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出版者:University of Illinois Press

作者:Gilbert Chase

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1987-11-01

价格:USD 34.95

装帧:Hardcover

isbn号码:9780252004544

丛书系列:

图书标签:

• 美国音乐
• 音乐史
• 文化
• 爵士乐
• 蓝调
• 摇滚乐
• 乡村音乐
• 流行音乐
• 音乐欣赏
• 美国文化

《美国音乐：一部探索美国声音的史诗》 内容简介 本书并非对《America's Music》一书内容的复述或总结，而是旨在为读者勾勒出一幅关于美国音乐景观的宏大图景，内容涵盖其多元的起源、复杂的发展脉络以及深远的文化影响。这部作品致力于深入剖析塑造美国音乐的那些核心力量、流派和人物，旨在呈现一部关于“美国声音”如何诞生、演变并最终定义一个民族精神的详尽历史。 第一部分：根源与熔炉——欧洲、非洲与原住民的交汇 美国音乐的起点，是一场深刻而有时是痛苦的文化融合。本书首先追溯了欧洲殖民者带来的音乐传统，特别是英国、苏格兰和爱尔兰的民间音乐和宗教圣歌。这些欧洲的旋律和和声结构为后来的许多美国流派奠定了基础，尤其是在早期的赞美诗集和民谣中得到了体现。 然而，真正赋予美国音乐独特灵魂的，是非洲的贡献。跨越大西洋的奴隶贸易带来了西非复杂的节奏、口头传统的叙事方式，以及对音乐在宗教和日常生活中核心地位的坚持。本书详细探讨了非洲音乐元素如何与美洲本土的环境相结合，催生了如灵歌（Spirituals）和后来的布鲁斯（Blues）。灵歌不仅仅是音乐，它们是希望、抵抗与信仰的载体，是美国历史上最深刻的艺术表达之一。 此外，原住民（Native American）的音乐传统虽然在早期被欧洲殖民者边缘化，但其仪式性、与自然的深刻联系以及独特的乐器和演唱风格，在无形中为整个美国声音的版图增添了神秘而古老的色彩。本书力图展现这三种看似截然不同的音乐源流是如何在美国的“熔炉”中开始相互渗透和转化的。 第二部分：拓荒、信仰与民间叙事——乡村音乐的诞生 随着美国向西部的扩张，音乐也随之深入内陆。第二部分聚焦于乡村音乐（Country Music）的早期发展。这并非一个单一的流派，而是由阿巴拉契亚山脉的民间音乐、英国的巴拉德（Ballads）、爱尔兰的小提琴曲调（Fiddle Tunes）以及非洲裔美国人的班卓琴技艺共同编织而成的复杂织锦。 书中详细考察了录音技术对乡村音乐普及化的关键作用。20世纪20年代，“山地音乐”（Hillbilly Music）的商业化标志着美国音乐产业的转折点。我们审视了像卡特家族（The Carter Family）这样奠定传统基调的先驱，以及像吉米·罗杰斯（Jimmie Rodgers）这样将蓝调元素引入乡村音乐的“蓝调牛仔”，预示着未来流派融合的趋势。这一阶段的音乐，是关于艰苦劳动、家庭价值观、失落与虔诚的直接叙事。 第三部分：城市化与洪流——爵士乐的崛起与布鲁斯的深化 20世纪初，城市化加速，特别是新奥尔良成为了一个音乐的爆炸中心。爵士乐（Jazz）的诞生是美国音乐史上最伟大的创新之一。本书深入分析了新奥尔兰爵士乐的集体即兴创作、拉格泰姆（Ragtime）的切分节奏，以及布鲁斯结构如何共同构筑了爵士乐的骨架。 从新奥尔兰到芝加哥、再到纽约的哈莱姆，爵士乐经历了从迪克西兰风格到大乐队摇摆乐（Swing）的演变。这一部分着重探讨了路易斯·阿姆斯特朗（Louis Armstrong）在将独奏提升到前所未有高度上的革命性贡献，以及摇摆乐作为国家娱乐主流的辉煌时代。 同时，布鲁斯也从密西西比三角洲的田间地头，通过“大城市”的迁移，发展成为电力驱动的都市音乐——芝加哥电声布鲁斯（Electric Blues）。这种转变不仅是音量的增加，更是表达方式从内敛到外放的文化宣言。 第四部分：革命的节拍——摇滚乐的诞生与青年文化的重塑 二战后的美国社会，经济繁荣与代际冲突并存，为一场音乐革命提供了肥沃的土壤。摇滚乐（Rock and Roll）的出现，是流行音乐史上最具颠覆性的事件。本书揭示了摇滚乐如何巧妙地融合了节奏布鲁斯（R&B）、乡村音乐和福音音乐的元素。 我们详细分析了猫王（Elvis Presley）如何将非裔美国人的音乐风格带入主流白人听众的视野，以及早期先驱如查克·贝里（Chuck Berry）和小理查德（Little Richard）在歌词和舞台表现上所展现出的反叛精神。摇滚乐不仅仅是新的音乐，它成为了战后美国青年表达自我、质疑权威的旗帜。 第五部分：分化、实验与社会回响——从民权到迷幻 随着20世纪60年代民权运动的高涨和越战的阴影，音乐的社会功能被进一步放大。民谣复兴（Folk Revival）运动，以鲍勃·迪伦（Bob Dylan）为代表，将歌词提升到了诗歌和政治宣言的高度，迫使听众直面社会不公。 与此同时，摇滚乐内部也开始爆炸性分化。英国入侵（British Invasion）带来了新的活力，而美国本土则催生了迷幻摇滚（Psychedelic Rock），探索更深层次的意识状态和实验性音景。爵士乐也并未停滞，自由爵士乐（Free Jazz）挑战了一切既有的结构，成为对既定秩序的音乐反抗。 第六部分：碎片化与全球化——当代美国音乐景观 进入后半个世纪，美国音乐进入了一个高度细分和技术驱动的时代。本书考察了灵魂乐（Soul）和放克乐（Funk）如何将布鲁斯的深度情感与非洲节奏的律动感推向极致，以及嘻哈音乐（Hip-Hop）的诞生。 嘻哈音乐，源于布朗克斯区的街头文化，通过采样的技术、对节奏的痴迷和对都市现实的尖锐叙事，迅速成为全球性的文化现象。书中分析了从早期的说唱（Rapping）到后来的硬核、南方嘻哈等多样化的分支。 最后，本书总结了美国音乐在全球化背景下的持续影响，探讨了乡村音乐如何吸收流行元素以保持其商业活力，以及流行音乐（Pop Music）在技术进步的推动下如何不断重塑听众的体验。它描绘了一个永不停止创造、不断从自身历史中汲取养分、并在每一次融合中诞出新生的音乐世界。这部作品是对这种持续、动态和充满矛盾的美国声音的全面致敬。

