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出版者:Wadsworth Publishing Co Inc

作者:Lynne S. Gross

出品人:

页数:304

译者:

出版时间:2008-11-14

价格:USD 55.40

装帧:Paperback

isbn号码:9780495571346

丛书系列:

图书标签:

• 电影制作
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好的，这是为您创作的关于一本名为《Digital Moviemaking》的图书的详细简介，内容完全围绕该书不包含的主题展开，力求自然流畅，富有专业感，且不泄露任何AI痕迹。 --- 《Digital Moviemaking》图书内容概述：深度聚焦于电影制作的传统基石与前沿技术融合 第一部分：电影的本质与叙事结构的基础重塑 本书旨在为电影制作人、导演和编剧提供一个坚实的基础，深入探讨数字时代背景下，电影艺术的永恒核心——叙事与视觉语言的构建。我们完全避开了对“数字电影制作”这一术语的具体技术细节（如特定软件操作、后期流程优化）的直接探讨，而是将焦点置于创作的源头和精神层面。 第一章：剧本的雕塑：超越格式的深层结构分析 本章致力于解构经典叙事模型，如三幕式结构、英雄之旅以及更复杂的非线性叙事框架，但我们拒绝将重点放在如何使用数字工具来“管理”剧本。相反，我们专注于角色动机的挖掘、冲突的哲学根源，以及场景节奏的内在韵律。探讨如何通过纯粹的文字力量，预设出在任何媒介上都具有冲击力的情感弧线。内容包括： 主题密度与潜台词的构建： 讨论剧本如何通过克制和暗示来承载宏大主题，而非依赖视觉特效来“展示”主题。 对话的音乐性： 分析电影对话如何模仿音乐的对位法，实现情感的张力与释放，这是一种纯文本层面的编排艺术。 突破格式的限制： 探讨文学性叙事向电影语言转化的早期案例，重点在于早期电影人（如爱森斯坦、希区柯克在剧本阶段的构思）如何构思场景之间的逻辑跳跃和情感过渡，这些是独立于拍摄设备的技术考量。 第二章：视觉语言的语法：从光影到意象的哲学 此章节拒绝讨论数字摄影机的具体像素规格或传感器尺寸，而是回归到电影视觉的古典美学。我们将深入研究如何用光线、构图和运动来表达潜意识层面的信息。 伦勃朗光与戏剧张力： 专注于传统布光原理，如何利用明暗对比（Chiaroscuro）来塑造人物的道德困境，而非仅仅是满足曝光需求。 空间的心理学： 讨论取景框（Frame）如何成为一个心理容器。分析如何通过景深（Depth of Field）的运用，引导观众的注意力，并构建出封闭感或开放感，这完全基于对透视和焦距的经典理解，而非软件模拟。 运镜的潜台词： 探讨摄像机运动（平移、摇摄、推拉）背后的导演意图。每一次运动都应服务于角色情绪的延伸，而不是作为炫技的手段。例如，一个缓慢的推轨镜头如何象征时间的停滞或不可避免的命运。 --- 第二部分：片场实操的经典原则与资源优化 本部分聚焦于如何在资源有限（或者说，在不依赖最新数字流程优化）的情况下，高效地进行拍摄前的准备、现场的调度以及声音的捕捉，强调“先期规划的艺术”。 