具体描述
《中国传统音乐》讲音乐对于人类有绝大的功用,这是无论什么人不能不承认的。我国近来最没长进的学问要算音乐了;虽然现在也有人在那里学着西人弹琴唱歌,大都还只是贵族式的,要说把音乐普及到一般民众,这真是一件万分渺远的事。而且一国的文化,也断然不是抄袭些别人的皮毛就可以算数的,反过来说,也不是死守老法,固执己见,就可以算数的,必须一方面采取本国固有的精粹,一方面容纳外来的潮流,从东西的调和与合作之中,打出一条新路来,然后才能说得到进步两个字。
“中国传统音乐”是指中国人运用本民族固有方法、采取本民族固有形式创造的、具有本民族固有形态特征的音乐,不仅包括在历史上产生、流传至今的古代作品,还包括当代作品。 传统音乐是我国民族音乐中一个极为重要的组成部分,传统音乐与新音乐的区别并不在于创作时音的先后,而是在于其表现形式及风格特征。
作者简介
目录信息
刘天华:国乐改进社缘起
刘天华:我对于本社的计划
乔建中:导读
杨荫浏:国乐前途及其研究
乔建中:导读
吕骥:中国民间音乐研究提纲
乔建中:导读
常任侠:汉唐时期西域琵琶的输入和发展
乔建中:导读
王震亚:京剧《贵妃醉酒》的音乐分析
乔建中:导读
武俊达:山歌、小调到戏曲唱腔的发展——以扬剧曲牌《梳妆台》为例
乔建中:导读
程云:试论戏曲音乐的牌子音乐及板子音乐——戏曲音乐散论之一章
乔建中:导读
郭乃安:试论民间曲调的可塑性
乔建中:导读
杨荫浏:孔庙丁祭音乐的初步研究
乔建中:导读
钱仁康:《月子弯弯》源流考——兼谈“吴歌”
乔建中:导读
高厚永:民族曲式中的变奏原则
乔建中:导读
王耀华:福建南音唱腔旋法中的多重大三度并置
乔建中:导读
董维松:民族音乐结构形态中的程式性与非程式性
乔建中:导读
杨匡民:民歌旋律地方色彩的形成及色彩区的划分
乔建中:导读
黄翔鹏:论中国古代音乐的传承关系——音乐史论之一
乔建中:导读
江明惇:关于民歌特征的美学思考
乔建中:导读
乔建中:音地关系探微——从民间音乐的分布作音乐地理学的一般探讨
乔建中:导读
栾桂娟:说书调与唱书调——论曲艺音乐的两种唱腔类型
乔建中:导读
赵宋光:旋律学学科建设刍议(注)
乔建中:导读
袁静芳:乐种学导言
乔建中:导读
黄允箴:变宫的轨迹——民歌传承的“旋律基因”探幽
乔建中:导读
· · · · · · (收起)
读后感
用户评价
说实话,我抱着极大的怀疑态度翻开了这本书,因为我对音乐理论一窍不通,我担心的就是看到一堆堆拗口的术语和密密麻麻的五线谱(尽管传统音乐不常用五线谱,但那种理论的压迫感总是存在的)。然而,这本书的作者显然深谙“化繁为简”的艺术。他的写作风格极其口语化,就像邻家那位学识渊博的老先生在炉火边给你娓娓道来。他很少直接使用“调式”、“和声进行”这类词汇,而是用具体的“情绪基调”或“色彩感觉”来替代。比如,讲述“宫调”时,作者没有给出复杂的音高关系,而是比喻为一天的光景:从清晨的“宫”到日中的“商”,再到黄昏的“羽”,这种具象化的描述让我立刻把握住了不同调式带来的心理感受。更妙的是,书中穿插了大量鲜活的民间故事和音乐家的轶闻,使得原本冰冷的音乐知识被注入了浓厚的人情味。读这本书的过程,与其说是学习,不如说是一场愉快的“聆听之旅”,它让我明白,音乐不仅仅是听觉的享受,更是文化和生活经验的载体。
