具体描述
Tom O'Regan's book is the first of its kind on Australian post-war cinema. It takes as its starting point Bazin's question 'What is cinema?'and asks what the construct of a 'national' cinema means. It looks at the broader concept from a different angle, taking film beyond the confines of 'art' into the broader cultural world. O'Regan's analysis situates Australian cinema in its historical and cultural perspective producing a valuable insight into the issues that have been raised by film policy, the cinema market place and public discourse on film production strategies. Since 1970 Australian film has enjoyed a revival. This book contains detailed critiques of the key films of this period and uses them to illustrate the recent theories on the international and Australian cinema industries. Its conclusions on the nature of the nation's cinema and the discourses within it are relevant within a far wider context; film as a global phenomenon.
作者简介
目录信息
读后感
用户评价
坦率地说，这本书的结构和叙事风格非常大胆，充满了实验性。它不像一般的电影史那样按时间顺序铺陈，而是通过一系列主题性的“切片”来展示澳大利亚电影的多元面貌。比如，它会突然跳到九十年代的喜剧复兴，然后又立刻转到当代独立电影对全球化的回应。这种跳跃感，反而更贴合现代观众破碎的、多媒体的接受习惯。我尤其欣赏它对“类型片”的深入挖掘。澳大利亚的类型片，比如惊悚片或西部片，往往带着一种独特的、略显荒诞的幽默感和对既有西方传统的解构。作者没有将它们视为次要作品，而是给予了足够的篇幅来分析它们如何承载了复杂的文化信息。这本书的语言风格非常犀利，充满了学者特有的洞察力，但又避免了过度晦涩的行话，读起来像是与一位非常博学的朋友在进行一场高水平的对话。它迫使你重新审视那些你可能已经看过的电影，发现其中隐藏的文化代码。
这本书的价值远超出了电影研究的范畴，它更像是一部关于“后殖民”心态的文化诊断书。我注意到，作者花了大量的笔墨来讨论澳大利亚电影如何在全球化浪潮中寻找自己的声音，尤其是在面对好莱坞霸权时的抵抗与妥协。书中对九十年代末期“电影复兴”现象的分析尤其精彩，它不仅关注了票房上的成功，更探讨了这种成功背后的文化焦虑——即如何既要国际化又要保持本土特色。对我来说，最震撼的是它对“地方性”与“普世性”之间张力的探讨。作者引用了许多关于“南方想象”的理论，将澳大利亚的电影美学置于全球南方电影的语境下进行比较分析。这本书的论证逻辑非常严密，层次分明，读起来酣畅淋漓。它不像那种填鸭式的教科书，而是一本充满论辩精神的佳作，让你在阅读过程中不断地进行自我提问和反思，绝对是值得反复阅读的案头书。
我对澳大利亚电影的了解原本仅限于几部国际获奖作品，这本书彻底颠覆了我的认知。它真正深入到了本土电影工业的“骨髓”里，那种剖析既专业又带着强烈的个人情感。我特别喜欢其中关于新浪潮时期对社会现实主义的探讨。作者的论述非常具有批判性，比如对殖民历史阴影下，原住民形象如何在主流叙事中被边缘化或过度浪漫化的批判，写得极其到位和尖锐。书中引用了大量的访谈记录和未公开的剧照资料，使得分析不再是空泛的理论推导，而是有血有肉的证据链。其中有一章专门分析了某个特定导演如何利用光影和声音设计来表达“流放感”和“疏离感”，那种对电影语言的细致解构，让我对视觉叙事有了全新的理解。它不仅仅是写“发生了什么”，更是深入挖掘了“为什么会这样拍”。这本书的排版和配图也很有品味，大量黑白剧照的运用，完美地烘托了那种略带忧郁和反思的基调，读起来是一种享受。
这本《澳大利亚国家电影》的书绝对是我的一个惊喜！我本来是抱着随便翻翻的心态去图书馆拿的，没想到一旦打开就再也放不下了。它不像我预想的那种枯燥的学术分析，反而更像是一次深入的文化探索之旅。作者的笔触非常细腻，对早期澳大利亚电影的介绍，比如那些充满荒野气息和本土神话色彩的默片时代，简直让人仿佛置身于那个尘土飞扬、电力不稳的年代。他们没有仅仅罗列导演和作品，而是巧妙地将电影的发展脉络与国家身份的构建紧密联系起来。例如，书中对“国家神话”是如何在银幕上被塑造和反思的论述，我印象特别深刻。它探讨了澳大利亚人如何看待自己的“边缘性”和“反叛精神”，并通过视觉媒介将其放大。我特别欣赏作者对于电影技术限制如何反过来催生出独特的视觉语言的分析，这使得那些看似粗糙的早期作品充满了别样的生命力。读完第一部分，我简直想立刻去寻找那些老胶片来看，那种对影像的原始冲动，至今仍能感受到。这本书成功地搭建了一座桥梁，连接了历史的厚重与电影艺术的轻盈。
我是一个对视觉艺术有较高要求的人，这本书在审美层面上给予了我极大的满足。它不仅仅是文字的堆砌，更是一场关于光影和构图的哲学探讨。作者在描述某几部关键电影的段落里，那种对镜头运动、场景调度和色彩运用的描绘，简直比观看电影本身还要富有画面感。我仿佛能“听”到那些特有的澳大利亚口音，能“闻”到内陆那种干燥的土腥味。书中有一部分专门探讨了澳大利亚电影中对“景观”（Landscape）的独特处理方式，如何将广袤、空旷的自然环境转化为一种具有心理暗示性的符号，这种分析的深度和广度令人叹服。它巧妙地将地理环境与电影的心理氛围联系起来，形成了一套独有的“澳式”视觉词汇。这本书的阅读体验是沉浸式的，它成功地将严肃的学术思考包裹在一种迷人的、具有地域特色的叙事风格之中，让我对这部国家的电影记忆产生了深刻的敬意和新的认识。
