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出版者:

作者:赵农

出品人:

页数:374

译者:

出版时间:2009-4

价格:49.80元

装帧:

isbn号码:9787040150407

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编撰《中国艺术设计史》之外的文化探索：西方现代主义设计思潮的兴起与演变 本书旨在深入剖析二十世纪西方世界，特别是欧洲和北美地区，现代主义设计思潮从萌芽到成熟，再到对全球设计领域产生深远影响的复杂历程。我们聚焦于技术进步、社会变革与美学理念的交织，力图勾勒出一幅清晰的脉络图，展示设计如何从古典的、手工艺的藩篱中挣脱出来，拥抱工业化与理性精神。 第一部分：工业革命的遗产与现代设计的序曲（1851-1910） 本部分着重考察工业革命对传统工艺的冲击，以及设计界对这一变革的初期反应。我们不会深入探讨中国传统艺术体系的演变，而是将目光投向维多利亚时代的英国，那里是现代设计理念最早孕育的温床之一。 1. 装饰与功用之争：工艺美术运动的遗产 我们将详细考察威廉·莫里斯领导的工艺美术运动（Arts and Crafts Movement）。尽管该运动带有强烈的复古情怀，反对机器生产的粗制滥造，但其对设计作品的整体性、材料的诚实性以及对社会责任的关注，无意中为后来的现代主义提供了重要的道德和美学起点。我们将分析其在家具、平面印刷，特别是壁纸和纺织品设计中的具体表现，并辨析其局限性——即无法完全摆脱对手工艺的理想化追求。 2. 艺术与技术的高峰：维也纳分离派与苏格兰风格 随后，我们将转向欧洲大陆，探讨“新艺术运动”（Art Nouveau，在不同地区有不同称谓，如法国的 Style Métro，德国的 Jugendstil）。本书特别关注慕夏（Mucha）的平面作品如何将商业广告推向艺术的高度，以及克里姆特（Klimt）在绘画中对装饰性图案的极致运用。更重要的是，我们将聚焦于奥地利分离派（Vienna Secession）的激进转变。以约瑟夫·霍夫曼（Josef Hoffmann）和约瑟夫·玛丽亚·奥尔布里希（Joseph Maria Olbrich）为代表的设计师，开始系统性地削弱装饰的冗余，倡导“形式追随功能”的早期雏形。他们建立的维也纳工厂（Wiener Werkstätte）的“纯粹设计”（Pure Design）理念，是向功能主义过渡的关键一步。 在苏格兰，查尔斯·雷尼·麦金托什（Charles Rennie Mackintosh）的“玫瑰与格子”美学，则提供了一种截然不同的现代主义路径：将东方审美（如日本艺术的影响）的简洁线条，融入到严谨的建筑结构和室内设计中。我们将对比麦金托什与欧洲大陆的风格差异，分析其对未来包豪斯（Bauhaus）早期设计理念的潜在影响。 第二部分：理性至上：现代主义的诞生与扩张（1910-1930） 此阶段是本书的核心，关注设计如何摆脱地域限制，通过一系列激进的艺术运动，确立起一套具有普适性的设计语言。 1. 从立体派到至上主义：抽象的解放 我们将首先探讨立体派（Cubism）对设计界观念的颠覆性影响。布拉克和毕加索对三维空间的解构，为平面设计中的网格系统和视觉拼贴奠定了基础。随后，我们将转向俄国革命后的设计高地——至上主义（Suprematism）与构成主义（Constructivism）。 马列维奇（Malevich）的“黑方块”不仅是绘画的终结，更是对所有非理性装饰的宣判。而构成主义者如罗德琴科（Rodchenko）、亚历山大·罗德琴科（Alexander Rodchenko）和斯泰潘诺娃（Stepanova）则将艺术彻底融入社会生产。