Art at the Turn of the Millennium pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Taschen

作者:Riemschneider Burkhand and Uta Grosenick (editors)

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1999

价格:0

装帧:Paperback

isbn号码:9783822868096

丛书系列:

图书标签:

• 当代艺术
• 塞纳诺
• 艺术史
• 当代艺术
• 千禧年艺术
• 现代艺术
• 文化研究
• 艺术理论
• 绘画
• 雕塑
• 摄影
• 装置艺术

跨越世纪的视觉探寻：二十世纪末艺术的多元景观 本书深入剖析了二十世纪九十年代至新千年之交（约1990年至2010年）这一关键历史时期，全球艺术领域所经历的深刻变革与复杂图景。它并非聚焦于某一时期的单一艺术运动或地理中心，而是以一种宏大而精微的视角，系统梳理了全球化、信息技术革命、社会政治动荡如何共同塑造了这一时期的艺术创作、批评和市场生态。 第一部分：全球化浪潮下的艺术版图重塑 本部分着眼于冷战结束后，世界秩序的重构如何直接作用于艺术的生产与流通。作者首先探讨了“全球化”这一概念在艺术界的具体表现形式：跨国展览的激增、国际双年展的爆炸性增长，以及艺术品市场日益超越国家边界的特性。 中心与边缘的消融与重构： 详细分析了西方传统艺术中心（如纽约、伦敦、巴黎）的权威性如何被挑战。探讨了包括亚洲（特别是中国和韩国）、拉丁美洲（如巴西和墨西哥）以及东欧和非洲新兴艺术力量的崛起，以及这些新兴力量如何在主流国际语境中寻找和确立自己的发声位置。重点讨论了“后殖民理论”在艺术批评和策展实践中的应用与争议。 身份政治与文化挪用： 深入研究了艺术家如何利用全球化的开放性来探讨种族、性别、民族和性取向等身份议题。分析了“文化挪用”（Appropriation）这一手法的复杂性——它既是批判权力结构、解构文化霸权的有力工具，也常常引发关于原创性与文化冒犯的伦理辩论。 第二部分：媒介的拓扑学：数字时代的艺术萌芽与试验 本章将重点放在技术进步对艺术本体论的冲击，特别是互联网和数字技术的普及如何改变了艺术的创作、传播和体验方式。 从模拟到数字的过渡： 考察了录像艺术、数字摄影和早期互动装置的成熟。分析了艺术家如何应对媒介的“去物质化”趋势，以及他们如何利用新的工具（如早期计算机图形、虚拟现实的雏形）来挑战传统雕塑和绘画的固有界限。 网络艺术与“在场”的消逝： 专门开辟章节讨论了早期网络艺术（Net.art）的实践。这些作品往往挑战了画廊空间的封闭性，尝试在开放的网络空间中进行创作、合作与展示。探讨了这种新兴艺术形式对“原作”概念、艺术可达性以及观众参与度的颠覆性影响。 生物艺术与新唯物主义的先声： 触及了科学前沿与艺术的交叉点，如艺术家开始涉足生物技术、基因工程的伦理边界，预示了千禧年之后“后人类主义”思潮的兴起。 第三部分：艺术与政治的再介入：真实性与社会批判 进入新千年，全球范围内的政治焦虑（如反恐战争、经济不平等加剧）促使艺术重新回归强烈的社会批判立场。 从后现代的解构到临界实践： 区分了九十年代初对宏大叙事的解构与新千年初期更具行动导向的批判实践。探讨了“介入艺术”（Interventionist Art）和基于社区的艺术项目的兴起，这些作品往往试图在艺术体制之外实现社会或政治变革。 档案、记忆与历史的重写： 关注艺术家如何利用非传统材料，如官方文件、私人日记、被遗忘的媒体片段，来重构和挑战官方历史叙事。分析了关于创伤记忆和公共纪念碑的艺术表达。 市场狂热与艺术的商品化： 尖锐地探讨了在这一时期，艺术市场如何以前所未有的速度膨胀。分析了“超级明星艺术家”的现象，以及这种商业驱动力如何影响了创作倾向、作品规模和展览结构，并引发了关于艺术品“价值”的深刻哲学反思。 第四部分：感官的回归与情感的复杂性 在经历了观念艺术的长期主导和对技术媒介的探索之后，本部分关注了艺术中感官体验和个体情感的回归，但这种回归并非是对前卫主义的简单复兴。 新表现主义的幽灵与绘画的复兴： 考察了绘画在数字时代的顽强生命力，以及一些艺术家如何利用油画、拼贴等传统技法来表达对全球化带来的异化感和疏离感。 装置艺术中的身体与空间： 探讨了大型沉浸式装置的流行，这些作品往往通过光线、声音、气味和环境布置，强迫观众进入一种高度感官化的身体经验，挑战了观众的“观察者”地位。 讽刺、戏仿与“坏品味”的美学： 分析了在高度消费主义背景下，艺术家如何运用幽默、夸张甚至带有冒犯性的“坏品味”来对社会现象进行嘲讽，以此作为一种抵抗策略。 本书旨在提供一个扎实、细致的知识框架，使读者能够全面理解这一跨越世纪的关键十年，艺术是如何在技术、政治和全球经济的熔炉中进行自我定义和持续探索的。其叙事结构严谨，论证充分，力求呈现出那个时代艺术实践的复杂性与内在张力。

