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出版者:武蔵野美術大学出版局

作者:十時啓悦

出品人:

页数:３０ｃｍ / １０７ｐ

译者:

出版时间:２００９．４

价格:¥3,150

装帧:

isbn号码:9784901631853

丛书系列:

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穿越时空的织锦：古代服饰与礼仪的千年流转 书籍简介 本书并非专注于现代工业或技术领域，而是将目光投向了人类文明长河中至关重要的一环——古代服饰的演变、礼仪的形成及其背后的社会文化内涵。我们所要描绘的，是一部无声的史诗，一部用丝绸、麻布和刺绣编织而成的社会图谱。 第一部：衣冠之始——从实用到符号的蜕变 本书的开篇，将带领读者回到遥远的史前时代。不同于现代对服装“御寒蔽体”的单一认知，我们将深入探讨早期人类如何利用天然材料（如兽皮、树叶）来制作衣物，以及这种需求如何逐步催生出早期的纺织技术。 一、 原始的纹样与色彩的秘密： 服饰的早期功能并非仅仅是保暖。我们会分析出土文物和古代壁画中展现的原始图腾和色彩运用，探讨这些图案如何成为部落身份的标识，以及矿物、植物染料的采集和使用，如何标志着早期化学知识的萌芽。 二、 礼仪的胚芽： 随着农耕文明的兴起，社会结构开始复杂化。服饰开始承载越来越重的社会信息。例如，在早期王朝中，特定款式的头饰或腰带，如何无声地界定了个人的社会等级和权力范围？我们不讨论木工技艺，而是聚焦于织造和剪裁中的初始规范，这些规范如何转化为后世繁复的礼仪制度。 第二部：礼制之下的形塑——权力与等级的视觉语言 进入封建社会的中后期，服饰不再只是简单的区分，而是演变成一套严谨的、由国家机器严格控制的视觉语言体系。本书将详细梳理这一时期，各国（以中华文化圈为核心，兼顾部分丝绸之路沿线文明）如何将等级制度“穿在身上”。 一、 冕服的哲学： 重点解析“冕服”这类最高等级服饰的构成。每颗玉旒的数量、十二章纹的含义、玄色的深层哲学意义，它们如何体现“天人合一”的宇宙观和君权神授的政治合法性。这些服饰的形制固定，其意义远超布料本身，它们是活着的政治宣言。 二、 颜色的话语权： 红色、黄色、青色、黑色——每种颜色在不同朝代的官方规定中，其使用权限是如何严格限定的？我们将追溯官方织染机构的设立，以及民间私自使用“禁色”所可能带来的严重后果。这不仅仅是美学选择，更是对国家法律的服从与否。 三、 场合的仪式： 古代社交活动的复杂性远超今日。本书将细致区分祭祀服、朝会服、婚嫁服、丧葬服的形制差异。例如，在重要的祭祀仪式中，官员的衣袖宽度、衣襟交领的角度，都必须严格遵循典籍记载，任何细微的偏差都被视为对神灵或祖先的不敬。我们探讨的是这种“仪式化穿着”对参与者心理素质的塑造作用。 第三部：丝绸之路上的交融与变迁——异域风尚的输入与本土化 服饰的演变从来不是孤立的，它随着贸易、战争和文化交流而流动。本书的第三部分将展现服饰作为“软实力”的载体，如何在广阔的地理范围内进行互动。 一、 西风东渐的痕迹： 通过对丝绸之路沿线遗迹的研究，我们将观察到胡服骑射对中原服饰审美的冲击与融合。窄袖、长靴、翻领的流行，是如何改变了传统宽袍大袖的剪裁哲学？这不仅仅是时尚的更替，更是生活方式和军事需求变化的外在体现。 二、 织物技术的传播： 复杂的织锦技术（如绫、罗、缎的制作）的传播路径，以及它们在不同文明中被赋予的新含义。例如，同样是金线织物，在拜占庭帝国的宗教意义与在中国宫廷中的世俗意义有何不同？ 三、 妆容与发式的互动： 服饰的完整性离不开面部装饰。我们将探讨不同地域的化妆品、发髻造型如何与服装风格互相呼应，共同构建出那个时代的完整形象，例如唐代大胆的额黄与飞天形象的关联，以及宋代文人服饰的清雅与淡妆的统一。 结语：衣橱中的历史回响 本书最终将回归到服饰与个体精神世界的联系。古代人如何通过精心打理自己的衣着，来表达他们的抱负、哀伤或喜悦？服饰的更迭，映射出社会主流价值观的微妙偏移。它提醒我们，每一次衣物的选择、每一次裁缝的针脚，都是历史深处投射出的，关于生存、秩序与美学的深刻思考。这并非一本关于技术操作的手册，而是一部关于“人如何存在于其所穿之物中”的社会文化史。

