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页数:522

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出版时间:2009-3

价格:37.00元

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isbn号码:9787103032275

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《古今诗话论丛》 导言：文字的河流与思想的潮汐 《古今诗话论丛》并非一部轻松的读物，它是一次对中国古典文学精神的深度潜航，是对千年来诗歌创作理论、审美变迁、以及文人个体命运交织图景的宏大梳理。本书汇集了作者数十年潜心研究的结晶，旨在突破传统“诗话”的碎片化叙事模式，构建一个系统而富有洞察力的文学批评理论框架。我们不关注流派的简单划分或名家的轶事罗列，而是聚焦于“诗性”本身是如何在不同历史语境下被定义、被挑战、并最终演化为中国文化核心价值的。 全书结构严谨，分为“溯源”、“辨体”、“论境”、“评人”四大卷，层层递进，力求从本体论的高度理解诗歌在中国文人心灵世界中的不可替代性。 --- 第一卷：溯源——“诗言志”的千年回响与嬗变 本卷追溯“诗”作为一种文体形式的起源，重点考察先秦两汉时期诗歌理论的奠基性文本，并对比分析其在魏晋南北朝时期的理论重塑。 一、从《尚书》到《风》、《雅》、《颂》的文本学考察： 我们深入剖析了“诗言志”的核心内涵如何从早期的政治道德功能，逐渐向个体情感的抒发过渡。本卷特别关注《毛诗序》的诠释体系，并非将其视为僵化的教条，而是视为一种将个体经验“政治化”和“教化化”的早期理论尝试。分析了汉代《毛诗序》对后世诗歌批评的隐性制约。 二、魏晋风骨与“缘情体”的勃兴： 重点探讨了建安风骨（曹氏父子）与玄学思潮（嵇康、阮籍）对诗歌主体性的解放。本书认为，魏晋时期是“诗歌主体”真正诞生的关键节点。通过对“缘情体”、“幽咽体”的详细辨析，揭示了知识分子在乱世中如何通过诗歌寻找精神避难所，并确立了“真性情”作为诗歌评价的最高标准之一。我们详细比对了钟嵘《诗品》与刘勰《文心雕龙》中关于“风骨”、“神韵”的不同侧重，指出文学批评已从外在的政治标准，转向内在的审美体验。 三、陶渊明：回归田园的理论反思： 陶渊明的诗歌实践被视为对魏晋“形神之争”的独特回应。本节深入分析了“平淡”之美在理论上的艰深性——它如何要求作者在不事雕琢的外表下蕴含深厚的人生哲学与艺术技巧，避免滑向粗糙的“自然主义”。 --- 第二卷：辨体——格律、声律与意象的工程学 本卷聚焦于格律诗成熟后的技术层面探讨，尤其关注唐代诗歌理论对形式与内容的张力处理。 一、近体诗的“数学美学”： 探讨近体诗（律诗、绝句）的格律限制如何非但没有束缚创作，反而激发了新的创造力。我们引入了声韵学的概念，分析了平仄、对仗在构建诗歌节奏感和“张弛有度”的审美效果中的作用。本卷特别分析了唐代诗人对“拗救”的自觉运用，将其视为一种突破规则以达成更高艺术效果的成熟技法。 