Die Macht des Dinglichen. Skulptur heute!

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出版者:
作者:Unknown.
出品人:
页数:120
译者:
出版时间:2007-2
价格:80.00元
装帧:
isbn号码:9783879099122
丛书系列:
图书标签:
  • 雕塑
  • 当代艺术
  • 物质性
  • 现象学
  • 艺术哲学
  • 德国艺术
  • 现代雕塑
  • 艺术理论
  • 空间
  • 对象
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具体描述

Unter dem Motto »Zurück zum Objekt« zeigen 24 junge Bildhauerinnen und Bildhauer, die bereits in der Kunstszene Fuß gefasst haben, eine Auswahl ihrer Werke. Statt der klassischen Materialien verwendet diese neue Generation Stoffe wie Leder, Polyester, Pappe, Tierfelle oder lackiertes Holz ohne aber den hohen handwerklichen Anspruch zu verlieren. In ihrer Gesamtheit bilden die unterschiedlichen Positionen der Künstler und ihrer Werke eine Standortbestimmung des Plastischen in der zeitgenössischen Kunst. Das Buch zeigt zahlreiche Exponate in großformatigen Abbildungen und wird ergänzt durch kurze Einführungstexte zu den einzelnen Künstlern sowie Aufsätzen zum neuen Skulpturenbegriff.

