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出版者:上海音乐出版社

作者:杨民望

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1987.12

价格:4.05

装帧:平装

isbn号码:9787805530246

丛书系列:世界名曲欣赏

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《乐海拾遗：跨越时空的音乐之旅》 音乐，是人类情感最直接的载体，是跨越语言、文化和时代的通用语。它能唤醒沉睡的记忆，慰藉疲惫的心灵，更能激发澎湃的热情，引领我们一同体验生命中最深刻的情感。然而，浩瀚的音乐海洋中，隐藏着无数璀璨的明珠，它们或因年代久远，或因流传地域的限制，而未被大众所熟知。 《乐海拾遗：跨越时空的音乐之旅》正是这样一本精心打磨的音乐导览，它将带您深入那些鲜为人知的音乐宝库，发掘那些虽未响彻全球，却同样拥有动人旋律和深刻内涵的艺术珍品。本书并非对现有大众耳熟能详的名曲进行简单的罗列与介绍，而是致力于拓展您的音乐视野，引导您进入一个更加广阔、更加多元的音乐世界。 本书的编写初衷，是希望借由那些隐藏在历史角落里的音乐片段，展现音乐艺术本身所蕴含的丰富可能性。我们将从历史的纵深处开始，追溯那些被遗忘的时代之声。例如，在古希腊，音乐不仅是一种娱乐，更是哲学、教育和宗教仪式中不可或缺的部分。我们将深入探讨古代调式在音乐结构中的作用，以及当时乐器（如里拉琴、竖琴）的特点，并尝试重构一些可能存在的古希腊旋律片段，让读者感知那遥远时代的音乐气息。 进入中世纪，格里高利圣咏的庄严与虔诚，以及游吟诗人的叙事性歌曲，构成了这一时期音乐的主流。本书将侧重于分析圣咏的单音音乐特征，探讨其在宗教仪式中的神圣作用，并介绍一些保存至今的早期圣咏乐谱，带领读者感受那种朴素而富有力量的宗教感染力。同时，我们也会关注那些世俗音乐的萌芽，如纪古拉（Guglielmo VII di Montpellier）等作曲家笔下充满生活气息的音乐，展现中世纪并非只有宗教音乐一面。 文艺复兴时期，音乐的面貌开始变得丰富多样。我们将深入研究复调音乐的发展，介绍奥兰多·迪·拉索（Orlando di Lasso）、乔万尼·皮埃路易吉·达·帕莱斯特里纳（Giovanni Pierluigi da Palestrina）等大师的作曲技法，分析他们如何通过复杂的声部交织，营造出和谐而富有层次的音乐空间。本书还将探讨早期器乐的发展，如维吉纳尔（virginal）音乐以及早期鲁特琴（lute）作品，展现这一时期音乐世俗化的趋势。 巴洛克时期，虽然宏伟的教堂音乐和歌剧已经家喻户晓，但仍有许多风格独特的器乐作品值得我们深入挖掘。我们将目光投向一些被忽视的作曲家，如约翰·雅各布·法布里修斯（Johann Jacob Froberger）的键盘音乐，或是约翰·海因里希·施维默（Johann Heinrich Schmelzer）的室内乐作品。我们将分析这些作品的结构、和声特点，以及它们如何为后来的古典主义音乐奠定基础。此外，我们还会探讨巴洛克时期各地区音乐风格的差异，如意大利的歌唱性、法国的优雅以及德国的严谨，通过对比来展现音乐的地域性魅力。 