粟津潔の仕事　１９４９‐１９８９ pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:河出書房新社

作者:粟津潔

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1989-10

价格:4,282

装帧:Unknown Binding

isbn号码:9784309261218

丛书系列:

图书标签:

• 栗津洁
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建筑的诗意与身体的记忆：当代日本建筑与装置艺术的探索 第一卷：空间、身体与日常的重构 本书汇集了自二战后至上世纪末近半个世纪以来，一批重要的日本建筑师、艺术家和设计师在探索“空间”与“身体”关系上的开创性实践与理论思考。它并非聚焦于某一位创作者的完整职业生涯，而是通过一系列具有里程碑意义的项目、展览和论述，勾勒出日本战后在面对现代化冲击、传统消解与全球化浪潮时，如何重新定义人居环境、材料运用以及身体在特定空间中的存在感。 第一章：战后重建的结构性焦虑与微观尺度的回归 战后日本百废待兴，建筑界面临着如何快速、高效地提供居住空间的巨大压力，同时也伴随着对西方现代主义建筑（如勒·柯布西耶的国际风格）的吸收、批判与本土化尝试。本章深入分析了在这一背景下，一些先锋建筑师如何拒绝宏大叙事，转而关注“非标准”的建造方式。 重点考察了以“小住宅”为研究对象的实验性作品。这些作品往往通过对传统日式住宅（如町屋或民居）的结构逻辑进行解构与重组，探索如何在极小的空间内实现功能的复合化与精神上的充裕感。研究了木材、纸张、泥土等传统材料在现代语境下的“再生”——它们不再是廉价的替代品，而是被视为承载文化记忆和触觉体验的媒介。 特别讨论了“场所精神”（Genius Loci）的概念在战后语境下的重塑。如何在水泥钢筋的丛林中，通过对自然光线、风的流向、以及视线垂直交错的精细控制，重建起与土地、季节的联系？这不仅是美学问题，更是社会学和心理学层面的应对策略。例如，通过对庭院尺度的压缩与内向化处理，探寻个体在集体主义文化压力下的庇护所。 第二章：身体的介入：装置艺术与行为的边缘地带 本卷的第二部分将视野从固定的建筑空间转向流动的、临时的艺术介入。关注点转向那些模糊了建筑、雕塑与表演界限的早期装置艺术实践。 探讨了如何利用非传统材料（如塑料布、工业废弃物、光纤）来构建临时性的、可渗透的空间结构。这些结构往往不是为了居住，而是为了“体验”——它们迫使进入者改变其日常的行走、站立和观看姿态。通过对光线和阴影的操纵，这些作品挑战了观看者对稳定、实体结构的依赖。 详细分析了“身体的位移”作为核心主题的艺术创作。讨论了几组关键的展览案例，其中艺术家们通过设置迷宫般的回廊、低矮的天花板或倾斜的地面，系统性地干扰了观看者（或使用者）的平衡感和方向感。这种通过身体的挫败感来激发对“空间认知”反思的手法，是当时日本先锋艺术界对抗既有审美规范的重要武器。重点研究了这些装置作品中对“不完全性”和“未完成感”的强调，这与西方传统雕塑追求的完整性形成了鲜明对比。 第三章：材料的哲学：从表皮到结构的对话 材料的选择与处理，是连接建筑与装置艺术的关键桥梁。本章聚焦于材料的“质感”（Texture）和“衰变”（Decay）的审美价值。 研究了玻璃、薄板金属与混凝土等现代材料，在日本语境下如何被赋予新的“触感”。例如，某些建筑立面并非追求光滑的反射，而是故意展现出浇筑时的粗粝纹理，甚至允许苔藓或锈蚀的自然生成。这种对材料“生命周期”的关注，体现了一种“物哀”的现代变体。 特别关注了“半透明性”在设计中的应用。通过使用磨砂玻璃、半透明塑料或拉伸织物，艺术家和建筑师们试图模糊室内外的边界，使空间成为一个连续的光学场域。这种处理方式不仅影响了视觉体验，也改变了身体对隐私和开放性的心理感知。这些半透明的“皮肤”不再是坚固的屏障，而是信息和光线交换的界面。 第四章：城市肌理中的介入与“去中心化”的公共空间 随着城市化进程的加速，传统社区结构的瓦解成为一个严峻的课题。本卷的最后一部分审视了建筑师和艺术家如何试图在无序扩张的城市中，创造出新的、非官方的公共交汇点。 讨论了“临时性构筑物”在城市角落的试验性建造。这些结构往往具有高度的便携性或可拆卸性，它们在特定的时间段内，为特定的人群提供交流、展示或休憩的功能。它们是对城市规划中“永恒性”和“官方性”的一种柔性抵抗。 深入分析了如何通过“路径设计”来引导和重塑城市中的日常行走经验。通过设置意想不到的坡道、狭窄的通道或突然开放的视野，艺术家试图打破通勤者对城市空间的麻木感知。这种对“流线”的重新编排，旨在唤醒行人在都市中的身体警觉性，使他们重新意识到自己是如何穿越、构成和被城市塑造的。 本书通过对这些跨越建筑、装置和批判理论的实践的梳理，揭示了战后日本设计界在面对全球化和技术革新时，所展现出的对人性、身体经验以及微观尺度环境的深刻关怀与不懈的实验精神。它强调了材料、身体感知与空间结构之间，持续不断的、富有诗意的张力。

