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出版者:

作者:杨杰

出品人:

页数:96

译者:

出版时间:2009-8

价格:39.00元

装帧:

isbn号码:9787810939423

丛书系列:

图书标签:

• 影视传播
• 影视编导
• 编剧
• 导演
• 电影制作
• 电视制作
• 剧本创作
• 视听语言
• 叙事技巧
• 行业指南
• 专业教材

《声画叙事：理解影像的语言》 这是一本深入探索电影和电视视觉语言的书籍。它并非聚焦于影视的制作流程或具体的导演技法，而是从根本上剖析构成影像叙事的基本元素。通过对镜头运用、景别变化、画面构图、色彩运用、光影处理以及蒙太奇剪辑等核心视觉语汇的细致解读，本书旨在帮助读者建立起一套敏锐的“影像阅读”能力。 本书共分为四个主要部分： 第一部分：画面的呼吸——构图与景别 构图的哲学： 探索黄金分割、三分法、对称构图、对角线构图等经典构图原理，以及它们如何引导观众视线，营造空间感、平衡感或失衡感。我们将分析不同构图方式如何传递情绪、塑造人物关系以及暗示故事发展。 景别的心理学： 详细阐述远景、全景、中景、近景、特写等不同景别在叙事中的作用。从宏大叙事到细腻情感的捕捉，景别不仅是信息量的传递，更是情感的放大器。我们会讨论如何选择恰当的景别来建立人物与环境的关系，或突出人物的内心世界。 运动的语言： 深入分析摄影机的运动，如推、拉、摇、移、升、降等。这些运动不仅仅是技术动作，更是情感的延伸，是推动叙事、增强临场感、引导观众注意力的高效手段。我们将探讨镜头运动如何塑造叙事节奏，以及与画面内容产生的化学反应。 第二部分：色彩的情绪——光影与色彩的对话 光影的魔法： 剖析不同光源（自然光、人造光）、布光方式（三点布光、伦勃朗光、高调、低调等）如何塑造画面的氛围、烘托人物性格、暗示场景的隐喻。光影不仅仅是为了照亮，更是为了“说”出故事。 色彩的潜意识： 探讨色彩心理学在视觉叙事中的应用。从冷暖色调的对比到特定色彩的象征意义，色彩是如何潜移默化地影响观众的情感认知，并与故事主题产生共鸣的。我们将分析色彩如何营造时代感、地域感，以及如何通过色彩变化来象征人物的心理转变。 画面的质感： 讨论画面锐度、景深、颗粒感等摄影技术层面的选择，如何影响观众的观看体验，以及它们如何服务于叙事的真实感或超现实感。 第三部分：时间的回响——剪辑与蒙太奇的艺术 剪辑的节奏： 深入解析不同剪辑方式，如连续性剪辑、跳跃性剪辑、交叉剪辑等，以及它们如何控制叙事节奏，营造紧张感、抒情性或混乱感。我们将分析剪辑如何将零散的画面片段整合成流畅或充满冲击力的故事。 蒙太奇的理论与实践： 详细介绍蒙太奇的多种类型，如叙事性蒙太奇、表现性蒙太奇、对比性蒙太奇、平行蒙太奇等。本书将通过大量经典案例，展示蒙太奇如何超越镜头本身的限制，创造出新的意义，引发观众的联想和思考。 声音的维度： 探讨声音在影像叙事中的重要性，包括对白、音效、背景音乐等。声音如何与画面相互作用，增强临场感、烘托情绪、暗示未知，以及如何通过声音设计来构建一个完整的叙事世界。 第四部分：观看的维度——解读与分析 叙事结构： 分析影片叙事结构的多样性，如线性叙事、非线性叙事、碎片化叙事等，以及不同结构如何影响观众对故事的理解和体验。 主题的挖掘： 引导读者如何从视觉语言中提炼出影片的核心主题和导演意图，识别隐藏在画面之下的深层含义。 风格的辨识： 帮助读者区分不同导演、不同时期、不同流派的视觉风格，理解这些风格如何反映时代背景和创作者的独特视角。 本书旨在培养读者成为一个更成熟、更具洞察力的影像观众，无论你是电影爱好者，还是对视觉艺术充满好奇的探索者，都能从中获得启发，更深刻地理解影像如何触动人心、讲述故事，以及如何构筑一个由光影、色彩、运动和时间交织而成的迷人世界。它不是教你如何“拍”，而是让你学会如何“看”懂影像的秘密。