洛可可时期，音乐风格转向轻巧、优雅和精致，与巴洛克时期的宏伟壮丽形成对比。我们将介绍这一时期的室内乐，如卡尔·菲利普·埃马努埃尔·巴赫（Carl Philipp Emanuel Bach）的键盘奏鸣曲，以及弗朗索瓦·约瑟夫·戈塞克（François-Joseph Gossec）的早期交响乐作品。我们会分析其旋律的流畅性、和声的通透感，以及如何通过音乐来描绘一种闲适而浪漫的生活情趣。 古典主义时期，虽然有贝多芬、莫扎特等巨匠的辉煌，但同样存在着许多才华横溢却鲜为人知的作曲家。我们将重点介绍如约翰·施塔米茨（Johann Stamitz）及其曼海姆乐派的贡献，他们对早期交响乐的发展起到了至关重要的作用。我们将分析他们的交响曲如何通过统一的主题发展、精巧的织体以及情感的渐进，展现出清晰的逻辑性和完美的形式感。同时，我们也关注那些在室内乐领域做出贡献的作曲家，如路易吉·博凯里尼（Luigi Boccherini）的弦乐五重奏，其旋律的优美与结构的创新，不亚于同时期的大师作品。 浪漫主义时期，音乐的情感表达达到空前的高度，但许多被后世遗忘的“小品”和“风格化”的作品，同样闪烁着艺术的光芒。我们将发掘那些不那么“宏大”但同样动人的作品，例如卡米尔·圣-桑（Camille Saint-Saëns）的一些早期钢琴小品，或是费利克斯·门德尔松（Felix Mendelssohn）的一些晚期作品，分析它们如何以细腻的笔触刻画瞬间的情绪，或是在小巧的篇幅中展现出非凡的音乐构思。此外，我们还会关注一些民族乐派的先驱，他们虽然不如后来的民族乐派大师那样声名远播，但他们对本土音乐元素的挖掘和运用，为后来的音乐发展提供了重要的灵感。 进入20世纪，音乐的实验性和多样性达到了前所未有的程度。本书将不仅仅局限于那些颠覆传统、挑战听众的作品，还会发掘那些在传统框架下进行创新，或者在民族音乐与现代技法之间找到独特结合点的作曲家。例如，我们将介绍一些在电影配乐领域做出突出贡献的作曲家，他们的音乐虽然服务于影像，但其本身的艺术价值同样不容忽视。我们也会关注一些致力于探索新和声、新节奏的作曲家，分析他们如何突破传统调性束缚，创造出全新的音乐语言。 本书的每一章都将围绕一个特定的历史时期或音乐流派展开，通过对代表性作品的深入剖析，展现其独特的音乐美学和艺术价值。我们将不仅仅停留在作品的表面介绍，而是深入挖掘其创作背景、作曲技法、音乐结构以及情感内涵。本书力求用通俗易懂的语言，结合相关的音乐理论知识，让不同音乐背景的读者都能有所收获。 除了对作品本身的分析，本书还将穿插一些音乐史上的趣闻轶事，以及作曲家创作背后的故事，让音乐的欣赏过程更加生动有趣。我们相信，了解一个作品的诞生过程，往往能更深刻地理解其艺术意义。 《乐海拾遗：跨越时空的音乐之旅》旨在为读者提供一个全新的视角来审视音乐的博大精深。它不是一本枯燥的音乐史教科书，而是一次充满发现和惊喜的音乐探索之旅。我们希望通过这本书，能够点燃您对音乐的无限好奇，引导您去发现那些隐藏在喧嚣之外的，同样令人心动的旋律，让您感受到音乐艺术跨越时空的永恒魅力。无论您是音乐爱好者，还是刚刚踏入音乐殿堂的新人，都能在这本书中找到属于自己的那份感动与启迪。让我们一同启程，在音乐的海洋中，搜寻那些被遗忘的璀璨星辰。

