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isbn号码:9787544586757

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溪山清远：宋代文人山水画的审美与传承 书籍简介 一、引言：宋画之境，山水为纲 本书深入剖析了宋代（960年—1279年）文人阶层兴起背景下，山水画如何从一种纯粹的技法实践，升华为承载士大夫精神寄托、哲学思辨与高洁人格的独立艺术门类。我们旨在超越传统的流派划分，聚焦于宋代山水画在“格物致知”的儒家理念和“心游万仞”的道家情怀之间所达成的精妙平衡。全书以“溪山清远”为核心意象，探讨了在北宋的雄浑阔大与南宋的内敛空灵之间，中国古典美学如何通过笔墨的干湿浓淡，凝固了士人心中的理想家园。 二、第一篇：北宋：气象万千的“界笔与写意” 本篇侧重于北宋前期至中期的山水画风。这一时期的作品，往往体现出对自然界宏大结构和磅礴气势的忠实记录与精神重塑。 1. 范宽与“可行、可望、可游、可居”： 范宽的山水，尤其以其《溪山行旅图》为代表，展现了“近景不睹，远景不识”的独特构图。我们着重分析其“雨点皴”和“坚硬皴法”背后的哲学含义——即对北方太行、秦岭山脉原始生命力的敬畏。这种山水，不再是简单的风景，而是渗透着儒家“中正平和”的宇宙观。 2. 巨然与李成：北方士人的“内敛意境”： 探讨李成对“寒林平远”的开创性贡献，他如何用淡墨和稀疏的笔触描绘出萧瑟、静穆的北方秋景，这其中蕴含着士人在政治失意或隐逸状态下的自我观照。再对比巨然在南地所继承的荆浩、关仝的“高远”传统，分析南方山水如何开始孕育出更注重“气韵生动”的笔墨趣味。 3. 郭熙的“论画”：从技法到理论的升华： 详细解读《林泉高致》一书，阐述郭熙提出的“三远法”（高远、深远、平远）如何系统化地指导后世画家观察和表现空间深度。尤其分析他如何强调“可居可游”的适宜性，标志着山水画开始成为文人日常精神生活的延伸。北宋山水画的雄强，本质上是对“盛世气象”的艺术化表达。 三、第二篇：南宋：笔墨的精致化与“意在笔先”的转向 靖康之变后，政治格局的剧变直接影响了艺术风貌。南宋山水画不再追求北宋的浑厚与开阔，转而深入到对个体情感和笔墨自身的探索。 1. 李唐与刘松年的“院体”规范： 分析“南宋四家”的早期发展。李唐晚年南渡后，其笔法变得更为瘦劲、锐利，皴法趋于密集。我们关注李唐如何将北派的结构引入南宋的精致，形成了兼具法度和气势的“院体”风格。 2. 马远与夏圭：“一角两角”的留白哲学： 这是本书的重点之一。马远擅长“边角式”构图，夏圭则更喜“半边式”布局。这种极端的“省略”并非技艺不精，而是高明的“以少胜多”。通过分析“留白”的空间，揭示其背后的道家思想——“有无相生”、“虚实相依”。山水不再是满幅可见的实体，而是可供观者主动想象和填补的“精神空间”。 3. 禅宗与山水画的内在联系： 探讨南宋山水画中禅宗思想的影响，特别是对“空”、“静”境界的追求。画家不再记录外部世界的真实面貌，而是力求在宣纸上构建一个使心灵得以安顿的禅境，追求瞬间的“顿悟”感。 四、第三篇：文人的自证：水墨的纯粹性与品格的象征 本篇将研究宋代山水画如何超越“画工”身份，确立其作为“文人画”的独特地位，并探讨其核心审美标准。 1. “墨分五色”的精微控制： 详细分析宋代水墨技法的成熟，如何从唐代的水墨勾勒发展到对墨色的精细控制。浓、重、饱、淡、飞白等墨法变化，被用来替代色彩，成为表达情绪、质感和层次的唯一工具。这种对单一媒介的极致运用，体现了文人对自我限制下创造力的自信。 2. 论“笔墨”与“意趣”： 区分宋代文人对“形似”的超越。山水画的价值不在于它像不像某座山，而在于它是否能传达出画家的“意趣”——即高雅、超脱、不与世俗同流合污的品格。我们考察苏轼、米芾等文人理论家对绘画“不求形似而求神似”的倡导如何影响了山水画的审美取向。 3. 题跋的书写与画面的融合： 分析宋代士人题写在画作上的诗文，不再是简单的说明，而是画家心境的延续，是画作意义的增补。诗、书、画的完美结合，构成了宋代文人艺术的完整体系，山水画由此成为“可以居者”的道德高地。 五、结论：溪山清远的永恒回响 本书最后总结了宋代山水画对元、明、清艺术的深远影响。它确立了中国艺术史上“山水为上”的格局，奠定了后世文人画的价值基准——即艺术创作是人格修养的自然流露。宋人的山水，是他们用笔墨为自己构建的，一座永不沦陷的精神家园。本书旨在引导读者以一种更具哲学和历史深度的视角，去“进入”这些被时间凝固的溪山，感受古人那份“清远”而坚韧的生命情怀。 主要参考与涉及的代表性画家与理论家： 董源（兼顾五代影响）、巨然、李成、范宽、郭熙、李唐、刘松年、马远、夏圭、米芾、苏轼。 本书适合对象： 艺术史研究者、中国古典美学爱好者、致力于理解中国传统士人精神世界的人士。

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