二、杜甫与李白的“技术二元性”： 通过对杜甫“沉郁顿挫”和李白“飘逸豪迈”的技巧拆解，论证了同一格律框架下，不同诗人如何通过词语的选择、句式的变化以及意象的组织，实现截然不同的精神指向。例如，分析杜甫如何运用复杂的排比和散文化的词语进入律诗结构，以承载厚重的社会现实。 三、盛唐意象群的符号学解读： 考察唐诗中高频出现的意象（月、山、水、酒、笛）在不同语境下的意义漂移。我们借鉴现代符号学理论，分析了这些意象如何从自然景观被提炼为情感的载体，并最终固化为一种诗歌“语汇库”。 --- 第三卷：论境——由“境”入“道”的审美转换 本卷深入探讨了宋代诗歌理论对唐代“盛气”的反拨，以及“意境”理论如何成为宋诗批评的核心标准。 一、宋人对“以文为诗”的争论与包容： 宋代诗学（尤其江西诗派）对“以文为诗”的辩论，实质上是对诗歌语言边界的探索。本书认为，宋代诗人试图将更复杂的逻辑思辨和更贴近日常的语言纳入诗歌，挑战了唐诗的“清雅”规范。我们分析了黄庭坚的“点铁成金”与“换骨夺胎”理论，认为这标志着对创作主体能动性的空前强调。 二、禅宗影响下的“空”与“无”： 重点分析了宋代诗歌中对“禅理”的渗透。诗歌不再仅仅是“言志”或“缘情”，而是追求一种“不着一字，尽得风流”的空灵之境。我们详细剖析了苏轼“无意而为”的创作观，并将其置于宋代理学思潮的背景下进行考察，说明审美追求如何与哲学探讨紧密挂钩。 三、意境的生成与“理”的介入： 本卷总结了“意境”这一范畴的复杂性，它既包含主观的情感投射（意），也依赖于客观的物象描绘（境），更重要的是，它需要一个贯穿始终的哲学“理”作为支撑，使诗歌超越瞬间感受，达到永恒的审美价值。 --- 第四卷：评人——诗格、人品与批评史的张力 本卷转向文学批评史本身，探讨批评家如何通过评价“人”来确立“诗”的价值体系，并分析历代批评标准的内在矛盾。 一、诗格与人品的缠绕： 探讨中国古典批评史上“诗如其人”的根深蒂固的观念。从李贽的“童心说”对传统“卫道”观念的冲击，到袁枚对格律的解放，本书剖析了理论家如何在维护道德标准的“人品”与追求艺术突破的“诗格”之间进行艰难的平衡与取舍。 二、清代诗学的集大成与反思： 详细梳理了清代诗歌理论的“复古”倾向。王士禛“神韵说”对唐诗的推崇，实际上是对宋代“理趣”的一种反动。我们分析了这一时期对“格调”的极致推崇，如何导致了部分作品的僵化，同时也催生了对汉魏古风的更深层次的挖掘。 三、文学批评的代际冲突与传承： 本卷以时间为轴，梳理了历代诗歌理论家之间的对话、批评与继承关系，揭示了文学批评史并非一条平滑的线性发展，而是一系列基于时代精神的、充满张力的观念更迭。每一代理论的提出，都是对前代既有范式的有力回应或颠覆。 --- 结语：诗歌作为文化基因的永恒生命力 《古今诗话论丛》的最终目的，是提供一套理解中国古典诗歌创作心理与审美哲学的工具箱。它证明了中国诗歌的魅力，不仅在于其优美的辞藻和动人的情感，更在于其内部孕育的，关于“如何思考世界”、“如何安放灵魂”的成熟而深刻的理论体系。本书旨在邀请读者，放下对“技巧”的肤浅好奇，进入到对“诗性”哲学的庄严探寻之中。 --- 附录：主要引文版本考证与注释 （此处为学术性补充，涵盖了对《文选》、《诗品》、《批点唐诗》等重要文献的底本选择说明及详细的考据注释，确保论述的扎实性。）