物质之形:当代雕塑的感官疆界 本书聚焦于当代雕塑实践中那些挑战传统界限、探索物质性与空间之间复杂关系的艺术家和作品。它并非对某一本特定书籍内容的复述,而是对当前雕塑领域中几种核心议题的深入剖析和多维呈现,旨在揭示雕塑如何从固定的纪念碑形式中解放出来,转变为一种流动的、参与性的、甚至短暂的体验。 一、材料的革命与感官的重构 当代雕塑的显著特征之一是对材料的彻底解放。传统雕塑受限于大理石、青铜的永恒性与庄重感,而今日的艺术家们则将目光投向了那些在日常生活中被忽视、被丢弃或被视为“低级”的物质:塑料薄膜、废弃电子元件、工业泡沫、甚至微生物群落。这种材料选择本身就构成了一种政治宣言,挑战了艺术品价值的既有标准。 本书将深入探讨这种“去贵族化”的材料运用所带来的感官体验的转变。例如,探讨诸如安妮·汉密尔顿(Anne Hamilton)在装置中对轻盈、透明材质的运用,如何使观众的目光不再是被迫地集中于一个实体,而是被引导进入一个由光线、空气和薄膜构成的呼吸空间。这不仅仅是美学上的转变,更是对观众身体感知的重新校准——从需要用力凝视的厚重感,转向对微小变化(如气流引起的波动)的敏感捕捉。 我们还会分析“软雕塑”的发展,探讨那些利用弹性、延展性或易变形材料(如硅胶、乳胶或织物)创作的作品。这些作品模糊了雕塑与身体、雕塑与服装的界限,迫使观众思考物体的“惰性”是否真的存在。例如,一些艺术家利用充气结构或记忆泡沫,创造出半自主的、不断调整形态的“生命体”,挑战了雕塑的恒久性假设。 二、空间与时间:环境叙事的崛起 当代雕塑越来越少地被视为独立于其摆放环境的纯粹客体,而更多地被视为与特定空间、历史或社会语境相互作用的场域。本书将重点考察“环境雕塑”(Environmental Sculpture)和“场地特定性”(Site-Specificity)的深化。 首先,我们审视那些介入现有建筑环境的作品。这不仅仅是简单的在室内或室外放置一件物体,而是通过干预结构、改变光线投射、或者利用现有建筑的残余痕迹(如锈迹、污渍)来生成意义。例如,分析艺术家如何利用工业遗址的巨大尺度和历史积淀,使观众在其中感受到时间的压缩和劳动的幽灵。雕塑在此不再是焦点,而是引导观众阅读和体验空间的“催化剂”。 其次,时间性成为雕塑叙事不可或缺的一部分。与传统雕塑追求的“永恒瞬间”相对,当代许多作品是关于“发生”(happening)或“衰变”(degradation)的。这包括使用易腐烂的有机材料,或设置需要长时间才能显现出完整形态的动态过程。探讨这些作品如何迫使观众面对“不完美”、“流逝”和“终结”,从而将观看行为转化为一种对存在本质的沉思。这挑战了博物馆和画廊对“保存”的执念,将“消亡”本身视为艺术价值的组成部分。 三、参与性与表演的交织:身体作为介质 当代雕塑的边界正在向表演艺术和互动装置持续渗透。本书关注那些需要观众的身体介入才能“完成”的作品,以及那些将观众的身体行为纳入其结构的作品。 一个关键的论点是,雕塑正在从“被观看的对象”转变为“被体验的系统”。探讨如“关系美学”思潮下,艺术家如何构建一个允许或鼓励非预设互动的物理结构。这些结构可能要求观众攀爬、穿越、甚至躺卧其上。通过这种方式,观众的重量、温度和移动轨迹成为了作品的临时性组成部分。 此外,书中将分析“可穿戴雕塑”或“行动中的雕塑”的概念。当雕塑被穿戴在表演者身上,或者被设计成观众可以操作和改变其形态的道具时,雕塑的物质性便与叙事和身体运动紧密结合。这种作品迫使我们重新思考“雕塑的边界”——它究竟是依附于艺术家之手,还是存在于与观看者互动所产生的能量场中? 四、图像与物质的对话:数字时代的物性重估 在图像无所不在的数字时代,实体雕塑的意义得到了重新检验。本书探讨艺术家如何回应图像的扁平化和复制性,并通过物质性来“反击”或“呼应”数字世界的存在。 一些艺术家选择夸大物质的质感、重量和在场感(presence),以对抗屏幕上的虚拟体验。他们可能采用超写实的手法,却故意在材料上留下粗糙的、非数字化的痕迹,以此强调手工劳动和物质的不可替代性。 另一方面,也有艺术家致力于探索数字模型(如3D打印文件或扫描数据)如何反哺到实体制作中。探讨这些作品如何保持数字生成的精确性与实体物质的偶然性之间的张力。例如,分析那些利用复杂算法生成形态,然后通过传统手工技艺或工业技术实现的作品,它们揭示了当代创作中,虚拟蓝图与物理现实之间不断拉锯的复杂关系。 结论:雕塑的持续“在场” 本书旨在描绘一幅当代雕塑的动态地图,它不再是一个封闭的、关于永恒形式的研究领域,而是一个开放的、不断与时代的技术、社会和感知经验进行协商的实验场。通过对材料、空间、时间、身体和图像之间关系的梳理,我们可以看到,当代雕塑的真正力量在于其持续的“在场”(actuality)——它拒绝被完全定义,坚持以其多重、有时甚至是矛盾的物质性,在我们的现实世界中开辟出新的感知维度。

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我总觉得,许多探讨当代艺术的著作,在赞美新颖和前卫的同时,会不经意地削弱艺术创作本身的艰辛和物质基础。但这本书不同,它非常诚实地面对了雕塑作为一种“体力劳动”和“物质耗费”的本质。作者毫不讳言地讨论了艺术家在面对粘土、钢铁、树脂等不同介质时所遭遇的技术困境与哲学选择。这种对“制作过程”的尊重,让整本书的论述充满了扎实的地面感,而不是漂浮在空中的纯粹概念游戏。读到关于规模与公共空间介入的部分时,我深刻体会到,那些看似静止的雕塑,其实是艺术家与城市肌理进行长期、甚至对抗性协商的结果。这本书成功地将雕塑从传统的“底座之上”的孤立地位中解放出来,将其视为社会和物质文化网络中的一个关键节点进行剖析。