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对于交响诗和歌剧的赏析部分，这本书的处理方式非常注重戏剧性和场面感。它不是那种枯燥的乐器列表和曲式结构分解，而是仿佛在给我放映一部高清的立体声电影。比如在介绍理查·施特劳斯的《查拉图斯特拉如是说》时，作者对开头铜管齐奏的描绘，简直就是要把人直接拉到黎明时分的喜马拉雅山顶。书中详细对比了不同指挥家在处理那几个著名的固定音型时的细微差别，比如卡拉扬的宏大叙事感和伯恩斯坦的内在激情，这种对比分析让人对同一部作品有了多维度的理解。更别提歌剧部分，书中会穿插许多幕布升降、舞台调度的细节描述，让我得以想象威尔第歌剧在首演时的震撼效果。这使得我在听唱片时，不再只是关注独唱家的技巧，而是能更好地捕捉到整个管弦乐队的“情绪烘托”和“场景构建”，极大地增强了沉浸式的聆听体验，感觉就像坐在包厢里，而不是在家里听CD。

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这本《世界名曲欣赏3》真是让人爱不释手，尤其是它对于巴赫赋格的深入剖析，简直是教科书级别的。作者在解读《平均律键盘曲集》时，没有陷入枯燥的理论堆砌，而是用非常生动的语言描绘了复调音乐的逻辑之美。我记得有一段专门讲到了D大调前奏曲与赋格的对比，前奏曲的自由抒情与赋格严谨的结构形成了一种奇妙的张力，作者通过对比不同声部的进入和交织，让我这个非专业人士也能“听见”和“看见”那精密的音乐建筑是如何拔地而起的。尤其让我印象深刻的是关于对位法的讲解，它并非是抽象的数学公式，而是被具象化为几个不同性格的声部在舞台上进行的对话与博弈。读完这一部分，再去听那些赋格，耳朵里仿佛自带了高清解析系统，每一个声部的独立性和整体的完美融合都清晰可辨。这本书的编排也非常人性化，它没有按照时间顺序简单罗列，而是根据音乐的内在逻辑进行组织，使得学习的体验层层递进，收获满满，感觉像是跟随一位技艺精湛的导游走进了巴洛克音乐的迷宫，最终找到了那令人豁然开朗的中心宝藏。

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这本书最让我惊喜的是它对于二十世纪现代主义音乐的介绍，这一点是很多同类书籍避而不谈或者一带而过的“硬骨头”。《世界名曲欣赏3》却直面挑战，用一种近乎“平反”的态度来解析勋伯格和斯特拉文斯基。对于十二音体系，书中采用了非常巧妙的类比，将它比作一种全新的色彩学体系，打破了传统的调性“黑白键”思维定式，引入了全新的“灰度”和“混合色”。虽然过程依然烧脑，但作者的讲解思路非常清晰，通过具体的音列构造图示，我终于对无调性音乐有了一个初步的、可以把握的框架。特别是对《春之祭》的分析，它不仅仅停留在对和声“不和谐”的描述上，而是深入探讨了其原始的节奏驱力和原始主义的哲学根源。读完后，我再去听那些被很多人诟病为“噪音”的作品，竟然产生了一种别样的敬畏感，明白这是一种理性的、对既有音乐法则的彻底颠覆和重建，是音乐史上一场必要的“革命”，而不是随意的混乱。

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这本书的最后一章，对于民族乐派的梳理，展现了其广阔的视野和扎实的田野调查功底。它没有将东欧和北欧的音乐简单地归类为“地方色彩”，而是细致地辨析了芬兰的西贝柳斯如何将本国的神话史诗融入到宏大的交响结构中，形成一种深沉、冷峻的北欧气质，这与德彪西那种印象派的光影流转完全不同。书中还特别花了篇幅讲解了德沃夏克的“美国时期”的作品，剖析了斯拉夫民谣的旋律骨架如何与美国黑人灵歌的节奏元素进行奇妙的化学反应，形成了一种既怀旧又充满异域风情的独特风格。作者在描述这些地域性音乐时，充满了尊重和热爱，让我们理解，民族音乐不是落后的土味，而是人类音乐基因库中最宝贵、最富生命力的部分。这种对“地方性”价值的肯定，让整本书的格局一下子打开了，从纯粹的欧洲音乐中心论中解脱出来，看到了一个更加多元、更加丰富的音乐世界。

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老实说，我对古典音乐的涉猎一直比较浅薄，很多作品都是听个热闹，但这本书在介绍浪漫主义时期的钢琴作品时，那种情感的代入感实在太强了。它不是简单地告诉我们肖邦的夜曲很优美，而是深入挖掘了其背后的波兰民族情结和个人抑郁情绪。书中对某些特定段落的处理尤其精彩，比如描述《降E大调夜曲，作品9之2》时，作者用了大量富有画面感的词汇，将那些琶音和颤音描绘成月光下波光粼粼的水面，或者是一个贵族少女轻叹的侧影。我读到那里，忍不住暂停下来，去重听那首曲子，果然，之前只是“好听”的旋律，此刻却有了鲜活的生命和明确的情绪走向。更绝的是，书中还巧妙地引入了当时文学和绘画的背景，将音乐从孤立的艺术形式中解放出来，让我理解了为什么李斯特的作品总是带着一种英雄史诗般的气概，那是十九世纪欧洲知识分子集体精神状态的投射。这本书极大地拓宽了我对音乐“意义”的理解，不再是单纯的音符堆砌，而是时代精神和个人灵魂的深刻表达。

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