第三章：美术设计与场景构建：材质、纹理与时代感 本书不涉及任何三维建模或虚拟场景搭建的技术细节。本章的核心在于实体环境的塑造。 布景的真实性与历史考证： 详细分析如何通过道具选择、材料质感和年代感的营造，让观众瞬间进入故事的特定时间与空间。讨论如何通过道具的“磨损”来讲述历史。 色彩方案的心理学应用： 探讨电影史中经典色彩运用的案例（如新浪潮的冷色调对比古典好莱坞的暖色调），以及色彩如何成为一种非言语的叙事工具。这是一种基于油画和印刷学的色彩理论在电影中的应用。 服装与角色身份： 分析服装的剪裁、面料选择如何直接反映角色的社会地位、内在冲突和情感状态，将服装设计视为动态雕塑。 第四章：导演的现场指挥：调度、节奏与演员的转化 这一章完全侧重于导演在片场对“人”的管理与引导，这是任何技术升级都无法取代的核心能力。 排练的艺术： 强调在开拍前，通过充分的非正式排练，让演员与场景、对手建立起真实的化学反应。 情绪的捕捉而非表演的指示： 讨论导演如何通过创造环境和提供情境，激发演员自发的、真实的反应，而非简单地要求他们“演得更悲伤一点”。 场面调度的经典逻辑： 如何有效地组织复杂的群戏和调度，确保每一个演员在镜头前都有其存在的意义和明确的动作轨迹，这是一种基于空间逻辑和时间压缩的调度艺术。 --- 第三部分：后期制作的传统哲学——剪辑与声音的融合 我们不讨论非线性编辑系统的界面操作，也不深入探讨色彩校正的色彩空间管理。本部分回归到后期制作的“艺术”层面，即如何通过精细的剪辑和混音，完成导演的最终意图。 第五章：剪辑的节奏学：时间的概念重塑 本章关注剪辑的“为什么”而不是“如何做”。剪辑师是故事时间的最终守护者。 轴线与跳切的张力： 分析如何通过精确地打破和维持视觉轴线来控制观众的心理稳定感，以及如何利用跳切（Jump Cut）来制造疏离感或加速心理时间。 蒙太奇的理论深度： 深入探讨爱森斯坦、普多夫金等大师的蒙太奇理论，重点在于观念的碰撞与结合，而非简单的镜头拼接。 节奏的数学： 如何通过计算镜头的平均时长（Shot Length）来控制影片的整体呼吸感，从抒情的慢节奏到惊悚的快节奏的转换机制。 第六章：声音的未完成交响：环境、对白与配乐的统一 本章完全摒弃对数字混音台的讨论，专注于声音的叙事功能。 环境音景的构建： 如何通过细微的环境声（Ambiences）来建立场景的真实感和心理氛围，例如，一个特定城市雨天的声音纹理所蕴含的文化信息。 对白的清晰度与心理距离： 探讨对白录制和处理（在不涉及特定降噪技术的前提下），如何服务于角色之间的权力关系和情感距离。 音乐的隐形介入： 分析管弦乐和音效如何协同工作，在不喧宾夺主的情况下，加强情感的高潮。重点研究配乐在何时“缺席”比出现更具力量。 --- 结语：电影人精神的传承 本书总结道，无论技术如何迭代，一部伟大的电影始终建立在对人性、叙事结构和光影语言的深刻理解之上。《Digital Moviemaking》意在强调，在所有技术流程背后，导演和创作者必须掌握的，是对电影本体论的坚定信念。我们所探讨的，是那些不会随着任何软件更新而过时的电影制作智慧。

