具体描述
Edward T. Cone was one of the most important and influential music critics of the twentieth century. He was also a master lecturer skilled at conveying his ideas to broad audiences. "Hearing and Knowing Music" collects fourteen essays that Cone gave as talks in his later years and that were left unpublished at his death. Edited and introduced by Robert Morgan, these essays cover a broad range of topics, including music's position in culture, musical aesthetics, the significance of opera as an art, setting text to music, the nature of twentieth-century harmony and form, and the practice of musical analysis. Fully matching the quality and style of Cone's published writings, these essays mark a critical addition to his work, developing new ideas, such as the composer as critic; clarifying and modifying older positions, especially regarding opera and the nature of sung utterance; and adding new and often unexpected insights on composers and ideas previously discussed by Cone. In addition, there are essays, such as one on Debussy, that lead Cone into areas he had not previously examined. "Hearing and Knowing Music" represents the final testament of one of our most important writers on music.
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用户评价
这本书最让我感到惊喜的是它对“声音的身体性”的关注。作者完全绕开了传统上将耳朵视为信息接收器的观点，而是强调声音如何在我们的皮肤、骨骼和内脏中产生共振和反应。他描述了低频的贝斯是如何穿透胸腔，引发类似恐惧或兴奋的原始生理反应，这使得“听音乐”不再是一种纯粹的智力活动，而是一种深层、几乎是本能的身体经验。我回想起多年前参加的一次大型电子音乐节，那种强烈的、物理性的声压冲击，当时我以为那只是音响设备功率过大导致的副作用，但读完这本书，我意识到那是声音设计者有意为之的“身体入侵”。作者的文字充满了感官的细节，比如描述雨滴击打不同材质的表面时，那种细微的质感差异是如何通过空气振动传递给我们的皮肤的。这种对“听觉触觉化”的探索，极大地丰富了我对声音世界的认知维度，让人感觉到，我们对声音的感知，远比我们想象的要原始和全面得多。
评分老实说，这本书的叙事节奏非常跳跃，初读时会让人有些迷茫，感觉作者似乎总是在一个话题上打转，却又不断地抛出新的哲学命题。我曾经非常期待它能提供一套清晰的、可操作的听音训练方法，比如如何快速识别和声走向，或者如何精确模仿某个大师的演奏技巧，但显然，我的期待落空了。这本书的价值恰恰在于它的“反指导性”。它拒绝提供现成的公式，更像是提供了一把钥匙，让你去打开通往自己内心声音迷宫的大门。其中关于“记忆与旋律的腐蚀”的探讨尤其令我震撼。作者引用了一些神经科学的观点，讨论当我们回忆起一首熟悉的曲子时，大脑是如何用我们当下的情绪和认知去“重写”原始的听觉记忆的。我立刻想到了我童年时听过的一首摇篮曲，如今再听，那份纯粹的温暖感似乎被我对成年后生活压力的解读所稀释。这本书迫使我去质疑：我真正听到的，究竟是声音本身，还是我主观建构的“声音的幽灵”？这种深刻的自我反思，让阅读过程充满了智力上的挑战和一种近乎冥想的体验，完全不是我预想中那种轻松愉快的音乐普及读物。
评分这本书的语言风格充满了跨学科的借鉴，可以说是相当的“文人墨客气”。作者似乎对现象学、符号学甚至人类学的知识都有涉猎，这使得某些段落的密度高得惊人，需要反复咀嚼。例如，在分析“集体聆听的仪式性”时，作者将音乐会现场比作一种现代的宗教集会，听众的同步呼吸、目光的投射方向，乃至对指挥手势的无声回应，都被视为一套复杂的非语言交流系统。这种分析角度，彻底颠覆了我过去只关注音乐本身的技术层面的习惯。我曾经只在乎乐队的完美合奏，但现在我开始注意观众席上那个不合时宜的咳嗽声，或者邻座观众紧张地翻动乐谱的声音——这些“噪音”如何在仪式中被短暂地容忍，又在音乐高潮时被集体意识所压制。阅读这本书，感觉就像是拿到了一份详尽的“声音人类学田野调查报告”，它要求读者跳出耳朵的物理限制，用全身心去体验声音在社会结构中所扮演的无形角色。
评分这本书的封面设计着实抓人眼球，那种深邃的蓝色调配上银色的字体，仿佛预示着一场关于声音和理解的深度探索。我刚翻开第一页，就被作者那种直叙却又饱含哲思的语调所吸引。它不像传统的音乐理论书籍那样堆砌晦涩的术语，反倒更像一位经验丰富的老者，坐在你对面，用最朴素的语言引导你重新审视你习以为常的听觉体验。我记得有一个章节专门探讨了“沉默的重量”，作者没有直接去分析音符之间的关系，而是花了大篇幅去描述在特定的文化背景下，一段长时间的停顿是如何承载比任何旋律都更丰富的情感信息的。这让我联想到观看一部极简主义的默片，所有的情感张力都凝聚在演员面部微妙的肌肉颤动和背景环境音的缺失中。读到这里，我忍不住放下书，静静地听着窗外微风拂过树叶的沙沙声，第一次意识到，原来“无声”本身也是一种结构严谨的音乐文本。这种由内而外的转变，是这本书最成功的地方之一，它没有教会我如何“听懂”古典乐的复杂结构，却让我开始真正地“感知”我周围世界的声景，从咖啡馆里蒸汽机的嘶嘶声到城市夜间嗡嗡作响的电流声，一切都变得可分析、可品味，充满了未曾察觉的韵律。
评分我必须承认，这本书的某些部分读起来相当晦涩，尤其是关于“时间性与音乐形态”的讨论，作者似乎更倾向于用文学化的隐喻来阐述复杂的概念，而不是用清晰的逻辑链条来引导读者。我花了很长时间才理清他关于“未来感的音乐”是如何被建构的。他认为，真正的创新并非是引入全新的音高或节奏，而是在既有的听觉框架内，巧妙地延迟听众对“解决”或“回归”的预期，从而拉伸他们对当下的体验感。这让我联想到一些后摇滚乐队，他们通过冗长、看似重复的铺陈，直到最后一个音符爆发时，听众才如释重负，那种感觉才是作者所说的“时间被操纵”的艺术体现。虽然理解这些观点需要付出极大的认知努力，但一旦顿悟，那种豁然开朗的感觉是无与伦比的。它让我对现代音乐的“缓慢”和“冗余”有了全新的尊重，认识到这不是作者的无能，而是一种对听觉耐心极限的精准拿捏与挑战。
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