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我个人偏爱那些能够提供大量案例分析的书籍，因为只有看到具体的作品如何被拆解、重构，我才能真正理解理论的实用价值。这本书在这方面做得相当到位，它似乎囊括了从经典大师到当下新锐的各种作品片段进行剖析。我尤其欣赏它没有局限于某一特定题材的限制，而是横跨了纪录片、剧情长片乃至一些实验性的短片。在分析某个特定镜头语言时，作者不仅指出了“为什么”要这样拍，还深入探讨了“如果换一种方式拍，观众的情绪曲线会如何变化”。这种深度的对比分析，极大地拓宽了我对镜头意图的理解。我甚至忍不住停下来，拿我正在构思的片段和书中的案例进行对照，尝试运用书中的逻辑去预判和修正自己的调度方案，这简直是一次高效的“实战模拟”。

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我最近在研究一些关于叙事结构和人物弧光的理论，想找点能激发灵感的参考资料。听朋友推荐说这本书的理论框架很新颖，所以抱着试试看的心态买了回来。初翻几页，感觉作者的思维跳跃性非常强，他似乎并不满足于传统的线性叙事分析，而是不断地在探讨“多维时间线”的可能性。有些章节的论述方式，更像是哲学思辨而非纯粹的技法讲解，像是在探讨“意图”与“结果”之间那种微妙的张力。我特别留意了其中一个关于“非对称冲突模型”的提法，这个概念让我眼前一亮，它似乎提供了一种全新的视角来解构我们习以为常的戏剧冲突。尽管有些地方的术语我需要反复琢磨，甚至需要查阅一些相关的学术背景知识才能完全领会其深意，但这种挑战本身就让人兴奋，它迫使你的大脑以一种更高效、更深层次的方式去运转。

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这本书的阅读体验，最奇特的一点是它的“哲学回响”。我原本期待它能给我提供一套即插即用的工具箱，但读完后发现，它给我的更多是一种“世界观”的重塑。它讨论的很多内容已经超越了技术层面，开始触及创作的本质——比如“观看的伦理”、“媒介对现实的重构能力”等等。这些宏大的议题，被巧妙地编织在具体的创作流程讨论之中，使得原本枯燥的流程分析变得充满了思辨的趣味。阅读过程中，我经常需要合上书本，盯着窗外发呆好一会儿，消化那些关于“创作者的责任边界”的论述。它不是一本能让你在一天之内速成的书，但它绝对是一本能让你在拿起笔之前，重新审视自己创作动机的“定盘星”。它教会我的，是如何更深刻地去看待光影与声音背后的那个“人”。

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说实话，我本来对这类“指南”性质的书籍抱持着一种谨慎的态度，总觉得很多都是老生常谈，换汤不换药的教条。然而，这本书最让我惊喜的是，它似乎更像是一系列高质量的“工作坊笔记”的集合，而不是一本僵硬的教科书。它没有给我那种“你必须按我说的做”的压迫感，反而像是一个经验丰富的同行在向你分享他多年来踩过的那些坑、试过的那些绝妙技巧。比如，书中关于如何处理“信息不对称”的场景设计部分，作者居然用了一个非常生活化的例子来解释复杂的调度原则，那一下，我仿佛抓住了那个灵感的闪光点。文字的语气非常口语化，带着一种真诚的分享欲，读起来非常流畅自然，完全没有晦涩难懂的学究气。这让我觉得，这本书不仅仅是知识的传递，更像是一种行业经验的“代际传承”。

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这本书的装帧设计真是太吸引人了，封面那种略带磨砂质感的纸张，拿在手里有一种沉甸甸的踏实感。我特别喜欢封面上那种用极简线条勾勒出的光影效果，仿佛一下子就把人带入了一个正在酝酿中的故事现场。内页的纸张选择也相当考究，不是那种反光刺眼的亮白，而是带着一点点米黄的暖色调，长时间阅读下来眼睛也不会觉得疲劳。排版上，行距和字号的比例把握得恰到好处，留白的处理显得非常大气、有呼吸感，不像有些书为了塞更多内容进去而显得局促。我注意到扉页上印着一句关于“瞬间捕捉永恒”的引言，虽然内容本身我还没深入了解，但光是这份对书籍本身的尊重和用心，就让我对即将翻开的篇章充满了期待。这绝对是一本值得放在书架上细细品味的实体书，光是看着它，就觉得自己的审美都被提升了一个层次。从这个角度来说，它已经成功地在众多纸质出版物中脱颖而出了。

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写的很好~收获很大

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