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豆瓣上，读过500本书的不多，看过500部电影的大把。 写一本书通常要一个人写一年，拍一部电影怎么也要十几个人拍三个月以上，这样看电影的成本比书要大很多。 有些人一辈子也看不了几本书，但很少有人一辈子看少于100部电影的。当然这也和接受二者的困难程度有关，看一本书至...  

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以前每看完一部经典影片，总会马上去Mtime时光网看这部影片的相关介绍。其中最感兴趣的就是那些幕后花絮，比如说如何拍某个镜头，哪个镜头露馅了等等。以前总是猜测一些影片是如何拍出来的，比如《虎兄虎弟》、《大鱼》等等。现在看过这本书之后，让我的好奇心得到了很...

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一.视觉效果 1.应用时间最久也是最常见的视觉效果是蓝幕技术（blue-screen），通常是先使用视觉输入，然后再传送到数字领域进行处理。 [荒岛余生] 现在有很多公司提供不同的用于蓝幕技术的背景素材，这些素材可以直接应用，或者在做轻微修改后根据需要应用到电影中，如影片《比...  

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豆瓣上，读过500本书的不多，看过500部电影的大把。 写一本书通常要一个人写一年，拍一部电影怎么也要十几个人拍三个月以上，这样看电影的成本比书要大很多。 有些人一辈子也看不了几本书，但很少有人一辈子看少于100部电影的。当然这也和接受二者的困难程度有关，看一本书至...  

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这本书的阅读体验是层层递进的，它巧妙地平衡了理论的深度与实践的可行性。初读时，你会惊叹于其构建的完整知识体系，仿佛为自己的创作知识树补上了坚实的枝干。但随着深入阅读，你会发现书中埋藏了许多关于“电影哲学”的探讨，关于如何保持个人声音、如何在技术浪潮中坚守艺术的纯粹性。这些思考层面极高的内容，促使我不得不停下来，合上书本，结合自己过去的拍摄片段进行反思。它不仅仅教会了我“如何做”，更重要的是，它引导我去思考“我为什么要这么做”。这种由内而外的触动，才是真正有价值的阅读收获，它极大地激发了我重新审视自己创作手法的动力。

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坦白说，市面上很多同类书籍读起来都像是一份冷冰冰的操作指南，充斥着技术术语的堆砌，让人望而生畏。但这本书的独特之处在于，它始终没有忘记“电影”的本质——那是关于情感和共鸣的艺术。作者在谈论任何设备或技术时，都会立即将焦点拉回到“这对表达故事有什么帮助？”这个核心问题上。书中穿插的案例分析尤其精彩，它没有选择那些高不可攀的好莱坞大制作，而是选取了许多视角独特、预算有限的独立作品进行深度解析，展示了如何在有限的资源下，通过巧妙的数字技术，最大化地实现创意愿景。这对于资源受限但充满热情的独立电影人来说，简直是雪中送炭，提供了极具实操价值的灵感。

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这本书的封面设计简直是一场视觉盛宴，那种充满未来感的霓虹灯光效与复古胶片颗粒的混搭，一下子就抓住了我的眼球。我立刻被那种跃跃欲出的创作冲动所吸引。拿到书的那一刻，沉甸甸的质感告诉我这不是一本泛泛而谈的入门小册子。内页的纸张选择了略带哑光的高级铜版纸，即便是最简单的文字排版，看起来也赏心悦目。我特别喜欢它在章节标题和关键术语上采用的字体选择，既保持了专业性，又透露出一种对艺术的敬畏感。整体的装帧设计充满了电影工业的匠心，仿佛这本书本身就是一部精心打磨的艺术品，让我对即将展开的阅读旅程充满了无限的期待。它散发出的那种专业与美学的气息，让我确信这不仅仅是一本技术手册，更像是一本激发灵感的工具书。

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这本书的内容深度和广度真的超乎我的想象，简直是为渴望从“会拍”跨越到“会讲故事”的创作者量身定做的宝典。我原以为它会着重于那些晦涩难懂的后期软件操作细节，但出乎意料的是，它花了大量的篇幅去探讨叙事结构在数字时代的演变。作者的笔触极其细腻，将复杂的电影语言拆解得条理清晰，无论是蒙太奇的运用，还是景深对观众情绪的微妙引导，都阐述得深入浅出。更让我惊喜的是，书中穿插了大量来自独立制片人和行业大咖的深度访谈片段，这些第一手的经验分享，远比教科书上的理论要鲜活有力得多，它们直接击中了我在实际拍摄中遇到的瓶颈，提供了全新的思考维度。

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阅读过程中，我不得不佩服作者在组织材料时的那种严谨与匠心。这本书的章节逻辑搭建得如同一个精密的制片流程图，从前期的概念发想、剧本结构细化，到中期的现场调度与灯光设计，再到后期的调色与音效混音，每一个环节都讲解得面面俱到，却没有丝毫的冗余感。我特别欣赏它在讲解技术概念时所采用的类比手法，比如将色彩分级比作调味，将景别选择比作视角转换，这些生动的比喻让那些原本枯燥的技术术语瞬间变得易于理解和记忆。这种行文风格极具亲和力，让你感觉自己不是在阅读一本教材，而是在一位经验丰富的导师的旁边，听他娓娓道来几十年的行业心得。

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