在实际演出中的样子。我最欣赏的是，本书并没有将巴洛克音乐视为一个僵化的整体，而是强调了其内部的多样性和复杂性。书中对不同作曲家、不同体裁、不同地域音乐风格的细致分析，让我看到了巴洛克音乐的丰富面向。这本书让我不仅仅是“听到”了巴洛克音乐，更是“理解”了它，并从中获得了更深层次的艺术享受。

评分☆☆☆☆☆

我在一个偶然的机会中接触到了《Baroque Music (3rd Edition)》，这本书的独特视角和深刻洞察力，让我对巴洛克音乐产生了前所未有的兴趣。我必须承认，在阅读这本书之前，我对于巴洛克音乐的认知仅限于一些非常表面的印象，例如其华丽和复杂。然而，这本书带领我深入探索了巴洛克音乐背后更深层次的意义。我喜欢作者将音乐置于更广阔的文化背景中进行考察。书中详细介绍了巴洛克时期艺术、建筑、文学等领域的发展，以及它们之间相互的影响，让我能够更好地理解巴洛克音乐的审美特质。例如，书中将巴洛克音乐的宏大、对比、戏剧性等特点与同时期的巴洛克建筑和绘画风格联系起来，这种跨学科的解读方式让我耳目一新。我特别欣赏书中对巴洛克音乐“理性与情感的结合”这一主题的阐释。作者通过分析巴洛克作曲家们如何在严谨的音乐结构中注入充沛的情感，让我对巴洛克音乐的理解更加立体和丰富。书中对一些具象音乐的分析，例如维瓦尔第《四季》中模仿自然声音的部分，让我体会到了巴洛克音乐的生动和趣味性。这本书让我不再仅仅将巴洛克音乐视为一种遥远的艺术风格，而是能够感受到其中蕴含的普适性的人类情感和对世界的探索精神。

评分☆☆☆☆☆

作为一个对古典音乐怀有浓厚兴趣的业余爱好者，我一直试图更深入地了解巴洛克时期那些华丽而富有表现力的音乐。《Baroque Music (3rd Edition)》这本书，如同一位循循善诱的老师，带领我走进了那个充满戏剧性和情感张力的音乐世界。我喜欢这本书的叙事方式，它不仅仅是枯燥的理论堆砌，而是充满了生动的历史细节和引人入胜的故事。作者通过讲述作曲家们的个人经历、当时的社会风貌，以及他们创作的灵感来源，让我能够真切地感受到那个时代的呼吸。书中的例子选取得非常恰当，无论是对维瓦尔第《四季》的赏析，还是对蒙特威尔第歌剧的解读，都让我对这些耳熟能详的作品有了全新的认识。我特别喜欢书中对巴洛克音乐“情感表达”的分析。作者深入浅出地解释了巴洛克作曲家们如何运用音乐元素来表达特定的情感，例如使用色彩斑斓的和声来描绘悲伤，或者运用快速的节奏来展现喜悦。这让我开始能够“听懂”巴洛克音乐的语言，不仅仅是欣赏其优美的旋律，更能体会其中蕴含的深刻情感。此外，书中对一些巴洛克时期重要的音乐理论概念，如“通奏低音”和“情感理论”，都做了非常清晰的解释，这对于我这样没有接受过系统音乐训练的人来说，无疑是极大的帮助。这本书让我对巴洛克音乐的理解从“喜欢”上升到了“理解”，极大地丰富了我的音乐欣赏体验。

评分☆☆☆☆☆

在我踏入音乐殿堂的初期，《Baroque Music (3rd Edition)》这本书像一位睿智的长者，用最清晰易懂的语言，为我揭开了巴洛克音乐神秘的面纱。这本书最大的亮点在于它将抽象的音乐理论巧妙地融入到生动的故事和具体的音乐作品中。我清楚地记得，书中对“复调音乐”的解释，并没有停留在枯燥的对位规则上，而是通过分析巴赫的《平均律钢琴曲集》中的赋格，让我直观地体会到了不同声部如何独立又和谐地交织，形成丰富而立体的音乐织体。作者还深入浅出地讲解了巴洛克时期重要的音乐体裁，例如歌剧的早期发展，如何从宗教剧和世俗戏剧中汲取养分，逐渐形成我们今天所熟悉的歌剧形式。书中对早期歌剧作曲家如蒙特威尔第的作品分析，让我感受到了那个时代音乐家们探索新表现手法的热情。对于像“数字低音”这样的术语，书中也提供了非常形象的比喻和图示，让初学者也能够轻松理解。我尤其喜欢书中对巴洛克时期音乐家们生活和创作环境的描绘，这让我感觉自己仿佛置身于那个时代，能够体会到音乐家们所处的社会背景以及他们创作的动力。这本书让我对巴洛克音乐的认识，从“只是很好听”上升到了“不仅仅是好听”，更能理解其背后蕴含的智慧和情感。

评分☆☆☆☆☆