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光是“1949-1989”这个时间段的跨度就足够吸引人了，这几乎涵盖了日本设计界从萌芽期到成熟期，并走向世界舞台的整个过程。我设想这本书的编排一定非常讲究，或许会有一个专门的章节来探讨他与“龟井胜”等同时代艺术家的交流影响，或者他如何参与到某些重要的设计运动中去。艺术家的工作往往不是孤立的，而是社会文化网络中的一个节点。如果这本书能提供一些对不同时期作品的深度分析或学术评论，那就更好了。它不该仅仅是一本“好看的图集”，更应该是一份可靠的“档案”，帮助读者定位粟津潔在日本现代设计史上的具体坐标，理解他是如何参与塑造了我们今天所看到的日本平面设计的底色和基调的。这种对历史语境的还原，是任何独立作品展览所无法比拟的。

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对于年轻一代的设计师，或者说任何一个对视觉传达艺术抱有热情的人来说，一本如此全面的回顾性作品集，其价值绝非仅仅是欣赏历史。它更像是一部实战教科书，记录了一个艺术家如何在漫长的时间跨度内，保持其核心的“声音”不被时代潮流所稀释。我们常常在讨论“风格”时，容易将其简化为一种表面的装饰技巧。但通过系统回顾一位大师从早期到成熟期的作品，我们才能领悟到真正的风格是如何从不断解决问题的过程中自然涌现出来的。粟津先生的这四十年，无疑涵盖了从战后复兴到经济腾飞，再到泡沫经济前夕的多个阶段。我想知道，在那些社会情绪波动巨大的时期，他的视觉语言是如何保持其批判性和前瞻性的，这对于我们身处信息爆炸时代的创作者，提供了绝佳的反思素材。

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这本画册的装帧本身就透露着一种年代的厚重感，纸张的质地和印刷的墨色，仿佛能让人触摸到那个特定时期的艺术气息。虽然我手头没有这本《粟津潔の仕事 1949-1989》，但我能想象，对于研究战后日本设计美学和平面艺术演变历程的同好来说，这无疑是一份珍贵的视觉文献。它所跨越的四十年，恰恰是日本社会经历剧烈变革，艺术思潮从战后复苏走向国际化的关键时期。我一直对那个时代的设计师如何将传统元素与前卫的现代主义思潮进行碰撞融合充满好奇。期待能从书中看到，粟津先生是如何在视觉语言上不断探索和突破的，比如他早期的海报设计中那种粗犷而富有张力的几何构图，如何一步步演变出后期更趋向于符号化和观念化的表达。这种跨越性的梳理，远比零散地欣赏几件作品来得更有价值，它能构建起一条清晰的创作脉络，让我们洞察艺术家面对时代命题时的思考路径。

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从一个纯粹的视觉体验者角度来看，粟津潔这个名字常常与强烈的图形力量感联系在一起。我总觉得他的作品有一种近乎音乐般的节奏感，黑白分明的对比，以及对负空间的巧妙运用，使得画面具有一种持续的张力，似乎随时都会爆发出来。如果这本选集能按照时间顺序，清晰地展现他如何运用不同的色彩体系和材质处理来服务于不同的设计目的，那将是极好的学习范本。例如，他为剧场或电影设计的宣传品，是否比他为企业标志设计的作品更具实验性？这种针对不同媒介的风格侧重，往往体现了一个设计师在不同语境下的适应性和创造力边界。我渴望看到这种清晰的对比，从而更好地理解他作品中那种既国际化又深深植根于日本美学底蕴的独特气质。

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翻阅任何一位重要艺术家的作品集，最引人入胜的往往不是那些被奉为经典的“代表作”，而是那些看似“失败”或“未完成”的草图和实验性片段。我猜想，这本涵盖了四十年工作的文集，必然包含了大量鲜为人知的幕后材料。真正理解一位创作者，需要看到他如何挣扎于材料、如何与委托方周旋，以及他最初的灵感火花是如何在无数次修改中逐渐清晰的。如果这本书能提供一些关于粟津先生的设计哲学或工作室日常的文字记录，那无疑是锦上添花。想象一下，他面对早期印刷技术的局限时，是如何用最朴素的线条创造出震撼人心的视觉冲击力。这种限制中的创造，往往孕育着最纯粹的艺术力量。对我而言，这些“杂音”比精心打磨的成品更能揭示其艺术的深度和广度。

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