我们详细分析他们如何利用照相拼贴、粗体无衬线字体（Sans-serif）以及红黑黄的色彩体系，为无产阶级创造全新的视觉识别系统和宣传工具。这一时期的设计，其社会使命感远超审美愉悦。 2. 德意志的实验场：包豪斯的建立与哲学 包豪斯（Bauhaus）无疑是现代设计史上最关键的机构。我们将深入探讨瓦尔特·格罗皮乌斯（Walter Gropius）的建校理念，即消除“艺术家”与“工匠”之间的界限，推动艺术与工业的统一。 本书将按时间顺序梳理包豪斯的几次重要转型： 魏玛时期（1919-1925）： 受到约翰内斯·伊顿（Johannes Itten）的“基本材料研究”和表现主义的影响，强调材料的感性体验。 德绍时期（1925-1932）： 在汉斯·迈耶（Hannes Meyer）和路德维希·密斯·凡德罗（Ludwig Mies van der Rohe）的主导下，转向纯粹的理性与功能至上。我们将详细分析马塞尔·布劳耶（Marcel Breuer）的“瓦西里椅”（Wassily Chair）如何通过工业钢管的运用，实现轻盈、透明与批量生产的完美结合。 平面设计规范： 重点分析赫伯特·拜耶（Herbert Bayer）对无衬线字体的推广，网格版式的确立，以及他如何系统化地将设计原则转化为可复制的教学方法论。 3. 荷兰的风格：风格派（De Stijl）的几何纯粹 与此同时，在荷兰，皮特·蒙德里安（Piet Mondrian）和特奥·凡·杜斯伯格（Theo van Doesburg）提出了“风格派”理论。与包豪斯的务实不同，风格派更具乌托邦色彩，致力于通过最基本的元素——垂直线、水平线、红黄蓝三原色及黑白灰，来表达宇宙的普遍和谐。我们将对比分析其在建筑（如里特维尔的“红蓝椅”）和平面布局中的严格应用，以及它对后世极简主义设计（Minimalism）的持久影响。 第三部分：大萧条、流亡与全球化（1930-1950） 随着欧洲政治局势的动荡，现代主义设计思潮经历了“流散”和“本土化”的过程，最终在美国获得了新的生命力，并形成了具有国际影响力的标准。 1. 现代主义的美国化 纳粹政权关闭包豪斯后，许多核心人物（格罗皮乌斯、密斯·凡德罗、勒·柯布西耶的追随者）逃亡至美国。本书将分析这种人才的转移如何催生了国际主义风格（International Style）在建筑和平面设计中的确立。我们将讨论现代主义如何与美国商业文化相结合，从乌托邦理想转变为高效的品牌传播工具。 2. 工业设计的新角色 在美国，传统的手工艺背景较弱，工业制造的驱动力更强。我们将考察雷蒙德·洛伊（Raymond Loewy）等“运动大师”（The "Father" of Industrial Design）如何将流线型（Streamline Moderne）美学应用于交通工具和家用电器，创造出既满足功能需求又具备市场吸引力的产品外观。这不是对装饰的回归，而是一种通过速度感和空气动力学暗示的“功能性装饰”。 3. 瑞士风格的崛起（Graphic Design） 在瑞士，尤其是在巴塞尔和苏黎世，现代主义设计在平面领域达到了形式上的巅峰——瑞士平面设计风格（Swiss Style，或称国际主义平面设计）。我们将详细分析约瑟夫·米勒-布洛克曼（Josef Müller-Brockmann）如何将包豪斯和构成主义的网格系统发展到极致，强调清晰度、客观性和中立性。这种风格（以无衬线字体如Akzidenz-Grotesk和后来的Helvetica为代表）成为了企业标识、交通标识和信息系统设计的全球标准。 通过对这些西方设计运动的细致梳理，本书旨在为读者提供一个全面、深入的视角，理解现代设计是如何在特定历史背景下，通过对理性、功能、抽象和工业化的不懈追求，构建起一套影响至今的设计语言体系，从而与世界其他地区，特别是与中国传统艺术设计体系的演变，形成鲜明的对照和对话基础。