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这本书的排版和视觉呈现同样值得称赞,这对于一本关乎“物”的书来说至关重要。那些用于佐证论点的作品图片,选择得极其考究,不仅清晰度高,而且很多角度都是罕见的,似乎能捕捉到雕塑在特定光线下,材料质地变化的最微妙瞬间。这让阅读体验从纯粹的文本吸收,升华为一种多维度的感官体验。特别是在讨论“时间性”与“物”的关系时,那种凝固在照片上的瞬间,与艺术家试图捕捉的动态过程之间的张力,被视觉语言巧妙地放大了。我喜欢作者在某些章节中采用的对比手法,将不同时代、不同文化背景下的“造型”行为并置讨论,从而凸显出当代艺术在继承与颠覆之间所走的钢丝。这本书的深厚之处在于,它不急于下定论,而是耐心地引导读者去感受材料的“重量”——物理上的重量,以及历史和意义上的重量。

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这本关于当代雕塑的书籍,初看起来似乎是对物质性与表象之间永恒张力的严肃探讨,但其内在的脉络远比预期的要复杂和迷人。作者似乎并未满足于仅仅罗列那些占据了美术馆角落、挑战传统美学的作品;相反,他深入挖掘了“物性”——那个介于纯粹的物质存在与符号化意义之间的微妙地带——是如何在今天的话语空间中被重新构建和激活的。我尤其欣赏其中对材料“记忆”的讨论,比如那些看似平凡的工业残件,是如何通过艺术家的介入,承载了超越其功能本身的社会和历史重量。全书的论述节奏把握得相当到位,从宏观的理论铺陈到微观的个案分析,过渡自然,没有给人一种生硬的学术堆砌感。读完后,你会开始以一种全新的视角审视身边的一切物品,意识到日常的坚硬与冷漠背后,其实蕴藏着巨大的、亟待被解读的哲学矿藏。这不只是一本艺术史或艺术理论书,更像是一份邀请函,邀请读者进入一场关于“存在”本身的感官与智识冒险。

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这本书最让我心悦诚服的一点,是其对待“观看”行为的批判性反思。作者没有将读者简单地视为被动接受信息的接收者,而是将观看本身也视为一种积极的、具有建构性的行为。他探讨了在信息爆炸的时代,如何重新训练我们的眼睛,去关注那些在海量图像流中被忽略的、具有物质存在感的对象。书中对“表面性”的分析达到了一个新高度,它不再仅仅指视觉的吸引力,而是深入到材料如何通过其纹理、光泽或粗糙度,来“讲述”自己的生成故事。这种对细节的执着,使得阅读过程充满了发现的乐趣,仿佛每一次翻页,都是一次对未曾被认真对待的物质世界的重新校准。对于任何想要深入理解视觉文化如何塑造我们的现实感的人来说,这本书都是一份不可多得的、具有长期参考价值的文本。

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坦白说,当我翻开第一页时,我有点担心这是一部晦涩难懂的德语学术译本,充斥着我不太熟悉的哲学名词和理论框架。然而,令人惊喜的是,作者的叙事风格展现出一种近乎诗意的清晰度。他似乎非常擅长将那些看似遥不可及的观念,通过具体、生动的艺术实践案例进行落地转化。那些被选入讨论的作品,无论是体量上的巨大冲击,还是概念上的精妙布局,都为理论提供了坚实的锚点。书中对于“空间性”的探讨尤为精辟,它不只是讨论雕塑占据了多少立方米,而是探讨了作品如何主动地“塑造”其周围的环境和观看者的身体经验。我发现自己经常会停下来,合上书本,试图在脑海中重构那些被描述的展览现场,感受那种作品与环境之间微妙的、无声的对话。这本书的价值在于,它提供了一套高阶的视觉解码工具,让你在面对那些挑战性极强的当代艺术品时,不再感到无措,而是充满探究的欲望。

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