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坦率地说，这本书的某些章节对我来说是极具挑战性的，特别是涉及后结构主义理论和新的数字媒介对传统美学范式的冲击那部分。我必须承认，我得停下来，反复阅读甚至查阅一些辅助资料，才能完全消化其中的精髓。然而，正是这种挑战性，让这本书的价值倍增。它没有将读者当作被动的接受者，而是设定了一个高标准，鼓励我们去思考、去质疑。作者在处理这些尖端议题时，表现出一种令人敬佩的平衡感——既不回避争议的复杂性，又不陷入无休止的学术泥潭。他似乎总能在最关键的时刻，提供一个清晰的支点，让我得以重新定位，看清那些看似混乱的思潮背后的内在逻辑线索。这种“烧脑”的阅读体验，虽然耗费精力，但带来的智力上的满足感是无与伦比的，它真正拓宽了我对当代艺术语境的理解深度，让我看到了更多以往被忽略的细微之处。这本书无疑是为有一定基础的爱好者或专业人士准备的，它要求读者拿出真正的学术热情来对待。

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我注意到这本书在引注和参考文献方面的处理，简直是典范中的典范。每一处引文、每一次理论的援用，都附带着详尽而精确的出处标注，这不仅体现了作者严谨的学术操守，更重要的是，它为我们这些希望进行更深入研究的读者，铺设了一条清晰的求知路径。翻到书的末尾，那个长达几十页的参考书目，本身就是一份令人兴奋的“阅读清单”，其中包含了许多我从未听说过的重要期刊和专著。这说明作者的学术功底极其扎实，他并非仅仅是综合前人已有的观点，而是通过大量的原始资料和一手文献研究，构建出了自己独特而有力的论证体系。对于任何严肃对待艺术史研究的人来说，这本书的价值，有一半体现在它“说了什么”，而另一半则体现在它“指向了哪里”。它不仅仅是一本书，更像是一张通往更深层次知识殿堂的地图和通行证，它的存在本身，就极大地提升了我们对这一领域进行严肃探讨的门槛和标准。

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这本书的选材视角非常大胆且富有远见，它没有把焦点仅仅集中在那些耳熟能详的“大师”身上，而是花费了大量篇幅去探讨那些边缘的、跨学科的、甚至是被主流艺术史遗漏的声音。我尤其喜欢它对装置艺术、行为艺术以及新兴媒体艺术在那个特定历史时期如何进行自我定位和表达的深入剖析。作者似乎拥有一个极其敏锐的雷达，能够捕捉到那些在当时还很微弱，但却预示着未来走向的艺术实验。这种“先知式”的观察，使得阅读体验充满了历史的宿命感，你能清晰地看到如今许多成熟的艺术形式，其最初的萌芽和挣扎。更难能可贵的是，它没有将这些实验性的作品视为纯粹的理论产物，而是将它们放回到当时的社会、政治和技术背景中进行考察，使得艺术的“为什么”变得比“是什么”更加引人入胜。它成功地打破了传统艺术史中那种以绘画和雕塑为中心的叙事垄断，为读者打开了一扇通往更广阔、更多元艺术景观的大门。

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这本书的装帧设计简直是一场视觉盛宴，厚实的纸张散发着一股沉静而高级的墨香，让人忍不住想立刻翻开它，沉浸在文字和图像构建的世界里。我特别欣赏封面那种克制而富有张力的设计，没有采用时下流行的浮夸风格，而是用一种近乎古典的严谨感，预示着内里内容的深度与广度。从第一眼接触到它，我就感觉到，这不是一本快餐式的艺术图册，而更像是一件值得收藏的艺术品本身。内页的印刷技术达到了一个惊人的水准，即便是最细微的色彩过渡和纹理细节，也得到了精准的还原，尤其是那些跨页的大幅作品展示，那种扑面而来的冲击力，让人仿佛真的置身于画廊之中，近距离地去感受艺术家的笔触和情绪。装订的工艺也极其考究，书脊的平整度和翻页的顺滑感都体现了出版方对品质的极致追求。我花了好长时间才舍得看完所有的前言和目录，仅仅是这些“配件”部分，就已经透露出编者对这门学科的敬畏之心，那种对待知识的匠人精神，是如今数字化阅读时代中非常难得的体验。手捧着它，那种实在的重量感和温度感，是任何电子阅读器都无法替代的，它让我重新认识了“阅读”这件事，它不仅仅是信息的摄取，更是一种物质层面的仪式感。

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这本书的叙事节奏掌控得简直是教科书级别的范例，它没有试图用爆炸性的、颠覆性的论调来吸引眼球，反而采取了一种娓娓道来的、近乎哲学的探讨方式。作者在铺陈那些复杂的理论框架时，用词精准而富有诗意，很少有那种为了炫耀学识而堆砌的生僻术语，即使是面对晦涩的概念，也能通过巧妙的比喻和类比，将其拆解得清晰可见，让人茅塞顿开。最让我印象深刻的是它对“时间性”的处理，它并没有简单地按照年代顺序罗列事件，而是构建了一张相互交织的网，将不同地域、不同媒介的艺术实践并置对比，从而揭示出千禧年之交那种集体焦虑与希望并存的复杂心境。读起来一点也不觉得枯燥乏味，反而是如同跟随一位经验极其丰富的导游，穿梭在历史的迷宫中，每走一步都有新的发现，每到一个转角都有新的惊喜。这种流畅感不是靠简单的情节驱动，而是源于作者深厚的逻辑梳理能力和对主题的深刻洞察力，让我在阅读过程中，思维始终保持着高度活跃的状态，不断地与书中的观点进行辩论和确认。

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