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这本书的封面设计就足够吸引人了，厚重的纸张，典雅的配色，让我迫不及待想翻开一探究竟。我一直对中国悠久的艺术文化充满好奇，但市面上相关的书籍往往过于学术化，难以入门。这本《中国艺术设计史》似乎正好填补了这一空白。它不仅仅是罗列史实，更像是在给我讲故事，从远古的陶器纹饰，到唐宋的辉煌宫廷设计，再到近现代的风格演变，每一个时期都给我带来了全新的视觉冲击和知识启发。我尤其喜欢其中关于古代漆器和丝绸工艺的章节，那些精美的图案和复杂的制作工艺，让我惊叹于古人的智慧和匠心。书中配有大量高清的图片，那些文物和艺术品仿佛就在眼前，让我能更直观地感受到中国艺术设计的魅力。读完之后，我对中国艺术设计的脉络有了更清晰的认识，也更加热爱我们自己的传统文化。这本书就像一位博学而耐心的向导，带领我穿越时空的洪流，领略中国设计独有的风韵。我还会推荐给我的朋友们，让他们也能一起感受这份美的震撼。

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我是在朋友的推荐下开始阅读这本《中国艺术设计史》的，本来以为会是一本枯燥的学术著作，没想到内容却如此生动有趣，让我欲罢不能。作者的叙事方式非常独特，他不仅仅是介绍艺术品的造型和特点，更是深入挖掘了它们背后的社会文化背景和设计理念。比如，书中对汉代画像石的解读，让我看到了当时人们的生活场景、神话传说以及朴素而充满力量的审美取向。还有明清时期园林设计的章节，不仅仅是亭台楼阁的堆砌，更是中国人“天人合一”哲学思想的体现，一步一景，移步换景，充满了诗情画意。我特别喜欢书中关于书法和绘画在设计中的应用分析，那笔墨的挥洒，那线条的流动，无不蕴含着东方独有的韵味和精神。这本书的排版也很精美，文字疏朗，图片恰到好处，读起来非常舒适。它不仅仅是一本艺术史书，更是一本关于生活美学的书，让我重新审视了身边的设计，也激发了我对生活的热爱和对美的追求。

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作为一名平面设计专业的学生，我一直在寻找能够拓宽我视野、深化我理解的专业书籍。《中国艺术设计史》这本书无疑给了我巨大的惊喜。它以一种更加宏观的视角，梳理了中国设计发展的历史进程，从远古时期的萌芽，到各个朝代的繁荣，再到近现代的转型，让我看到了中国设计如何在历史的长河中不断演变和创新。书中对于不同时期代表性设计的分析非常到位，例如唐代的金银器、宋代的瓷器、以及明清家具的设计，都进行了细致的讲解，并指出了其在当时社会背景下的意义和影响。我尤其欣赏书中关于中国传统纹样和色彩运用的分析，那些充满象征意义的图案和富有东方韵味的色彩搭配，为我的设计实践提供了源源不断的灵感。这本书的逻辑清晰，论证严谨，但又不过分学术化，非常适合我们这些年轻的设计师阅读。它让我更加深刻地理解了中国设计的独特性和文化根基，也让我对自己未来的设计方向有了更明确的定位。

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我一直对中国传统手工艺有着浓厚的兴趣，这本书《中国艺术设计史》可以说是满足了我所有的期待。它不仅仅介绍了一些著名的艺术作品，更重要的是，它深入地探讨了这些作品背后的工艺技术和设计智慧。从精美绝伦的青铜器，到栩栩如生的唐三彩，再到巧夺天工的玉器，书中都对它们的制作过程进行了详尽的描述，让我惊叹于古人高超的技艺。我特别喜欢其中关于编织和刺绣的章节，那些丝丝入扣的线条，那些色彩斑斓的图案，无不展现出劳动人民的智慧和审美。这本书的语言非常平实易懂，即使是对艺术史不太了解的读者也能轻松阅读。它让我感受到了中国传统艺术设计的独特魅力，也让我对这些非物质文化遗产有了更深的敬意。这本书就像一本珍贵的画册，更像是一部生动的工艺史，让我受益匪浅。

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在翻阅《中国艺术设计史》的过程中，我被书中那些跨越千年的设计理念深深吸引。它不仅仅是一本历史书，更像是一本关于中国古代哲学与美学思想在设计中的体现的书。书中的内容，从古代的建筑布局，到日用品的造型，再到服装的纹饰，都体现了中国人对自然、和谐、平衡的追求。我特别喜欢书中关于“天人合一”思想在园林设计中的应用，那种与自然融为一体的设计理念，至今仍让人惊叹。还有书中对佛教艺术在东西方文化交流中的设计影响的分析，也让我对中国设计的包容性和创新性有了更深的认识。这本书的叙述方式非常引人入胜，它通过大量的实例，将抽象的设计理念具象化，让我能够更直观地理解和体会。它让我看到了中国设计并非一成不变，而是在历史的进程中不断吸收、融合、创新，形成了独特而富有生命力的体系。这本书让我对中国的设计文化有了更深层次的理解，也让我对民族的文化自信有了更强的认同感。

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时间线是挺清楚的，语言平顺客观，可以看得出作者的知识积累很丰富，引用古籍原文数量庞大，文笔相对精炼，读起来不枯燥。 但是章节结构上划分比较混乱，特别是各小节下面细分的标题，感觉命名过于粗暴，层次交错，某些部分甚至与细文内容联系牵强，虽然这也是艺术史类书籍的通病...

评分☆☆☆☆☆

不错 条理比较清晰

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排版真烂，但是文字易读性还行，因为很浅，都不够答题

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排版真烂，但是文字易读性还行，因为很浅，都不够答题