我是一位痴迷于世界各地民族音乐的爱好者,平日里接触的主要是爵士乐、布鲁斯或者非洲鼓点这类充满爆发力和即兴色彩的音乐形态。所以,我对东方古典音乐的印象往往停留在“典雅”和“克制”的标签上。这本书彻底颠覆了我的固有认知。作者的叙事角度非常现代和国际化,他将中国传统音乐置于全球音乐文化的宏大图景中进行对比和分析,而不是仅仅局限于国内的语境。例如,书中有一章专门探讨了中国传统音乐在结构上与巴赫复调音乐的异同,这种跨文化的比较视角极大地拓宽了我的理解边界。最让我感到震撼的是对“戏曲音乐”的剖析,尤其是京剧和昆曲中那些极具张力的板式变化和虚拟化的表演手段,被作者解读为一种高度凝练的戏剧张力符号系统。他没有回避现代音乐理论对传统音乐的冲击,反而用一种辩证的眼光来审视传统音乐如何在新时代中寻找新的生命力。读罢全书,我不再觉得它只是“老掉牙的文化遗产”,而是感受到了一种跨越时空的、极其复杂的音乐哲学体系。
这本书最大的特点,在我看来,是其深邃的哲学思辨。它远超出了音乐学的范畴,触及到了东方宇宙观和审美情趣的核心。作者似乎在用音乐的语言来诠释“道法自然”、“天人合一”的理念。书中对“空”、“静”在音乐中的意义进行了探讨,指出中国传统音乐追求的不是音符的堆砌和密集的织体,而是音符之间的间隔、声音的消散,以及在寂静中孕育下一次声响的力量。这种对“无声之美”的强调,在当今这个信息爆炸、噪音充斥的时代,显得尤为珍贵和发人深省。它迫使读者停下来,去倾听生活本身的声音,去感受呼吸的韵律。每一次阅读,都像进行了一次精神上的洗礼。合上书本,我似乎更能体会到古人为何钟爱于在山水之间抚琴,那是因为音乐本身就是自然的一部分,是与宇宙对话的媒介。
我关注的是音乐教育领域,尤其关注如何将本土的文化资源有效地整合到中小学的音乐课程中去。这本书提供了一个极具操作性的框架。它不是那种只停留在宏观理论层面的著作,而是深入到了“如何演奏”和“如何欣赏”的细节。书中详细介绍了不同流派音乐在演奏时对气息、指法、乃至身体姿态的要求,这一点对音乐教师来说价值巨大。例如,关于南音的介绍,作者细致地描绘了演唱者喉咙的打开方式和“气口”的把握,这远比一般的教科书来得生动和细致。此外,书中对不同地域音乐风格差异的梳理也十分清晰,例如川渝一带的音乐如何带着码头的粗犷和市井的烟火气,而北方燕赵一带的音乐则显出边塞的辽阔与慷慨,这种地域性的音乐“方言”的划分,为我们设计分阶段的教学内容提供了极好的参考。它不只是讲述“是什么”,更是在教我们“怎么做”。
这本书的装帧设计真是让人眼前一亮,那种带着淡淡的宣纸纹理和古朴的墨色字体,光是捧在手里就能感受到一种历史的厚重感。我原本以为这是一本枯燥的学术论著,毕竟“中国传统音乐”这个主题听起来就充满了理论的严肃性。然而,翻开第一页,作者的笔触却异常的轻盈和富有画面感。他没有直接抛出复杂的乐理知识,而是从一个具体的场景切入——想象一下,在某个烟雨迷蒙的江南庭院里,一位老乐师正在调试他的古琴,那种“泠泠七弦上,但闻弦音似水流”的意境被描绘得淋漓尽致。书中对乐器历史的追溯也十分考究,尤其是对那些已经近乎失传的宫廷雅乐和民间曲调的描述,简直就像是给历史按下了暂停键,让我们得以窥见那些失落的声音。特别是关于“工尺谱”的讲解部分,作者用近乎散文诗的笔法,将原本晦涩难懂的符号转化成了一串串流动的音符,让一个非专业人士也能感受到其中蕴含的东方美学。读完这部分,我立刻被那种沉静而内敛的古典气质所吸引,感觉自己的心境也跟着慢了下来,开始懂得欣赏音乐中的“留白”艺术。