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老实说，这本书的某些部分读起来有点像哲学论著，完全不是我预想中那种充满锯末和汗水的实用指南。我期待看到详细的图解和步骤说明，比如如何精确地开一个燕尾榫，或者如何打磨到镜面效果。然而，这本书似乎更关注的是一种“心法”。它花了大量的篇幅去探讨时间与木材的关系——木材的干燥过程，以及它在时间流逝中颜色的变化。作者似乎在强调，真正的木工技艺，核心在于等待和耐心，而不是工具的速度。读到关于“气味”的描写时，我甚至关上书本，去闻了闻我工具箱里工具散发的油味和铁锈味，试图捕捉书中描述的那种“陈年松香”的味道。这种高度文学化的表达，对于追求效率的现代人来说，或许会显得有些“不务实”，但对我而言，却是一种精神上的洗涤。它让我明白，木工可能不只是一种手艺，更像是一种与自然物对话的媒介，要求人必须放慢脚步，摒弃浮躁。

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我本来是个对细节有点粗心的人，但读完这本书的某些章节后，我发现自己开始不自觉地留意周围环境中的光影变化和材质对比。这本书的叙事方式非常跳跃，它不是按照时间顺序或工序流程来展开的，更像是工匠在脑海中进行的一次次自由联想。比如，它可能会在讨论榫卯结构时，突然转到中世纪教堂的木结构，再跳到日本传统建筑中的斗拱艺术，然后又回到如何选择一块合适的底板。这种发散性的思维模式，虽然一开始有点让人摸不着头脑，但细细品味后，却发现它构建了一个宏大的“木头世界观”。它没有提供一个明确的“A到B”的指南，而是提供了一系列思考的支点。有一段写到如何判断木材的“脾气”——什么样的木性更容易开裂，什么样的木材更容易受潮——写得极富经验色彩，感觉像是作者蹲在工作台前，用了一辈子的时间总结出来的“江湖秘籍”。我尤其喜欢它对“失败”的定义，书中认为，木工中的失败往往是新的可能性，是木材在告诉你它“不想”变成什么。这极大地缓解了初学者的焦虑感。

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我必须承认，这本书的知识密度非常高，但它并不是那种让你合上书本就能立刻上手实践的教材。它的价值更偏向于理论的构建和审美的提升。书中对“木材的生命周期”有着近乎于生物学的探讨，从树的生长环境、水份含量对纤维结构的影响，到最终被切割成板材后的应力释放过程，描绘得细致入微。我尤其喜欢它对木材“缺陷”的处理态度。书中提到，一块木头上的死节、虫洞，不应被视为瑕疵，而是它独一无二的“历史印记”，工匠的工作不是消除这些印记，而是学会如何巧妙地将它们融入设计之中。这种尊重自然随机性的态度，与我们这个力求完美无缺的时代形成了鲜明的对比。读完后，我对挑选材料的标准不再是“最好的”，而是“最适合的”，这是一种极大的心境转变。这本书更像是一部木材美学史诗，而非操作手册，它教会我如何“看”木头，而不是如何“用”木头。

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这本书的语言风格极其个人化，仿佛是一位年迈的工匠，在炉火边，对着一个好奇的学徒，娓娓道来的私房话。用词典雅而精准，很少使用现代工业术语，更倾向于使用那些在日常生活中已经消亡的词汇来形容工具和技法。例如，它描述锯木头的声音时，用了“如泣如诉”这样的词语，而非简单的“摩擦声”。这种强烈的代入感，让我仿佛能闻到那间充满灰尘和阳光的老旧作坊的味道。最让我印象深刻的是，书中几乎没有提到任何电动工具。所有的操作都围绕着手持工具展开，从最基础的斧头劈砍，到最后的精细修饰，无一不体现出对传统手工艺的坚持。这让我开始反思自己对“效率”的过度追求。我开始尝试用更原始的方法去处理一块木料，即使过程缓慢，但当木屑按照预期的轨迹飞出时，那种满足感是电动工具无法给予的。这本书像一把钥匙，打开了我对“慢工出细活”背后真正含义的理解。

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这本《木工》的装帧设计真是让人眼前一亮，那种带着原木香气的封面纸张，触感粗粝而又温暖，让人忍不住想多摸几下。光是看着它放在书架上，就感觉整个房间的格调都提升了。我本来是想找一本关于传统家具制作的书，没想到这本的切入点如此新颖。它似乎更侧重于木材本身的哲学和美学，而不是生硬的技术手册。比如，书中对不同树种纹理的描绘，简直像是在读诗。作者用非常细腻的笔触，描述了刨花飞舞时阳光穿透的瞬间，以及木屑堆积时散发出的那种特有的、令人心安的气味。我特别欣赏它在介绍工具时，那种近乎于崇敬的态度，将每一把刨子、每一把凿子都视为工匠灵魂的延伸，而不是冰冷的钢铁。这本书的排版也十分讲究，大片的留白让阅读过程变得非常舒缓，仿佛在提醒读者慢下来，去感受每一个细节。对于一个初涉木工领域，但更迷恋材料本身的人来说，这本书提供了一种全新的视角，让我开始思考，我手中的木料，它原本是一棵怎样的树，它经历了怎样的风雨才走到我的案前。它引导我去倾听木头的故事，而不是急于将它雕琢成我想要的样子。这种对材料的敬畏，是很多技术书籍里所缺失的。

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