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这本书的装帧设计实在是让人眼前一亮，那种厚重的纸张质感，配合着典雅的字体排版，一拿在手就有一种沉甸甸的历史感。内页的插图和照片选择得非常考究，很多都是首次在国内看到的珍贵影像资料，即便是对音乐史略有涉猎的人，也能从中发现不少新意。我特别欣赏作者在叙事上的那种娓娓道来的方式，它不像一部冷冰冰的教科书，更像是一位饱经风霜的长者在茶余饭后，向你娓娓道来一段段鲜活的往事。无论是对早期的民间歌谣的追溯，还是对后世摇滚乐崛起背后社会思潮的剖析，作者都处理得恰到好处，既有学术的严谨性，又不失大众的可读性。尤其是在描述那些标志性音乐事件时，那种现场感的营造，让人仿佛真的穿越时空，置身于那个尘土飞扬的乡村小镇或是霓虹闪烁的都市俱乐部中，亲耳聆听那些塑造了时代的声音。不过，如果说有什么小小的遗憾，或许是对于某些特定流派的深入挖掘还略显保守，总觉得在某些极具争议性和创新性的领域，作者的笔墨可以再大胆一些，给读者留下更多思考的空间。总的来说，这是一本值得反复翻阅，并在不同人生阶段都能读出新体会的佳作。