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这本书，初拿到手，那厚实的装帧和略带陈旧的书香气，一下子就把我带回了某个阳光斑驳的午后，坐在老式木椅上，听着收音机里传来的咿呀唱腔。我本来对“曲艺”这个词汇有些模糊的概念，只知道那是传统戏曲的一种泛称，可这本书的开篇，简直就像一扇通往地下宝库的暗门，猝不及防地把我拽了进去。它没有那种生硬的学术腔调，反而像是一位饱经风霜的艺人，坐在炉火旁，娓娓道来他这一行的前世今生。我印象最深的是对早期鼓书艺人的描绘，那些在街头巷尾、茶馆酒肆间以三寸不烂之舌养家糊口的人，他们的悲欢离合，他们的绝活儿技艺，被作者用近乎散文诗的笔调勾勒得淋漓尽致。尤其是对“说、学、逗、唱”这四大基本功的解析，细致入微，让人忍不住想拿起桌上的物件，学着敲打起来。这本书的价值，不在于罗列了多少曲种的名字，而在于它成功地复原了那个“活着的”曲艺生态，让我感受到每一个音符背后，都沉淀着时代的重量和人生的况味。它让“曲艺”不再是博物馆里的陈列品，而是跳动着的、带着烟火气的艺术脉搏。

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读完第一章，我感觉自己像是刚从一场热气腾腾的大澡堂里出来，浑身舒畅，但又带着点意犹未尽的迷蒙。这本书的叙事节奏非常抓人，它不像传统的艺术史著作那样按部就班地梳理流派和演变，而是像一个极其挑剔的美食家，专门挑出那些最精华、最能体现地方特色的“菜肴”来细细品味。我特别喜欢作者处理地域文化差异的方式。比如，它如何区分北方大鼓的浑厚与南方弹词的婉约，那种对比不是简单的“甲好乙差”，而是深入到当地的社会结构、生活习俗甚至气候特征中去寻找源头。读到某一段关于苏南评话“说书人”如何用眼神和手势与台下观众“交流”的描写时，我竟然不自觉地在椅子上模仿了一下那种身段。这种互动性极强的写作手法，使得原本枯燥的理论分析变得生动起来，每一个段落都仿佛在耳边低语，邀请你加入这场艺术的盛宴。它对“道白”艺术的探讨尤其精彩，那种对语言韵律的把握，比任何文学理论书籍都要来得直观和震撼。

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这本书的装帧设计简直是个灾难，厚是真厚，但内页的纸张实在不敢恭维，印刷的字体也略显拥挤，让人在长时间阅读后眼睛格外疲劳。不过，撇开这些硬件上的槽点不谈，它的内容深度是毋庸置疑的，甚至可以说，它超越了我对一本“曲艺”相关书籍的期待。作者显然不是泛泛而谈的理论家，而是真正深入田野、拜访过无数老艺术家的“行家”。他记录的那些口述史料，那些鲜为人知的小段子、小插曲，为研究那个特定历史时期下的民间娱乐形态提供了无比珍贵的实证。书中对“行话”的解释，更是让我大开眼界，那些看似晦涩难懂的专业术语，在作者的翻译下，立马变得清晰可辨，仿佛解锁了一套密语。我特别想提一下其中关于“撂地”艺术的篇幅，那种对艺人如何在竞争激烈、环境恶劣的外部压力下，依然保持其艺术生命力的描述，充满了张力与悲壮感。这本书，与其说是在介绍艺术形式，不如说是在抢救一段濒临失落的民间记忆。

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我通常对这种专注于单一艺术门类的书籍敬而远之，总觉得内容会过于小众、难以消化，但这本书却以一种近乎“破壁”的姿态，成功地将我这个外行人拉进了门。它的叙事逻辑非常清晰，层层递进，从宏观的历史脉络切入，迅速聚焦到具体的表演细节上。让我感到惊喜的是，书中对“音乐”本身的讨论并没有被“语言”或“表演”的叙事所掩盖。作者对不同曲种的腔调、板式、伴奏乐器的配置和运用，有着极为敏锐的听觉洞察力。例如，它对某个地方戏曲中“起腔”时情绪的酝酿过程，那种声带的颤抖、气息的控制，分析得细致入微，简直像是在听一场慢镜头回放的现场演唱会。这种从声音本体出发的分析，使得这本书不仅仅停留在文化介绍层面，而是真正进入了艺术的肌理之中。对于想了解“为什么这个唱腔会这样唱”的读者来说，这本书提供了足够坚实的听觉支撑。

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坦白讲，我最初购买这本书是带着一种功利性的目的——希望快速掌握一些必备的基础知识，以便在某个场合能说上几句门道。然而，这本书的阅读体验却完全颠覆了我的预期。它没有提供那种可以迅速拿来炫耀的“速成知识点”，反而引导我进行了一种漫长的、沉浸式的“聆听之旅”。作者的笔触极为克制，他从不煽情地渲染悲情，而是通过冷静的白描和对细节的精确捕捉，让读者自己去感受艺术的艰辛与美好。我特别欣赏他对“传承人”这个概念的探讨，他并没有将他们神化，而是将他们置于社会变迁的巨大洪流中，考察他们如何在市场经济和文化革新的双重挤压下，艰难地维持着艺术的火种。这本书的后记，非常感人，它不是对前文的总结，而是一种对未来的期许和一份沉甸甸的责任感。读完它，我深刻体会到，对曲艺的喜爱，已经从一种表面的好奇，转变成了一种对文化根脉的深切关怀。

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