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作为一名对文化史感兴趣的业余爱好者，我发现这本书在学术深度和可读性之间找到了一个近乎完美的平衡点。它没有采取那种自上而下的精英视角，而是坚持从文化土壤中去挖掘音乐的源头活水。我尤其赞赏作者对“地方性”的重视，书中对于不同地域，比如密西西比三角洲、芝加哥的南区、西雅图的地下场景，它们各自孕育出独特声音的地理决定论的分析，非常具有洞察力。这种分析不仅解释了“是什么”，更深入地探讨了“为什么会是这样”。阅读时，我仿佛完成了一次跨越美国大陆的声学考察之旅。作者的写作习惯也很有趣，他喜欢在关键的段落使用排比句式，使得那些重要的观点在视觉和听觉上都留下了深刻的印象。唯一的不足可能在于，对于一些现代的数字音乐发展趋势的探讨相对较弱，毕竟这是一个飞速变化的领域，书籍的成稿时间必然会限制其对最新现象的捕捉能力。但瑕不掩瑜，它为理解美国音乐的“前世”提供了无比坚实的基础。

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说实话，我是一个对理论性著作不太耐烦的读者，但这本书成功地抓住了我的注意力，这本身就说明了问题。它的语言风格非常具有画面感，即便你不懂乐理，也能通过作者的描述构建出清晰的听觉想象。这本书最吸引我的地方，在于它对音乐“跨界”现象的细腻处理。比如，当爵士乐如何渗透进古典音乐的结构，或者乡村音乐的简单旋律如何被流行工业重新包装，这些转换过程中的张力与妥协，作者都描绘得淋漓尽致。它不是简单地罗列事实，而是在探讨一种文化基因的遗传与变异。我感觉作者对每一位音乐家都怀有一种近乎朝圣般的敬意，他笔下的那些人物，不再是高高在上的偶像，而是一个个活生生的、充满矛盾和激情的创作者。不过，在某些涉及20世纪后半叶音乐爆炸性增长的部分，篇幅的分配似乎略显仓促，那种信息量爆炸的时代，如果能有更多的篇幅来细化每一个分支流派的影响力，想必会更加完美。总而言之，这是一本可以带着耳机，边听边读的绝佳读物。

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这本书的文字密度相当高，但得益于作者精湛的叙事技巧，阅读起来并不感到枯燥乏味。我最欣赏它对“冲突”的描绘。美国音乐史本质上就是一部充满张力的历史，是种族、阶级、商业化与艺术纯粹性之间永恒拉锯的过程。这本书将这些复杂的社会学概念，通过具体音乐流派的兴衰沉浮巧妙地展现出来。例如，探讨摇滚乐如何从边缘文化被主流市场接纳并最终“驯化”的过程，那种微妙的文化挪用与反挪用，被作者解析得入木三分。我感觉作者像一个高明的策展人，将成千上万的音符、故事、人物，精心地布置在一条清晰的时间线上，让读者能够清晰地看到文化是如何被“创造”和“消费”的。我个人的阅读习惯是做大量笔记，而这本书几乎每一章都能让我找出至少三到四个值得摘抄的核心观点。它不仅仅是关于音乐，更是关于美国梦的复杂回响，是理解现代社会文化运作机制的一把钥匙。对于任何想深入了解西方现代文化核心驱动力的人来说，这本书都是不可绕过的一座里程碑。

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我是在一个偶然的机会下接触到这本巨著的，坦白说，最初是被它那宏大的主题所吸引，毕竟“美国音乐”本身就是一个包罗万象、极具探索性的领域。阅读的过程，与其说是学习，不如说是一场精神上的漫游。作者构建的叙事框架非常清晰，他巧妙地将音乐的发展与美国的社会变迁、种族冲突、工业化进程紧密地联系起来，展现出音乐如何成为社会情绪的晴雨表和反抗精神的载体。这本书的厉害之处在于，它没有陷入过度赞美或是过度批判的窠臼，而是以一种近乎人类学的视角，冷静而深情地记录着每一种曲风的诞生、演变和消亡。我尤其喜欢其中关于“蓝调”起源那一章节的论述，那种对劳动者、对边缘群体心声的捕捉和转译，简直是神来之笔。它让我明白，那些看似简单的音符背后，蕴含着多少挣扎与希望。阅读体验中，我常常会忍不住停下来，去寻找书中所提及的那些音乐家的原始录音，每一次的对照，都加深了对文字描述的理解。这本书的价值，已经超越了音乐范畴，它是一部关于美国精神如何通过声音来定义自己的历史文献。

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